VUESTROTUBE

NOMINADOS OSCAR 2012

2012-01-24T09:30:00.000-08:00

Te damos, a continuación, la lista de los nominados a las principales candidaturas. Mejor película: War horse The Artist Moneyball Los descendientes El arbol de la vida Midnight in Paris Criadas y Señoras La invención de Hugo Tan fuerte, tan cerca Mejor película extranjera: Bullhead (Bélgica) Footnote (Israel) In Darkness (Polonia) Profesor Lazhar (Canadá) Nader y Simin: una separación (Irán) Mejor película de animación: Chico & Rita A cat in París Kung Fu Panda 2 El gato con botas Rango Mejor guión adaptado: Los descendientes La invención de Hugo Los idus de marzo Moneyball El topo Mejor guión original: The artist La boda de mi mejor amiga Margin Call Midnight in Paris Nader y Simin: una separación Mejor director: Michel Hazanavicius («The artist») Alexander Payne («Los descendientes») Martin Scorsese («La invención de Hugo») Woody Allen («Midnight in Paris») Terrence Malick («El árbol de la vida») Mejor actor: George Clooney («Los descendientes») Damien Bichir («A better life») Jean Dujardin («The artist») Gary Odman («El topo») Brad Pitt («Moneyball) Mejor actriz: Glenn Close («Albert Nobbs») Viola Davis («Criadas y señoras») Meryl Streep («La dama de hierro») Rooney Mara («Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres») Michelle Williams («Mi semana con Marilyn») Mejor actor secundario Kenneth Branagh («Mi semana con Marilyn») Jonah Hill («Moneyball») Nick Nolte («Warrior») Christopher Plummer («Los principiantes») Max Von Sydow («Tan lejos, tan cerca») Mejor actriz de reparto: Bérénice Bejo («The artist») Jessica Chastain («Criadas y señoras) Melissa McCarthy («La boda de mi mejor amiga») Janet McPier («Albert Nobbs») Otavia Spencer («Criadas y señoras»)_________________

candidaturas GOYA 2012

2012-01-10T04:28:00.000-08:00

Más televisivos que nunca nominados a los Goya: Coronado, Mota, Inma Cuesta, Michelle Jenner... Además de María León, Goya Toledo, Blanca Suárez, Juanjo Artero o Marc Clotet, para los premios de este año10.01.2012La Academia de cine ha anunciado hoy los candidatos a conquistar los premios Goya. Las películas La piel que habito de Pedro Almodóvar (16 candidaturas) y No habrá paz para los malvados de Enrique Urbizu (14) se erigen como grandes protagonistas de una gala que tiene entre sus nominados a muchos rostros televisivos.Los principales triunfadores son José Coronado (Hermanos de leche, Periodistas, Acusados) e Inma Cuesta (Águila Roja), que logran estar nominados a mejor actor y actriz principal, respectivamente. Pero no son los únicos, ya que de entre los 24 actores y actrices nominados a los diferentes premios, hasta 17 son rostros con un pasado (o un presente o futuro) en la pequeña pantalla.*Coronado, nominado a mejor actor principal por "No habrá paz para los malvados"Esta es la lista de nominados :- Mejor actor principal: Daniel Brhül, Antonio Banderas, Luis Tosar y José Coronado.- Mejor actriz principal: Verónica Echegui, Elena Anaya, Inma Cuesta y Salma Hayek.- Mejor actriz de reparto: Goya Toledo, Maribel Verdú, Pilar López de Ayala, Ana Wagner.- Mejor actor de reparto: Juan Diego, Lluís Homar, Juanjo Artero, Raúl Arévalo.- Mejor actor revelación: José Mota, Jan Cornet, Adrián Lastra y Marc Clotet.- Mejor actriz revelación: María León, Michelle Jenner, Blanca Suárez y Alba García.- Mejor director: Pedro Almodóvar, Benito Zambrano, Enrique Urbizu y Mateo Gil.- Mejor película: La piel que habito, No habrá paz para los malvados, La voz domida, Blakthorm.- Mejor dirección novel: Paula Ortiz (De tu ventana a la mía), Kike Maíllo (Eva), Paco Arango (Maktub), Eduardo Chapero Jackson (Verbo).- Mejor guión original: Miguel Barros (Blackthorn), Sergi Belbel y otros (Eva), Woody Allen (Midnight in Paris), Michel Gaztambide y Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados)- Mejor guión adaptado: Ángel de la Cruz e Ignacio Ferreras (Arrugas), Iciar Bollaín (Katmandú, un espejo en el cielo), Pedro Almodóvar (La piel que habito), Ignacio del Moral y Benito Zambrano (La voz dormida).Los actores "televisivos" asaltan los Goya con más nominaciones que nuncaLa gala de los premios Goya 2012 contarán con más rostros televisivos que nunca entre sus candidatos. Además de los ya citados José Coronado e Inma Cuesta, que aspiran al galardón a mejor actor y actriz protagonista, otros 13 rostros televisivos optan a hacerse con la preciada estatuilla en las diferentes categorías.*Su papel en "La voz dormida" le ha valido a Inma Cuesta la nominación a mejor actriz principalEste "dominio" resulta más que evidente si sólo tenemos en cuenta los candidatos a mejor actor/actriz de reparto y mejor actor/actriz revelación, ya que de los 16 nombres, sólo uno, el de Alba García, no tiene un pasado televisivo.José Mota luchará con tres jóvenes promesas por mejor actor revelaciónUno de los que más esperiencia y programas acumula en televisión está nominado a mejor actor revelación. José Mota desde 1998 y sólo interrumpiéndose en 2008 tras la "separación" de su pareja artística Juan Cruz aporta su humor a las noches del viernes (actualmente con la tercera temporada de La Hora de José Mota) y a las Nocheviejas (desde 1999).Con su primer papel dramático en La chispa de la vida, dirigida por Álex de la Iglesia, luchará por el galardón a mejor actor revelación ante Jan Cornet (El barco, Hay alguien ahí, Motivos personales), Adrián Lastra (La tira, Impares, LaLola, BuenAgente) y Marc Clotet (El comisario, Física o química), que completan el "póker" de nominados televisivos a este galardón.María León, Michelle Jenner y Blanca Suárez también se "enfrentarán"Otras tres actrices conocidas en la pequeña pantalla se verán las caras en la gala de entrega de premios para alzarse con el premio a la mejor actriz revelación: María León, Michelle Jenner y Blanca Suárez.*María León, candidata por "La voz dormida" a mejor actriz revelaciónLa hermana de Paco León, María (próximamente en Con el culo al aire y que ya ha intervenido en Aída o en La Tira), Michelle Jenner (Los hombres de Paco, Isabel) y Blanca Suárez (El Internado, El barco), competirán por el premio frente a la única actriz que no tiene experiencia en televisión, Alba García (de la película Verbo).Póker "televisivo" de relumbrón para el mejor actor de repartoAunque en su carrera pueden encontrarse trabajos en prácticamente cualquier medio, sea televisión, cine, teatro incluso radio; Juan Diego, Lluís Homar, Juanjo Artero y Raúl Arévalo son fácilmente reconocibles en la pequeña pantalla por trabajos más o menos recientes o incluso de actualidad.*Juan Diego estrena hoy "Toledo" en Antena 3Juan Diego (estrena hoy Toledo y participó en Los hombres de Paco y la TV-movie Padre Coraje), Lluís Homar (Hispania y la miniserie 23-F El día más difícil del Rey), Juanjo Artero (El barco, El comisario, Verano Azul) y Raúl Arévalo (menos televisivo, pero que rodó una temporada de Compañeros) se disputan el premio.Cuatro intérpretes femeninas ya clásicas, a por la mejor actriz de repartoAl igual que en la categoría masculina, las cuatro nominadas a mejor actriz de reparto tienen un pasado muy televisivo.*Goya Toledo, nominada por su labor en "Maktub"Goya Toledo (ha intervenido en Acusados y Los hombres de Paco), Maribel Verdú (ahora más centrada en cine, pero con un pasado en Canguros, Ellas son así o Código fuego), Pilar López de Ayala (también recordada en Al salir de clase y Hospital Central) y Ana Wagner (El Comisario, La Señora, 14 de Abril, La República) son las cuatro nominadas que optan al galardón.La gala será presentada por otra televisiva, Eva HacheEva Hache será la presentadora de la gala correspondiente a la 26º edición de los Premios Goya. La presentadora y humorista, que actualmente conduce El club de la comedia en LaSexta, debutará así en esta labor recogiendo el testigo del conductor de las últimas dos ediciones, Andreu Buenafuente, como ya informamos.Tras anunciarse, ya bromeó con su elección como maestra de ceremonias durante la presentación de los detalles de la gala de los Goya. Así, explicó que "no haré el guión porque no sé escribir. Sé leer de milagro". Además admitió encantada que "habrá muchos cambios de vestuario".

'La piel que habito', candidata a mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro

2011-12-15T13:58:00.000-08:00

'La piel que habito', candidata a mejor película de habla no inglesa en los Globos de Oro Ha sido anunciado por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood. Se trata de la séptima candidatura a estos galardones para Pedro Almodovar. Competirá con filmes de China, Estados Unidos, Bélgica e Irán. EFE. 15.12.2011 - 14.30h La película española La piel que habito, de Pedro Almodóvar, ha sido elegida candidata al Globo de Oro como mejor película de habla no inglesa, anunció este jueves la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA). Sus rivales serán Flowers of War (China), In The Land of Blood and Honey (EE UU), El chico de la bicicleta (Bélgica) y Una separación (Irán). 'Hable con ella' y 'Todo sobre mi madre' resultaron agraciadas con el Globos de Oro

Se trata de la séptima candidatura a estos galardones para el cineasta manchego. Anteriormente logró nominaciones en este campo por Los abrazos rotos (2009), Volver (2006), Hable con ella (2002), Todo sobre mi madre (1999), Tacones lejanos (1991) y Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Hable con ella y Todo sobre mi madre resultaron agraciadas con el Globos de Oro. Por su parte Flowers of War, de Zhang Yimou, es la primera incursión del actor galés Christian Bale en el cine chino, mientras que In The Land of Blood and Honey supone el debut tras las cámaras de Angelina Jolie. Nadir y Simin, una separación y El chico de la bicicleta ya se postularon como candidatas a los Spirit, los principales premios del cine independiente. La 69 edición de los Globos de Oro, que volverá a contar con el británico Ricky Gervais como maestro de ceremonias y se celebrará el 15 de enero en el hotel Beverly Hilton, parte con una clara favorita. Se trata del largometraje The Artist, la propuesta muda y en blanco y negro del cineasta Michel Hazanavicius, parte con nada menos que seis candidaturas, entre ellas a mejor comedia o musical, mejor actor (Jean Dujardin), mejor actriz (Bérénice Bejo), mejor director, mejor guión y mejor banda sonora (Ludovic Bource). Nominados a mejor actor George Clooney (Los descendientes), Brad Pitt (Moneyball: Rompiendo las reglas) y Leonardo DiCaprio (J. Edgar) son candidatos al Globo de Oro como mejor actor de drama. Sus rivales serán Michael Fassbender (Shame) y Ryan Gosling (Los Idus de marzo). Para Clooney es su décima candidatura. Se hizo con el galardón al mejor actor de reparto por Syriana (2005) y al mejor actor de comedia o musical por O Brother, Where Art Thou? (2000). Pitt se hace así con su quinta nominación. Logró el premio como mejor actor de reparto por Doce monos. (1995). Por su parte DiCaprio cosecha su octava candidatura. Se erigió como ganador como mejor actor por El aviador (2004). Ryan Gosling disfruta de su tercera nominación tras las obtenidas por Blue Valentine (2010) y Lars y una chica de verdad (2007), mientras que Fassbender se estrena en estas lides. Nominadas a mejor actriz En la categoría a mejor actriz de drama se enfrentarán Glenn Close (Albert Nobbs), Meryl Streep (La dama de hierro), Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres), Viola Davis (Criadas y señoras) y Tilda Swinton (We Need to Talk About Kevin). Para Close es su undécima candidatura. Ganó como mejor actriz de una miniserie o película para televisión por The Lion in Winter (2003) y como mejor actriz de una serie de drama, por Daños y perjuicios (2007). Streep aumenta su número de nominaciones hasta 25. La actriz se ha hecho con este galardón en siete ocasiones gracias a sus papeles en Kramer contra Kramer (1979), La mujer del teniente francés (1981), La decisión de Sophie (1982), Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002), la mini-serie de televisión Angels in America (2003), El diablo viste de Prada (2006) y Julie & Julia (2009). Es la primera nominación para la joven Rooney Mara, mientras que Viola Davis logra su segunda candidatura tras la lograda como mejor actriz de reparto por La duda. Para Tilda Swinton es su tercera candidatura. Las anteriores llegaron por Michael Clayton (2007) y En lo más profundo (2001). Mejor director Martin Scorsese fue nominado al Globo de Oro al mejor director por La invención de Hugo -su debut en la tecnología 3D- y Woody Allen por Midnight in Paris. Junto con ellos competirán Alexander Payne por Los descendientes, Michel Hazanavicius por The Artist y George Clooney por Los idus de Marzo. La invención de Hugo, basada en el libro La extraordinaria invención de Hugo Cabret y ambientada en el París de los años 30, cuenta la historia de un niño huérfano con mucha imaginación, que intenta pasar inadvertido hasta que un día se ve envuelto en la resolución de un misterio legado por su padre. Scorsese, que ha logrado 8 nominaciones lo largo de su carrera, tiene dos Globos de Oro por Infiltrados (2006) y Gangs of New York (2002), además en 2010 recibió el Globo de Oro honorífico en reconocimiento a su trayectoria profesional. Martin Scorsese, que ha logrado 8 nominaciones lo largo de su carrera, tiene dos Globos de Oro Por su parte Woody Allen, con 11 nominaciones en su carrera, ganó en 1985 por La rosa púrpura del Cairo, competirá en esta ocasión con Midnight in Paris, protagonizada por Owen Wilson, Rachel McAdams y Marion Cotillard, que ha sido la película más taquillera del cineasta en Estados Undios. Alexander Payne, que ha sido cuatro veces nominado y ganó el Globo al mejor guión por Entre copas (2004) y A propósito de Schmidt (2002), logró la nominación por Los descendientes, la historia de Matt King, un marido indiferente y padre de dos hijas que se ve obligado a repasar su pasado y enfrentarse a un futuro incierto después de que su esposa sufra un accidente. Esta es la primera nominación para el francés Michel Hazanavicius autor de cintas como OSS 117: Cairo, Nest of Spies y OSS 117 - Lost in Rio, que competirá por la cinta The Artist, un filme mudo que rinde homenaje a las últimas películas que se rodaron antes de la llegada del cine sonoro. En cuanto a Clooney, logró la nominación por Los idus de marzo, en la que además actúa encarnando a un candidato demócrata durante las elecciones primarias a la presidencia de EE UU que introduce a su idealista secretario de prensa (interpretado por Ryan Gosling) en los entresijos de la política. Mejor película En la categoría a mejor drama se encuentran La invención de Hugo de Martin Scorsese, Los descendientes de Alexander Payne, Criadas y señoras de Tate Taylor , Los idus de marzo, de George Clooney, Moneyball: Rompiendo las reglas de Bennett Miller y War Horse de Steven Spielberg. The Artist, el filme mudo del director francés Michel Hazanavicius lideró las nominaciones con seis, seguida por Los descendientes y Criadas y señoras, ambas con cinco. La película de Spilberg 'War Horse' es un drama interpretado por Emily Watson, David Thewlis y Peter Mullan Los descendientes es la historia de Matt King, un marido indiferente y padre de dos hijas que se ve obligado a repasar su pasado y enfrentarse a un futuro incierto después de que su esposa sufra un accidente. La película de Spilberg War Horse es un drama interpretado por Emily Watson, David Thewlis y Peter Mullan, entre otros, y está inspirado en una reciente obra teatral de Nick Stafford, que a su vez adapta un libro de mismo nombre escrito por Michael Morpurgo. En cuanto a Moneyball: rompiendo las reglas, narra el éxito de un equipo de béisbol que tiene al frente a un decidido entrenador encarnado por Brad Pitt. Por último, Los idus de marzo cinta escrita, protagonizada, dirigida y producida por Clooney, narra los entresijos de la campaña electoral de un candidato demócrata durante las primarias del partido.

PREMIOS BAFTA 2011

2011-02-14T06:00:00.000-08:00

Mejor película
El discurso del rey

Mejor película británica
El discurso del rey

Mejor dirección
David Fincher por Red social

Mejor debut
Four Lions de Chris Morris

Mejor actor
Colin Firth por El discurso del rey

Mejor actriz
Natalie Portman por El Cisne negro

Mejor actor de reparto
Geoffrey Rush por El discurso del rey

Mejor actriz de reparto
Helena Bonham Carter por El discurso del rey

Mejor guión original
David Seidler por El discurso del rey

Mejor guión adaptado
Aaron Sorkin por Red social

Mejor película en lengua no inglesa
MIllennium I: los hombres que no amaban a las mujeres (Suecia)

Mejor película de animación
Toy Story 3

Mejor música
Alexandre Desplat por El discurso del rey

Mejor fotografía
Roger Deakins por True Grit

Mejor montaje
Angus Wall y Kirk Baxter por Red social

Mejor sonido
Richard King, Lora Hirschberg, Gary A Rizzo y Ed Novick por Inception

Mejor diseño de vestuario
Colleen Atwood por Alicia en el País de las Maravillas

Mejor dirección artística
Guy Hendrix Dyas, Larry Dias y Doug Mowat por Inception

Mejor maquillaje y peluquería
Alicia en el País de las Maravillas de Valli O’Reilly, Paul Gooch

Mejores efectos visuales
Origen de Corbould, Franklin, Lockley y Bebb

Mejor cortometraje
Until the River Runs Red de Paul Wright y Poss Kondeatis

Mejor cortometraje de animación
The Eagleman Stag de Michael Please

Premio Orange por votación popular
Tom Hardy

Premio honorífico por su contribución al cine británico
Saga de Harry Potter

Premio honorífico
Christopher Lee

GANADORES GOYA 2011

2011-02-14T05:56:00.000-08:00

Palmarés de los Premios Goya 2011

MEJOR PELÍCULA

“Pa negre (Pan negro)”

MEJOR DIRECCIÓN

Agustí Villaronga, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

David Pinillos, por “Bon appétit”

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Javier Bardem, por “Biutiful”

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Nora Navas, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Karra Elejalde, por “También la lluvia”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Laia Marull, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Francesc Colomer, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Marina Comas, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR GUION ORIGINAL

Chris Sparling, por “Buried (Enterrado)”

MEJOR GUION ADAPTADO

Agustí Villaronga, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

Antonio Riestra, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Alberto Iglesias, por “También la lluvia”

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Jorge Drexler, por Que el soneto nos tome por sorpresa (“Lope”)

MEJOR MONTAJE

Rodrigo Cortés, por “Buried (Enterrado)”

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Cristina Zumárraga, por “También la lluvia”

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Ana Alvargonzález, por “Pa negre (Pan negro)”

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Tatiana Hernández, por “Lope”

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA

José Quetglás, Pedro Rodríguez ‘Pedrati’ y Nieves Sánchez Torres, por “Balada triste de trompeta”

MEJOR SONIDO

Urko Garai, Marc Orts y James Muñoz, por “Buried (Enterrado)”

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Reyes Abades y Ferrán Piquer, por ”Balada triste de trompeta”

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

“El discurso del rey” (Gran Bretaña)

MEJOR PELÍCULA HISPANOAMERICANA

“La vida de los peces” (Chile)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

“Chico y Rita”

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

“Bicicleta, cuchara, manzana”

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

“Una caja de botones”

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

“La bruxa”

MEJOR CORTOMETAJE DOCUMENTAL

“Memorias de un cine de provincias”

GOYA DE HONOR

Mario Camus

Javier Bardem y 'Biutiful' irán a los Oscar; 'También la lluvia', de Iciar Bollain, se queda fuera

2011-01-25T08:46:00.000-08:00

La Academia de Hollywood ha anunciado sus candidatos a la 83 edición.
''También la lluvia', de Iciar Bollain, se queda fuera.
'El Discurso del Rey' parte como favorita y reúne el mayor número de nominaciones de los premios.
La Academia de Hollywood ha anunciado su veredicto: el actor Javier Bardem es ya candidato formal para la 83 edición de los Premios Oscar, así como la película que protagoniza, la mexicana Biutiful, dirigida por Alejandro González Iñárritu.

El actor español competirá en la categoría a Mejor Actor contra los intérpretes Jeff Bridges, Jesse Eisenberg, Colin Firth y James Franco. Se trata de la tercera candidatura a estos premios que recibe Bardem después de Antes que anochezca (2000) y No es país para viejos (2007),

Por su parte, el filme Biutiful luchará por el premio a Mejor Película de Habla no Inglesa contra Hors la Loi (Argelia), In A Better World (Dinamarca), Canino (Grecia) e Incendies (Canadá), categoría en la que finalmente no figura También la lluvia.

Biutiful es el cuarto largometraje de Alejandro González Iñárritu, director también de largometrajes como Babel o Amores perros. La historia recrea un intenso drama en el que Bardem interpreta a un padre divorciado en plena lucha por sacar adelante a sus dos hijos en los bajos fondos de Barcelona.

Iciar Bollain, fuera de concurso

La película española También la lluvia, de Iciar Bollain, no ha logrado superar el corte y se ha quedado fuera de las nominaciones.

Entre el resto de nominados destaca El discurso del rey, que ha logrado reunir el mayor número de nominaciones: en total, 12, incluyendo Mejor Película y Colin Firth a Mejor Actor

La estatuilla a Mejor Director se la disputarán Darren Aronofsky por Cisne Negro; David O. Russell por The fighter; David Fincher por La Red Social; Tom Hooper por El discurso del rey; y Joel & Ethan Coen por Valor de ley.

LISTA NOMINADOS OSCAR 2011

2011-01-25T08:43:00.000-08:00

Estas son las principales candidaturas:

Mejor película: La Red Social - El discurso del Rey - Cisne Negro - The Fighter - Toy Story 3 - Origen - Los chicos son buenos - 127 horas - Valor de ley - Winter's bone.

Mejor dirección: Darren Aronofsky (Cisne negro) - David o. Russel (The fighter) - David Fincher (La Red social) - Tom Hooper (El discurso del rey) - Joel & Ethan Coen (Valor de ley).

Mejor actor: Javier Bardem (Biutiful) - Jeff Bridges (Valor de ley) - Jesse Eisenberg (La Red Social) - Colin Firth (El discurso del rey) y James Franco (127 horas).

Mejor actriz: Annette Bening (Los chicos están bien) - Nicole Kidman (Rabbit Hole) - Jennifer Lawrence (Winter's Bone) - Natalie Portman (Cisne negro) - Michelle Williams (Blue Valentine)

Actor secundario: Christian Bale (The Fighter) - John Hawkes (Winter's Bone) - Jeremy Renner (The Town) - Mark Ruffalo (Los chicos están bien) - Geoffrey Rush (El discurso del rey).

Actriz secundaria: Amy Adams (The Fighter) - Helena Bonham Carter (El discurso del rey) - Melissa leo (The Fighter) - Hailee Steinfeld (Valor de ley) - Jacki Weaver (Animal Kingdom).

Mejor película de animación: Cómo entrenar a tu dragón - El ilusionista - Toy Story 3

Mejor guión adaptado: 127 Hours - La Red Social - Toy Story 3 - Valor de ley - Winter's Bone.

Mejor guión original: Another Year - The Fighter - Origen - Los chicos están bien - El discurso del Rey

Mejor dirección de arte: Alicia en el país de las maravillas (Robert Stromberg) - Harry Potter y las reliquias de la muertePart I (Stuart Craig) - Origen (Guy Hendrix Dyas) - El discurso del Rey (Eve Stewart)

Vestuario: Alicia en el país de las maravillas (Colleen Atwood) - I am love (Antonella Cannarozzi) - El discurso del rey (Jenny Beavan) - The Tempest (Sandy Powell) y True Grit (Mary Zophres).

Maquillaje: Barney's Version (Adrien Morot) - The way back (Edouard F. Henriques) - The Wolfman (Rick Baker.

Banda sonora original: Cómo entrenar a tu dragón (John Powell) - Origen (Hans Zimmer) - El discurso del Rey (Alexandre Desplat) - 127 horas (A. R. Rahman - La red social (Trent Reznor y Atticus Ross).

Mejor canción: Coming home (Country Strong) - I see the light (Tangled) - If i rise (127 horas) y We belong together (Toy Story 3).

Mejor fotografía: Cisne negro (Mike Medavoy) - The Fighter (David Hoberman) - Origen (Emma Thomas) - Los chicos son buenos (Gary Gilbert) - El discurso del rey (Iain Canning) - 127 horas (Christian Colson).

Efectos especiales: Alicia en el país de las maravillas - Harry Potter y las reliquias de la muerte- Más allá de la vida - Origen - Iron Man 2.

'También la lluvia' y 'Biutiful' consiguen superar el primer corte hacia los Oscar

2011-01-19T16:38:00.000-08:00

La Academia ha seleccionado a las nueve películas de habla no inglesa que continúan la carrera hacia los Oscar.
La lista de las nominadas se dará a conocer el 25 de enero en Los Ángeles.
Ambas películas tienen posibilidades de ser nominadas, ya que También la lluvia es española y Biutiful, mexicana.
Las producciones También la lluvia, de Iciar Bollain y la mexicana Biutiful, dirigida por Alejandro González Iñárritu, figuran entre las nueve precandidatas a mejor película de habla no inglesa de la próxima edición de los Óscar, según informó hoy la Academia de Hollywood. Los filmes han superado la penúltima fase en la carrera por la estatuilla y pugnarán por una nominación con Hors-la-loi (Argelia), Incendies (Canadá), In A Better World (Dinamarca), Canino (Grecia), Confessions (Japón), Life, above All (Sudáfrica) y Simple Simon (Suecia).

lista completa de las seleccionadas (se indica país, título y director):

Algeria, Hors la Loi (Outside the Law), Rachid Bouchareb.
Canada, Incendies, Denis Villeneuve.
Dinamarca, In a Better World, Susanne Bier.
Grecia, Dogtooth, Yorgos Lanthimos.
Japón, Confessions, Tetsuya Nakashima.
Mexico, Biutiful, Alejandro Gonzalez Inarritu.
Sudáfrica, Life, above All, Oliver Schmitz.
España, Tambien la Lluvia (Even the Rain), Iciar Bollain.
Suecia, Simple Simon ,Andreas Ohman.

Entre los títulos elegidos, destaca el recién ganador de un Globo de Oro In A Better World, de Susanne Bier, que se impuso a Biutiful en la disputa por el premio de mejor filme en habla no inglesa, así como Canino, de Yorgos Lanthimos, que ha sido uno de los títulos más aplaudidos del último cine europeo. Por su parte, la argelina Hors-la-loi podría suponer la segunda candidatura para el realizador Rachib Bouchareb, que ya optó al premio con Indigènes.

En todas las quinielas también estaban la canadiense Incendies -que se estrenará en España en marzo- y la japonesa Confessions, dos de las contendientes más fuertes en principio en esta competición junto a Biutiful. También la lluvia, que no entraba en los pronósticos de muchos analistas estadounidenses, confirmó sus opciones para un premio que España no consigue desde Mar adentro, de Alejandro Amenábar, en 2004.

Los nueve semifinalistas fueron escogidos entre los 66 filmes presentados como candidatos a la estatuilla de mejor película extranjera, y sobre esta lista se elegirá el ganador. Entre las producciones que se quedaron fuera están la israelí The Human Resources Manager, la superproducción china Aftershock, la tailandesa El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas y la francesa De dioses y hombres, éstas dos últimas, premiadas en Cannes con la Palma de Oro y el Gran Premio, respectivamente.

Tampoco tuvieron suerte Miel (Turquía) y If I Want to Whistle, I Whistle (Rumanía), galardonadas con el Oso de Oro y el Oso de Plata en Berlín. La argentina Carancho no podrá revalidar el triunfo conseguido por El secreto de sus ojos el año pasado en estos premios. La Academia de Hollywood dará a conocer los nombres de las películas candidatas a los Óscar el 25 de enero en Los Ángeles. La 83ª edición de los Óscar se celebrará el 27 de febrero en el teatro Kodak de esa ciudad californiana.

GLOBOS DE ORO 2011 (vestidos)

2011-01-19T07:49:00.000-08:00

lista completa de los ganadores de la 68ª edición de los Globos de Oro:

2011-01-19T07:43:00.000-08:00

lista completa de los ganadores de la 68ª edición de los Globos de Oro:

Mejor película dramática

‘Cisne negro’
‘The Fighter’
‘Origen’
‘El discurso del rey’

‘La red social’

Mejor película cómica o musical

‘Alicia en el País de las Maravillas’
‘Burlesque’
‘The Kids Are All Right’
‘Red’

‘The Tourist’

Mejor dirección

Darren Aronofsky por ‘Cisne negro’
David Fincher por ‘La red social’
Tom Hooper por ‘El discurso del rey’
Christopher Nolan por ‘Origen’

David O. Russell por ‘The Fighter’

Mejor actor en drama

Jesse Eisenberg por por ‘La red social’
Colin Firth por ‘El discurso del rey’
James Franco por ’127 horas’
Ryan Gosling por ‘Blue Valentine’

Mark Wahlberg por ‘The Fighter’

Mejor actriz en drama

Halle Berry por ‘Frankie and Alice’
Nicole Kidman por ‘Rabbit Hole’
Jennifer Lawrence por ‘Winter’s Bone’
Natalie Portman por ‘Cisne negro’

Michelle Williams por ‘Blue Valentine’

Mejor actor en comedia o musical

Johnny Depp por ‘Alicia en el País de las Maravillas’
Johnny Depp por ‘The Tourist’
Paul Giamatti por ‘Barney´s Version’
Jake Gyllenhaal por ‘Amor y otras drogas’

Kevin Spacey por ‘Casino Jack’

Mejor actriz en comedia o musical

Annette Bening por ‘The Kids Are All Right’
Julianne Moore por ‘The Kids Are All Right’
Anne Hathaway por Amor y otras drogas’
Angelina Jolie por ‘The Tourist’

Emma Stone por ‘Rumores y mentiras’

Mejor guión

‘127 horas’ (Danny Boyle, Simon Beaufoy)
‘The Kids Are All Right’ (Stuart Blumberg, Lisa Cholodenko)
‘Origen’ (Christopher Nolan)
‘El discurso del rey’ (David Seidler)

‘La red social’ (Aaron Sorkin)

Mejor película de habla no inglesa

‘Biutiful’ (México)
‘El concierto’ (Francia)
‘The Edge’ (Rusia)
‘Io sonno l´amore (Yo soy el amor)’ (Italia)

‘In a Better World’ (Dinamarca)

Mejor película de animación

‘Gru, mi villano favorito’
‘Cómo entrenar a tu dragón’
‘L´illusionniste’
‘Enredados’

‘Toy Story 3’

Mejor actriz de reparto

Amy Adams por ‘The Fighter’
Helena Bonham Carter por ‘El discurso del rey’
Mila Kunis por ‘Cisne negro’
Melissa Leo por ‘The Fighter’

Jacki Weaver por ‘Animal Kingdom’

Mejor actor de reparto

Christian Bale por ‘The Fighter’
Michael Douglas por ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’
Andrew Garfield por ‘La red social’
Jeremy Renner por ‘The Town’

Geoffrey Rush por ‘El discurso del rey’

Mejor música

‘El discurso del rey’ (Alexandre Desplat)
‘Alicia en el País de las Maravillas’ (Danny Elfman)
‘127 horas’ (A.R. Rahman)
‘La red social’ (Trent Reznor, Atticus Ross)

‘Origen’ (Hans Zimmer)

Mejor canción

‘Bound To You’ de Burlesque’ (Samuel Dixon, Christina Aguilera, Sia Furler)
‘You Haven´t Seen The Last of Me’ de ‘Burlesque’ (Diane Warren)
‘Coming Home’ de ‘Country Strong’ (Bob DiPiero, Tom Douglas, Hillary Lindsey, Troy Verges)
‘I See The Light’ de ‘Enredados’ (Alan Menken, Glenn Slater)

‘There’s a Place For Us’ de ‘Las crónicas de Narnia: La travesía del Viajero del Alba’ (Carrie Underwood, David Hodges, Hillary Lindsey)

Nuevo poster de Origen (Inception)

2010-06-26T07:52:00.000-07:00

Sinopsis:

En un mundo donde se pude entrar a los sueños de los otros. Cobb (Leonardo DiCaprio) es un ejecutivo que de forma ilegal se filtra en la mente de las personas para sacar o poner información. El procedimiento para hacerlo es mediante un aparato portátil que funciona como una inyección intravenosa a la persona que se quiere filtrar. Cobb ciertamente no trabaja solo, ya que tiene un equipo formado por Arthur (Joseph Gordon-Levitt), Eames (Tom Hardy) y Ariadne (Ellen Page), una joven estudiante que está considerada como la arquitecto de la operación.

El trabajo de este equipo estará en peligro cuando Fischer (Cillian Murphy) se vuelva el presidente de la empresa que tiene trabajando a Cobb. Por lo mismo, el equipo se dispondrá a implantar en la mente de Fischer la idea de dividir la empresa en dos parte. Ahí es donde aparecerá Saito (Ken Watanabe) para chantajear a Cobb por lo que esta haciendo, e involucrar a su esposa llamada Lisa (Marion Cotillard).

'Avatar', candidata a llevarse 10 premios Saturn, al final consigue alzarse con 11

2010-06-26T07:35:00.000-07:00

AGENCIAS. 26.06.2010 - 10.46 h

No hubo color en los Saturn Awards. Bueno, sí que lo hubo: el color azul de los na'vi de Avatar. La cinta de James Cameron arrasó en los galardones que entrega la Academia de ciencia ficción, fantasía y terror llevándose la friolera de once premios.
Avatar partía como favorita y no defraudó. Tenía diez nominaciones y... consiguió once premios. Y es que además de mejor película de ciencia ficción, director, guionista, actores y actrices protagonistas (Sam Worthington y Zoe Saldana) y secundarios (Stephen Lang y Sigourney Weaver), efectos especiales y banda sonora (James Horner), el jurado decidió entregar un premio especial James Cameron por su por su "genio visionario" con el que ha revolucionado el concepto de cine alumbrando la que es la película más taquillera de la historia del séptimo arte.
El resto se llevaron las migajas que dejó la insaciable superproducción tridimensional de Cameron. Así, Watchmen se alzó con el premio a mejor película de fantasía y mejor vestuario, Arrástrame al infierno fue elegida como mejor película de terror y los Malditos Bastardos de Tarantino ganaron el premio a la mejor película de acción y aventuras.

2010-04-11T15:49:00.000-07:00

EL BAILE DE LA VICTORIA

MI CRITICA

El balance general es que me ha gustado la peli, yo creo que sobre todo por el trabajo de los actores, por cierto al final teneis la filmografia de Abel, el joven de la peli que me ha encantado por su espontaneidad, entusiasmo, acento, etc por otro lado la historia tambien esta bien pero no quiero jorobaros la peli, pero si dire que el final no es el esperado pero es el que hay.
Paisajes alucinantes al final y una peli de Trueba que parece latinoamericana por el reparto, y con Ariadna Gil como representante patria.
Podemos decir que nos deja a medio de todo porque no se sabe realmente si es peli romantica, peli politica o qué, el atraco la verdad resulta poco creible y lo mejor es la actuación de LA VICTORIA en el teatro Municipal.

CARTEL

SINOPSIS
Con la llegada de la democracia, el presidente de Chile decreta una amnistía general para todos los presos sin delitos de sangre. Entre ellos se encuentran el joven Ángel Santiago y el veterano Vergara Grey, un famoso ladrón de cajas fuertes. Sus planes no pueden ser más opuestos. Mientras Vergara Grey sólo quiere recuperar a su familia y cambiar de vida, Ángel sueña con vengarse del alcaide y dar un gran golpe. Pero en su camino se cruza la joven Victoria; las vidas de los tres sufren un cambio total que les llevará a enfrentarse con un nuevo destino.

TRAILER

FICHA TECNICA

Dirección: Fernando Trueba.
País: España.
Año: 2009.
Duración: 127 min.
Género: Drama.
Interpretación: Ricardo Darín (Vergara Grey), Abel Ayala (Ángel Santiago), Miranda Bodenhöfer (Victoria Ponce), Ariadna Gil (Teresa Capriatti), Luis Dubó (Marín), Mario Guerra (Wilson), Mariana Loyola (Lili), Gregory Cohen (Sergio), Ernesto Malibrán (Dr. Ortega).
Guión: Fernando Trueba, Jonás Trueba y Antonio Skármeta; basado en la novela “El baile de la victoria” de Antonio Skármeta.
Producción: Jessica Huppert Berman.
Fotografía: Julián Ledesma.
Montaje: Carmen Frías.
Dirección artística: Verónica Astudillo.
Vestuario: Lala Huete.
Distribuidora: Vértice Cine.
Estreno en España: 27 Noviembre 2009.

OTRA CRITICA

“El baile de la victoria”: Sentimientos mudos e impostados
Escrito por Julio Rodríguez Chico el 02.12.09 a las 18:02
Archivado en: Críticas
Le pierden sus pretensiones temáticas y de puesta en escena. Junto a momentos líricos y de cierta belleza poética, encontramos otros que rayan la caricatura. Apenas halla emociones sinceras, buscándolas con artificio y cursilería.
Victoria es el nombre de una joven y muda bailarina de difícil infancia, y también el de la mujer que cambiará la vida de dos ladrones amnistiados tras la llegada de la democracia a Chile. Sin palabras pero con el dolor a flor de piel, esta huérfana cuyos padres fueron represaliados dará alas a un idealista enamorado que ha decidido dar el gran golpe, y también a un marido y padre al que la cárcel le robó su familia. Los destinos de ambos —y los géneros cinematográficos— se cruzan y se mezclan en “El baile de la victoria”, una película que quiere jugar muchas bazas y que acaba dejando frío al espectador, entre el discurso ideológico y la poesía metida con calzador a la luz de la luna, entre el sentimiento siempre buscado pero que suena falso.

A Fernando Trueba le pierden sus pretensiones temáticas y de puesta en escena, y eso hace que naufrague en la memoria de la dictadura chilena, que le sobren las subtramas del alcaide o la del pura sangre que el inocente Ángel Santiago pasea por las calles de la capital, que esté de más la presencia de Ariadna Gil —muy inexpresiva y envarada— y todo lo que conlleva, que alargue la cinta con varios finales para ir del melodrama al cine político y social, seguir con el cine de atracos y después pasar por el cine negro o el romanticismo más poético y artístico. Y entre medias, Trueba se olvida de dar emoción sincera a sus personajes, y sólo alguna escena de la infeliz Victoria logra arrancar sentimientos de compasión o intensidad dramática. Ricardo Darín cumple, como nos tiene acostumbrados, con un personaje serio y de empaque, pero no resulta del todo verosímil su conexión con Ángel y su redención por una causa romántica en cabeza ajena. La joven Miranda Bodenhöfer es quien pone un rostro con humanidad y en quien se percibe mejor el peso del pasado, mientras que a Abel Ayala le toca un personaje más superficial en su actividad y echado hacia adelante en su vitalismo a veces exasperante, aunque el actor le otorgue gracia y desparpajo.

Al irregular guión hay que añadirle unos flashbacks postizos que vienen a subrayar con imágenes lo que se dice con la palabra, a explicitar lo sucedido para no dejar al espectador perdido en una trama con más de un tópico (montañas nevadas, cielos abiertos y estrellados, el mar de la libertad…). El mismo énfasis se advierte en la banda sonora, que alcanza el punto culminante —aunque precioso, todo hay que decirlo— en el baile final de la joven Victoria. Tampoco acierta en esas voces en off para los pensamientos del matrimonio que se encuentra después de cinco años de ausencia, pues no aporta sino perplejidad y pretenciosidad, y el espectador no entiende bien la actitud de la esposa —no basta la seguridad buscada en otro hombre para entender su pose— ni la actitud pusilánime y errática de Nicolás Vergara. En definitiva, una mezcla de momentos líricos y artísticos con otros un tanto caricaturescos —como esa prueba de ballet con un jurado irrisorio—, un atraco poco creíble… y algunas imágenes surreales que vienen a completar una amalgama difícil de casar.

Una historia de delincuentes que tratan de engancharse a una vida de honradez, pero a los que el guionista les niega un futuro de amor y redención. Poco equilibrada y sólo con algunos instantes fugaces de humanidad que parecen querer salir a la superficie, pero que enmudecen como la propia Victoria, ahogados por tanta subtrama y discurso superfluo y reincidente. La película sirve para pasar el rato, y puede provocar alguna empatía, pero apenas halla emociones sinceras, buscándolas con artificio y algo de cursilería. Estuvo en el Festival de San Sebastián y representará a España en los próximos Oscar®.
FILMOGRAFIA DE ABEL AYALA

CINE
2008 "El grito en la sangre" de Fernando Musa
2007 "Pibes", Historias breves, INCA
2006 "Beatriz y La Migala" de Ismael Guil
2006 "El niño de barro" de Jorge Algora
2006 "La mano de Dios" de Mario Risi
2005 "Una historia de barrio" de Gustavo Carrá
2005 "Entre el cielo y el infierno" de Matthias Fiechman
2004 "Grite una noche" de Gabrile García
2004 "El borde del tiempo" de Jorge Roca
2004 "Hermanas" de Julia Solomo Noff
2003 "El polaquito" de Juan Carlos Desanzo

TELEVISION
2007 "Al limite", Telefe
2006 "Gladiadores de Pompeya" de Diana Álvarez
2005 "Criminal" de Eduardo Ripari
2005 "Un cortado", Canal 7
2005 "Mujeres asesinas", Canal 13

SCOOP (2006)

2010-04-09T15:26:00.000-07:00

SCOOP
MI CRITICA BREVE

Tengo que decir que me gusta WOODY ALLEN , la verdad es que en una peli suya me reí mucho y ahora intento ver todo lo que tiene, aunque para mi es muy irregular, me gusta y me decepciona a partes iguales, en este caso me gusta, cuando empieza con la muerte y la guadaña se nota que la cosa promete, por otro lado WOODY ALLEN no me gusta mucho como actor , lo que dice la mayoria es que no actúa que se interpreta continuamente a sí mismo lo que pasa que tambien el doblaje me pone nervioso, y lo siento por el actor que lo haga pero no me gusta.

Pues centrandonos en la peli esta bien, te ries y tiene unas frases llenas de chispa, copiaré algunas aunque las teneis mas adelante dentro de criticas de otras personas pero la verdad es que merecen la pena:

Yo nací en la Confesión Israelí pero de mayor me pasé al Narcisismo.

- Estaba en el bar y he oido que te ahogabas. He terminado el té y he venido a ver.

- Lo digo desde el fondo de mi corazón, es usted un ser extraordinario, un ejemplo para su raza.

- ¿Que es tu cumpleaños? Te llevaré a un magnífico restaurante, a un gran restaurante. ¿Te gustan los McNuggets?

- Eres una fábrica de pesimismo compulsivo que siempre ve el vaso medio vacío.
+ No, te equivocas. Yo veo el vaso medio lleno ... pero de veneno

LO MEJOR: para mi lo mejor es el final porque yo busco eso sorpresa total que no te lo esperes y aunque una parte si que te la esperas otra es totalmente sorprendente,
CARTEL

SINOPSIS

Sondra Pransky (Scarlett Johansson), una estudiante americana de periodismo, se encuentra en Gran Bretaña visitando a unos amigos. Durante su estancia en Londres, acude a un espectáculo de magia, donde un ilusionista (Woody Allen) la hace subir al escenario para realizar uno de sus trucos en el que ella debe desaparecer. Mientras Sondra está esperando "desmaterializarse", recibe la visita del fantasma de un reportero fallecido. El ambicioso periodista (Ian McShane) ha venido desde el Más Allá para servirle en bandeja la exclusiva del año. El espíritu afirma que Peter Lyman (Hugh Jackman), el rico y atractivo hijo de un conocido aristócrata británico, es en realidad el famoso asesino en serie conocido como "el asesino del tarot"... (FILMAFFINITY)
TRAILER

FICHA TECNICA

TÍTULO ORIGINAL Scoop
AÑO 2006 Ver trailer externo

DURACIÓN 95 min. Trailers/Vídeos

PAÍS

DIRECTOR Woody Allen
GUIÓN Woody Allen
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Remi Adefarasin
REPARTO Woody Allen, Scarlett Johansson, Hugh Jackman, James Nesbitt, Ian McShane, Romola Garai,Kevin McNally
PRODUCTORA Coproducción GB-USA; BBC Films / Focus Features / Ingenious Film Partners
WEB OFICIAL http://www.scoopmovie.net/
GÉNERO Comedia. Romance | Comedia romántica. Magia
CRÍTICAS ----------------------------------------
"El Allen más divertido en años. (...) Es realmente muy divertida. Pero no divertida de sonrisas, sino de carcajadas." (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)
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"No es mucho más que una agradable nimiedad. Pero en los soporíferos días del verano, es un lujo revolcarse en una inspirada tontería. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Peter Travers: Rolling Stone)
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"No especialmente divertida pero extrañamente atractiva." (Manohla Dargis: The New York Times)
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"Suficientemente entretenida, pero a gran distancia de 'Match Point'. (...) Decididamente un Woody Allen menor. (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)." (Rene Rodriguez: Miami Herald)
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"La peor película que ha hecho Woody Allen." (Stephen Hunter: The Washington Post)
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"A estas alturas de su larga carrera, Allen debería considerar no tratar de hacer películas divertidas como sus primeras obras. En su lugar debería tratar de hacer filmes como 'Match Point'." (Richard Corliss: Time)
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"Allen entretiene. (...) 'Scoop' merece la pena verse por las ocurrencias de Allen. Pero no esperen una gran historia. (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)." (Claudia Puig: USA Today)
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"Un Woody Allen menor. (...) un entretenimiento para pasar agradable e inteligentemente un rato." (M. Torreiro: Diario El País)
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"Un Allen menor. Se diría que 'Scoop' presume de su falta de pretensión, es un divertimento, una intriga, un desahogo, incluso un gozo en el que el espectador no ha de hacer esfuerzo alguno." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

BIENVENIDOS LOS "ALLEN" MENORES
En su segundo film rodado en Londres, Allen se da un respiro tras la crónica negra efectuada en la lúgubre y genial "Match Point", para recuperar el tono de intriga jocosa que ya utilizase tan acertadamente en "Misterioso Asesinato en Manhattan".

Vuelve a mostrar su catálago habitual de filias y fobias: la muerte y el miedo al "más allá", el miedo a las crisis de creatividad, la crítica a la pedantería intelectualoide, y en esta ocasión, como ya iniciase en "Match Point", una ácida y sarcástica visión de la "high class" británica.

Repite Scarlett Johansson en un papel que es la antítesis de la fascinante y desgraciada "femme fatale" de "Match Point", estableciendo un memorable dúo con Allen, donde brilla una indudable química entre ambos en su divertida relación paterno-filial.

Hugh Jackmann interpreta con brillantez a un aristócrata seductor de presuntas tendencias homicidas, derrochando otro tipo de química, pero igualmente eficaz, con la protagonista.

El resto del reparto brilla como es habitual en cualquier film de Allen, destacando especialmente la interpretación de Ian McShane en el papel del periodista muerto y puerta de acceso a la comunicación con el más allá, propiciando algunos de los mejores momentos del film.

En cuanto a la fotografía, Londres brilla con una luz tan evocadora, como en su día brilló "Manhattan".

Se ha dicho peyorativamente de "Scoop" que es un Allen menor, y posiblemente lo sea, pero estas citas anuales con el film de turno del prestigioso director neoyorquino, por muy menor que sea el film estrenado, suponen siempre una agradable experiencia para el aficionado, y a veces, esporádicamente, una revelación.
Maximillian
No es un Allen menor, es el Woody Allen de siempre

Cuando vi a la muerte con su guadaña llevándose a los recién fallecidos en su barco predije que la película me iba a gustar mucho, y no me equivoqué. Scoop es una típica película de Woody Allen que hará las delicias de los fans del neurótico neoyorquino, entre los que me incluyo. No entiendo a la gente que la compara con Match Point, ¿qué tendrá que ver el tocino con la velocidad?. Scoop es una comedia de intriga que nada tiene que ver con la seriedad de Match Point.

Es cierto que la trama es un poco tontorrona y que hay escenas demasiado rebuscadas, aún así resulta un filme muy simpático, ameno y muy divertido en el que lo mejor, como es normal en las películas de Woody Allen es el guión, en el que el actor y director se ha reservado la mejor parte para él solito. Ya echaba de menos al personaje de Allen, es cierto que solo sabe interpretar a este personaje, de hecho se interpreta a si mismo, pero es realmente divertido y muy bien secundado en Scoop por Scarlett Johansson (la escena en que sube al escenario con Woody Allen es fantástica).

- Yo nací en la Confesión Israelí pero de mayor me pasé al Narcisismo.

- Estaba en el bar y he oido que te ahogabas. He terminado el té y he venido a ver.

- Lo digo desde el fondo de mi corazón, es usted un ser extraordinario, un ejemplo para su raza.

- ¿Que es tu cumpleaños? Te llevaré a un magnífico restaurante, a un gran restaurante. ¿Te gustan los McNuggets?

- Eres una fábrica de pesimismo compulsivo que siempre ve el vaso medio vacío.
+ No, te equivocas. Yo veo el vaso medio lleno ... pero de veneno
JuanRa

MEDIDAS EXTRAORDINARIAS (2010)

2010-04-09T15:23:00.000-07:00

MEDIDAS EXTRAORDINARIAS
MI CRITICA
Balance bueno porque a pesar de parecer un argumento de pelicula de sobremesa en antena 3- tele 5 de sabado- domingo por la tarde, lease: padre de familia con dos hijos con enfermedad degenerativa que se le acaba el tiempo de estar con ellos y luchará por salvarlos, y aunque esto sea asi parece que esta planteado desde otro punto de vista, nos cuenta como las farmaceuticas no quieren apostar por enfermedades raras puesto no les es rentable, años y años de investigacion para unos pocos casos mundiales.
En general me ha gustado, como el padre, (Brendan Fraser, en un papel muy distinto al que nos tiene acostumbrados y yo creo que sale airoso) ,como siempre decimos, es capaz de cualquier cosa por un hijo, cómo tiene que vencer miles de obstaculos y uno que no es pequeño es el cientifico loco (aqui si que tengo que decir que Harrison Ford no está muy convincente, ya por el guión que no es muy asi o por su interpretación.
Me ha gustado la peli pero eso si tanto como para ir al cine a verla no, mejor en el salón de casa y guardar esas perricas para otra.

CARTEL

SINOPSIS
John Crowley (Brendan Fraser), de clase obrera en sus orígenes, había conseguido finalmente saborear el éxito en el mundo empresarial americano. Apoyado por su bella esposa Aileen (Keri Russel) y sus tres hijos, John inicia su carrera hacia el éxito. Pero cuando ésta comienza a despegar, se ve obligado a detenerla al enterarse de que a sus dos hijos pequeños, Megan y Patrick, se les ha diagnosticado una enfermedad incurable. Con su mujer siempre a su lado, John se asocia con un científico brillante pero poco apreciado y anti-convencional, el Dr. Robert Stonehill (Harrison Ford). Conducidos por diferentes razones, juntos crean una compañía biotécnica , donde por un lado uno quiere encontrar la cura que salve la vida de sus hijos y el otro busca conseguir probarse a sí mismo y sus teorías científicas. Esta extraña alianza termina desembocando en un respeto mutuo, mientras luchan contra el sistema médico y empresarial. Sin embargo, en el último minuto, cuando parece que se ha encontrado una solución, la relación entre ambos se enfrenta a la prueba final, cuyas consecuencias afectará al destino de los hijos de John.
TRAILER

FICHA TECNICA
Director: Tom Vaughan
Intérpretes: Brendan Fraser, Harrison Ford, Keri Russell, Jared Harris, Patrick Bauchau, Alan Ruck, Dee Wallace, Diego Velazquez, Sam M. Hall, Meredith Droeger
Título en VO: Extraordinary measures
País: USA Año: 2010.
Fecha de estreno: 12-03-2010
Duración: 105 min.
Género: Drama
Color o en B/N: Color
Guión: Robert Nelson Jacobs
Producción: Carla Santos Shamberg
Stacey Sher
Michael Shamberg
Fotografía: Andrew Dunn
Música: Andrea Guerra

Para hipocondríacos padres coraje

Lo mejor: el tacto de Fraser en las escenas familiares
Lo peor: el trazo caricaturesco de los médicos malos

CRITICA
Por Fausto Fernández
Razón contra corazón, ciencia contra espíritu. Estas dicotomías conforman el corpus de una película sobre enfermedad, enfermos y la gélida maquinaria médica. Sin ninguna intención de ser una obra de terror (¿esperanzador?) sanitario, Medidas extraordinarias tampoco cae en las contraindicaciones de un plañidero telefilm al uso: actúa a modo de eficaz excipiente del cine hollywoodiense individualista, de héroes anónimos cotidianos forzados hacia la gesta quijotesca. Brendan Fraser se merienda a un hipotenso Harrison Ford, sin cargar más de lo justo los ingredientes melodramáticos imprescindibles, secundarios ante la detallada lucha periodística sobre protocolos y doctores que acaban aceptando que más allá del progreso médico siempre hay personas

Puro cliché
Aburridísima, llena de tópicos, Harrison Ford no encaja para nada en el papel de científico díscolo, rebelde y a la vez brillante. ¿Será mal actor?

Llena de clichés: el economista, padre de niños enfermos, la madre llena de energía, los niños muy especiales, intentando emocionar al científico loco y frío, éste en su mundo con la pizarrita para arriba y para abajo, el mundo de los negocios y su "ética".
Las situaciones forzadas se resuelven como por ensalmo...

Encima la produce el propio Harrison Ford. Está claro que hay crisis.
Perfectamente nos la podía haber pasado Antena 3 en una de esas tardes de película doble para bien dormir.
vilcoyot

Una interesante película fuera de su época.
"Medidas extraordinarias" está fuera de época, porque va dirigida a un público minoritario en un momento dominado cinematográficamente por el marketing y las grandes masas.

Existen tres grandes sectores vinculados a tres grandes Grupos Demográficos (GD):

1) EL MARKETING. Utiliza al cine como si de un mercado de valores se tratara, donde lo único importante es el dinero y lo demás carece del más mínimo interés. (Efectos especiales, espectacularidad, sexo, acción, violencia, secuelas, sagas etc...).

GD = Gente, en su mayoría joven, que utilizan las películas como si fuesen pañuelos de usar y tirar (Curiosamente para lo que han sido creadas).

2) LA CRITICA "ESPECIALIZADA". Por lo general, está centrada en la originalidad y en el vanguardismo. Buscan sorpresas y no autenticidad. Desde que dio comienzo la corriente de la "Nouvelle vague" francesa, infinidad de cineastas han querido utilizar al cine como medio de expresión de sus pensamientos políticos y sociales, es decir; como un instrumento propagandístico usado para promover sus valores e ideas personales. Los críticos han seguido esa misma linea de acción, evolucionando hacia la defensa de los productos más extravagantes y pretenciosos.

GD = Está lleno de esnobs y resabiados (Los que fomentan este tipo de cine también lo son).

3) EL CINE. Solo exige coherencia.

GD = Los auténticos cinéfilos que buscan entretenerse, divertirse, aprender, compartir, soñar y emocionarse con los personajes y las situaciones que plantea la trama.

Los mismos críticos que valoran como imprescindibles las excentricidades de directores como David Lynch, Wes Anderson y Darren Aronofsky, utilizan términos como "Clichés", "sobreactuación" y "previsibilidad", para describir esta producción. Asimismo, la califican peyorativamente como telefilm de sobremesa. Todos estos términos tratan de criticar lo convencional y lo cotidiano, cuando lo que realmente interesa enfatizar en este tipo de producciones, es la cruda realidad. Resultaría absurdo tratar de reinventar los sentimientos, las emociones y las reacciones de personajes que pasan por las mismas situaciones o conflictos. (No se puede llorar sin lágrimas ni se puede reír sin emitir sonido alguno)

"Medidas extraordinarias" es una interesante película muy bien dirigida e interpretada, que posee personajes muy bien trazados y que está estupendamente narrada. Los realizadores han cuidado hasta el más mínimo detalle y la han orquestado con una brillante banda sonora, una aceptable fotografía y con todos los ingredientes propios del género dramático. Consigue sobradamente lo que pretende: Narrar la historia de un matrimonio que lucha por salvar la vida de sus hijos.

"Medidas extraordinarias" es entretenida, emocionante, instructiva y enriquecedora; la fórmula perfecta para realizar una buena película. Parece ser que los telefilms también usan este método, por lo que propongo que nos quedemos en casa en vez de ir al cine a que nos tomen el pelo.
Felpac

LA ENFERMEDAD DE POMPE
La glucogenosis tipo II o enfermedad de Pompe, es una rara enfermedad de almacenamiento lisosómico hereditaria autosómicarecesiva, causada por una disfunción de la enzima α-(1-4)-glucosidasa ácida lisosómica, también denominada maltasa ácida. Provoca una acumulación creciente de glucógeno en el lisosoma, que afecta, principalmente, al tejido muscular. En niños destaca por producir insuficiencia cardíaca al acumularse en el músculo cardíaco causando cardiomegalia.

Se estima que la incidencia de todos los subtipos clínicos es de uno por cada 40.000 nacimientos. La enfermedad de Pompe se da en todas las razas y, al ser una enfermedad autosómica recesiva, afecta por igual a hombres y mujeres. Se calcula que, tan sólo en los países desarrollados, puede haber entre 5.000 y 10.000 enfermos vivos. Se han detectado casos en distintas especies animales, incluyendo peces,aves y mamíferos.

De acuerdo con los datos de la Asociación Española de Enfermos de Glucogenosis (AEEG), en España la enfermedad presenta su mayor incidencia en las comunidades autónomas de Andalucía, Madrid y Murcia, siendo la provincia de Jaén el mayor foco aparente de esta patología, particularmente en sus variedades más graves

CAUSA

La enfermedad de Pompe es un error congénito del metabolismo del glucógeno que afecta al gen encargado de dar la orden de síntesis de la enzima alfa-(1,4)-glucosidasa en los lisosomas. Dicho gen (GAA) se encuentra localizado en el brazo largo del cromosoma 17 (17q). Dependiendo del tipo de mutación en el gen, existirá una deficiencia total o parcial de la actividad de la enzima en todas las células del organismo. Esta deficiencia puede tener consecuencias sobre diferentes tejidos, aunque el efecto más notable se produce en las células musculares, pues en ellas se acumula gran cantidad de glucógeno residual que es absorbido por los lisosomas para su transformación en glucosa. El depósito creciente de glucógeno en los lisosomas interfiere con la función celular y causa daños en las células.

Se han identificado cerca de 200 mutaciones del gen GAA que pueden encontrarse en la siguiente base de datos: Pompcenter

Subtipos clínicos
Existen tres variedades de la enfermedad de Pompe: la infantil, la juvenil y la adulta, definidas cada una de ella según la edad de aparición de los síntomas y la velocidad de progresión de la enfermedad, estando ambos parámetros determinados por el grado de actividad enzimática del paciente (inferior al 1% de los valores normales en la variedad infantil, entre el 1% y el 10% en la juvenil, y entre el 10% y el 20% en la adulta)

"INVICTUS" MI CRITICA

2010-02-25T12:59:00.000-08:00

“Invictus”

MI CRITICA
Tengo que decir que voy a ser poco objetivo porque película que veo dirigida por Clint, película que me encanta. Y de Morgan Freeman tres cuartos de lo mismo, asi que si los unimos los dos tenemos para mi una gran película, aunque leyendo otras criticas me sorprende lo duras que son, por ejemplo una se mete hasta con la banda sonora que a mi me parece tambien genial y oportuna.
Lo mejor para mi de toda la película es la simpleza de la historia que cuenta y que ella esta basada en un hecho real, yo creo que todo se resume en COMO NELSON MANDELA CAMBIO EL PAIS CON UN EQUIPO DE RUGBY. Me ha venido muy bien la peli para conocer aspectos y hechos de NELSON MANDELA que desconocia por completo y como no para investigar un poquitin sobre el Apartheid y como marcó a toda una nación.
Resumiendo me encanta y esperando ansioso la proxima peli de CLINT EASTWOOD
Y al final del todo una pequeña noticia sobre su proyecto mas inmediato
CARTEL

SINOPSIS
“Invictus” cuenta la verídica historia de cómo Nelson Mandela unió sus esfuerzos con el capitán del equipo de rugby de Sudáfrica, François Pienaar, para ayudar a unir el país. El recién elegido presidente Mandela es consciente de que su nación sigue estando dividida tanto racial como económicamente debido a las secuelas del Apartheid. Creyendo que puede unir a su pueblo a través del lenguaje universal del deporte, Mandela apoya al desamparado equipo de rugby de Sudáfrica cuando, con pocas probabilidades, participa en el Campeonato Mundial de 1995.
TRAILER

FICHA TECNICA
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2009.
Duración: 134 min.
Género: Biopic, drama.
Interpretación: Morgan Freeman (Nelson Mandela),Matt Damon (François einar), Marguerite Wheatley (Nerine), Patrick Lyster (Sr. einar), Matt Stern (Hendrick Booyens), Julian Lewis Jones (Etienne Feyder), Penny Downie (Sra. einar), Tony Kgoroce (Jason Tshabalala), Patrick Mofokeng (Linga Moonsamy), Adjoa Andoh (Brenda), Leleti Khumalo (Mary).
Guión: Anthony Peckham; basado en el libro “El factor humano” de John Carlin.
Producción: Clint Eastwood, Lori McCreary, Robert Lorenz y Mace Neufeld.
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach.
Diseño de producción: James J. Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.
Distribuidora:Warner Bros. Pictures International España.
Estreno en USA: 11 Diciembre 2009.
Estreno en España: 29 Enero 2010.

OTRAS CRITICA
Una película menor de Clint Eastwood en la que lo mejor es la soberbia manera en la que está rodada la final entre Sudáfrica y Nueva Zelanda. Nelson Mandela es retratado con exceso de atributos positivos y ausencia de matices.
Vuelve el Clint Eastwood “mayor”, el empeñado en contar grandes historias que marcaron momentos cruciales de la historia, y que últimamente parece alternarse con el “menor” (nótese el uso más que intencionado de las comillas en ambos casos, sobre todo si tenemos en cuenta que a esta última categoría pertenece la extraordinaria “Gran Torino”) en su regular y constante filmografía. En este caso busca retratar un momento crucial, el aprovechamiento del recién elegido presidente sudafricano Nelson Mandela de la participación del equipo de su país en la Copa del Mundo de rugby, un arriesgado envite para unir a todos los habitantes en torno a una selección que había sido uno de los símbolos más potentes del apartheid. Un retrato en el que pueden verse detalles que convierten a Mandela en uno de esos personajes que tanto interesan al director de “Million dollar baby” (2004).

En efecto, como ocurre con gran parte de los héroes de las cintas de Eastwood, parecería que Mandela es, en este caso, el personaje enfrentado a una tarea épica, con todas las circunstancias a su alrededor confabuladas para hacerle fracasar, y con graves problemas familiares que le convierten en un desarraigado. Una vez más, es el individuo enfrentado a todo un sistema… sólo que, en esta ocasión, el individuo saldrá ganando. Sin embargo, y a diferencia de lo que ocurría, por ejemplo, con el protagonista de “Sin perdón” (1992), Mandela (Morgan Freeman, en una nueva muestra de su profesionalidad como actor) no arrastra ningún trauma del pasado, no tiene reveses, es la bondad personificada. Y tanto es así que el relato de Eastwood deviene, en su primera parte, en una algo rutinaria muestra de esos atributos positivos, en el dibujo de un líder admirable que, precisamente, por esa ausencia de matices, amenaza con protagonizar un biopic tan pulcramente poco estimulante como lo fue, en su momento, la académica “Gandhi” (Richard Attenborough, 1982).

Algo que se remonta en todo lo que se refiere al rugby, un deporte que aparentemente sería accesorio en la narración, pero cuyas secuencias acaban mostrando la fuerza de la que carece el resto de la cinta. Así, no es de extrañar que la película no remonte verdaderamente el vuelo hasta la larga secuencia final, en la que el equipo capitaneado por François Pienaar (un cada vez más en alza Matt Damon) parece convertirse en el héroe eastwoodiano que, en realidad, Mandela no es, por más que podamos habernos creído lo contrario en el arranque de la película: una selección compuesta por jugadores aún creyentes en el racista régimen anterior, débil como conjunto pero que acaba triunfando en el campo y sirviendo al interés del presidente, transformados por la experiencia y superando sus debilidades.

Por eso no debe de extrañar que “Invictus” sólo se convierta en una excelente película en la soberbia manera en la que está rodada la trascendental final entre Sudáfrica y Nueva Zelanda, un duelo épico donde los haya. Y con eso casi conseguimos perdonarle a Eastwood que nos haya regalado algún momento que, incluso, llega a confundir emoción con cursilería (quizá sea una de las cintas del director que peor utilizan las canciones, la mayoría poco memorables, algo inusual en alguien que sabe mimar tan bien sus bandas sonoras). Un peldaño por debajo de la también fallida“Banderas de nuestros padres” (2006), “Invictus” no añade gran cosa al curriculum del director de “Mystic river” (2003), pero la media permanece intacta: como siempre ocurre con él, sigue regalando momentos de buen cine, pero en este caso no ha bajado a la arena todo lo que nos hubiera gustado. En su lugar, ha mandado a Matt Damon y sus chicos, y sólo ahí el conjunto se despliega con fuerza.
LO PROXIMO DE CLINT
‘Hereafter’, Clint Eastwood a lo ‘El Sexto Sentido’, Matt Damon en plan Bruce Willis
David Cárdenas (YB) | 21 de Septiembre de 2009 | Compártelo

Basta decir el título ‘El Sexto Sentido’, y se nos ponen las orejas como antenas. Sí, porque aquello fue una obra maestra, inigualable, uno de los referentes del thriller de finales de los 90, y un paradigma de lo que debe ser ATENCION SPOILER un giro de guión del copón FIN DE SPOILER.
Así que no sé si es acertado el ir diciendo que estás preparando una película del estilo de aquel primer (y único) peliculón de M. Night Shyamalan.
Aunque, quietos, si el que dirige es el tite Eastwood, la cosa cambia, porque el maestro puede hacer lo que le salga del arco del triunfo. Como si quiere ponerse incluso en plan Michael Bay, y seguro que lo haría de güitos.
‘Hereafter’ es lo próximo en lo que se va a embarcar nuestro yayo Clint, cuyo rodaje empezará el inminente otoño con vistas a estrenar en el 2010.
Será después de la post-producción de ‘Invictus’, la cinta sobre Nelson Mandella cuyo reparto encabezan Morgan Freeman, la ‘réplica’ del líder sudafricano, y Matt Damon, que dará vida a la estrella de rugby Francois Pienaar, y que tendremos calentita para ver a principios de enero del año que viene.
Precisamente es Damon el que ha sido fichado para hacer ‘de Bruce Willis’ en el siguiente filme citado del tite, que también produce, y en el que está involucrado Steven Spielberg como productor ejecutivo (antes era un proyecto de la DreamWorks), todo bajo la tutela de la Warner Bros.
Insisto, es la mínima información que se ha dado hasta el momento de ‘Hereafter’: con guión de Peter Morgan (‘El Desafio. Frost contra Nixon’, ‘The Queen’, ‘El último rey de Escocia’), el largometraje tendrá una trama de intriga con elementos sobrenaturales, ‘en la línea de ‘El Sexto Sentido”. Y ná más, secreto absoluto sobre su argumento, como le gusta a la WB.
Dios, estoy deseando ver al tite Eastwood manejándose en el género del thriller sobrenatural. Seguro que lo hará de escándalo.
• Vía | Variety

PLANET 51 :MI CRITICA

2010-02-20T15:00:00.000-08:00

PLANET 51

MI CRITICA

Bueno, bueno, bueno como vereis, con las criticas encontradas por Internet que os pongo al final, podreis comprobar que yo soy fácil de entretener porque a mi me parecen que han sido muy duros con la peli ya que a mi personalmente me ha encantado y ahora pondré mis argumentos y otra cosa que me hace no ser muy objetivo es que al saber que se puede hacer un producto así aquí en España es lo que me hace alucinar.

Genial:
La ambientación de un planeta alienigena con claras referencias a la America de los años 50 es un autentico homenaje EE.UU.
Los Coches son alucinantes, sin ruedas y redonditos, cada profesión tiene el suyo personalizado y me encanta
Los Humaniacos, con sus pelis, su miedo a los humanos y su concurso de disfraces para estrenar la nueva entrega.
Publi en informativo con el cepillo y la pasta de dientes.
Simulacro zombis en el cole
Se conecta el iPod vaciando la nave del astronauta
Orden en caso de control mente, es decir el orden que llevan para matarse uno a otro
La Base 9, como esta disimulada en mitad de la nada

Referencias:
Es una peli llena de referencias y pequeños guiños y homenajes:
Marilyn
Satélite ruso
Perro Alien
Wall-e
ET.
Twix.
Cantando bajo los cantos.
Luis skywalker
La guerra de los mundos
El experimento del Dr. Quatermass
Ultimátum a la Tierra

GRaciosas:
Lluvia cantos
Nino vibe
Tapon corcho
Llegada al planetary
Amigo jippy con la "causa"
Peces Lem pedito
Puentealo.
Robert escapa tornillos.
Sitio pa antena

MUSICA
Ghost
Macarena

CARTEL

SINOPSIS
Planet 51 cuenta la historia de una familia de extraterrestres que viven plácidamente hasta que son invadidos por un habitante de otro planeta: el Capitán Charles “Chuck” Baker, un astronauta estadounidense. Chuck pisa el planeta pensando que está deshabitado, por lo que se lleva un gran susto al conocer a los pequeños habitantes verdes que pueblan Planet 51, y cuya vida guarda un gran paralelismo con la América de los Años 50. En esta década, había un gran temor entre los americanos de ser invadidos por extraterrestres, miedo que comparten los habitantes de Planet 51. Chuck, ayudado por uno de los muchachos de Planet 51, Lem, y por su compañero Robot “Rover”, intentará escapar del Ejército de Planet 51, que quiere capturarle, y volver a su planeta Tierra natal.
TRAILER

FICHA TECNICA
TÍTULO ORIGINAL Planet 51 (Planet One)
AÑO 2009

DURACIÓN 91 min.

PAÍS ESPAÑA – REINO UNIDO

DIRECTOR Jorge Blanco, Javier Abad, Marcos Martínez

GUIÓN Joe Stillman
MÚSICA James Seymour Brett
FOTOGRAFÍA Animation
REPARTO Animation

PRODUCTORA

Coproducción España-Reino Unido;
HandMade Films / Ilion Animation / Lolafilms / Nickelodeon Animation Studios / Worldwide Biggies

Doblaje USA Dwayne Johnson (Chuck),Jessica Biel (Neera), Justin Long (Lem), Seann William Scott (Skiff), Gary Oldman (Grawl), John Cleese (Kipple). Guión: Joe Stillman.

WEB OFICIAL http://www.planet51.es

CRITICAS

Producción española (en más de un 80%) que ha costado más de 60 millones de dólares -récord del cine español- y escrita por el guionista de Shrek: Joe Stillman. En USA se estrenó el fin de semana del Día de Acción de Gracias, en noviembre, en más de 3.000 salas. (FILMAFFINITY)
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"Aunque no me entusiasmó, 'Planet 51' es un alegre y elegante film de animación en glorioso 2-D. (...) ha sido bellamente animada en España (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Una buena idea pobremente ejecutada, una animación poco pensada que incluso los niños reconocerán como una insípida broma sobre las convenciones de la ciencia-ficción (...) no hay nada divertido, provocador o comprometido" (Todd McCarthy: Variety)
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"Una juguetona mirada atrás a los días en los que los dibujos animados iban mayormente dirigidos a los niños. (...) un film alegre, aunque no terriblemente imaginativo, hecho para los más pequeños." (Kirk Honeycutt: The Hollywood Reporter)
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"¿Planet 51 divertida? Sólo si eres del planeta Negación. (...) comedia insípida e inconexa (...) Extrañamente ni el astronauta ni Lem, un fan de la astronomía, muestran interés o curiosidad por sus otros mundos." (Claudia Puig: USA Today)
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"Entrega algunas agradables sorpresas, incluyendo una simpática historia (...) e inteligentes personajes." (Adam Markovitz: Entertainment Weekly)
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"Forastero en tierra extraña. (...) Extremada calidad de la factura (...) Se echa en falta chispa y carisma en el conjunto, pero no conviene subestimar su condición de más que prometedor primer paso." (Jordi Costa: Diario El País)
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"Su arranque, dicharachero y colorista, prometía mil maravillas, pero según avanza la historia y se van barajando unos personajes planos, infantiloides y arquetípicos (...) las expectativas van bajando de la nube (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (Javier Cortijo: Diario ABC)

Dibujos animados.
Planeta 51 es la prueba plausible de que cada vez es menor la distancia que a nivel gráfico separa a las superproducciones de Disney, Pixar y Dreamworks de las películas de animación más austeras. Es irrefutable que la película de los españoles Jorge Blanco y Javier Abad consigue unos efectos visuales, en lo que a movimiento, volumen, profundidad y diseño, equiparables a los trabajos de Brad Bird, Andrew Stanton o Andrew Adamson. Ahora bien, ¿acaso Los increíbles, Wall-e o Shrek (por citar algunos ejemplos) han pasado a la historia de la animación únicamente por la calidad técnica que sin duda atesoran? La respuesta es: rotundamente NO.

Además de estos valores técnicos indispensables para ser consideradas obras maestras de la animación, estas películas han hecho gala de un conocimiento del lenguaje cinematográfico, de una sensibilidad y de una trascendencia discursiva tales que la peyorativa etiqueta de “infantil”, que tradicionalmente acompaña a las llamadas películas de “dibujos animados”, ha comenzado a ponerse en entredicho seriamente. ¿Posee Planeta 51 estas cualidades extraordinarias que marcan la edad adulta de la animación para todos los públicos? Ni por asomo.

Esta producción hispano-británica es una historia de temática alienígena en la que los roles se invierten. ¿Y si fuéramos nosotros los visitantes y no los visitados? ¿Y si un astronauta de la NASA aterrizara en un planeta habitado por una civilización avanzada? ¿Y si la concepción que tiene esa civilización extraterrestre sobre los alienígenas fuera igual de recelosa, prejuiciosa y fantasiosa que la nuestra? En base a estos términos, y recurriendo conscientemente a todos los tópicos habidos y por haber, Planeta 51 rinde obligado homenaje a las principales películas sobre extraterrestres, desde la ciencia ficción de los años 50 (Them!, La guerra de los mundos, El experimento del Dr. Quatermass, Ultimátum a la Tierra…) hasta E.T. y Alien. Sin embargo, los guiños cinéfilos no consiguen que Planeta 51 se desmarque lo suficiente de ese tono superficial e infantil del que Ratatouille, Up O Wall-e sí se desprendieron.
FERNANDO BERMEJO
51 homenajes y una curiosa distracción
"Planet 51" tenía todos los ingredientes para ser otro bluff de la cinematografía española: la película más cara de la historia de nuestro país, varios años de trabajo tras ella, un reparto internacional dándole voz a sus personajes e, incluso, el trabajo de un guionista internacional para otorgar empaque (Joe Stillman, autor de "Shrek" y "Shrek 2") y, sin embargo, el resultado es tan interesante como singular.
Vale, estamos de acuerdo en que la idea inicial podría haber dado para algo más que un puñado de homenajes (eso sí, bien distribuidos aquí, no como en la pobrísima "Shrek 2"), un entretenimiento liviano y unos personajes que dan sensación constante de déjà vu, pero pese a ello, y viendo las características de la cinta en sí y los resultados obtenidos cuando se ha dado anteriormente una conjunción como esa, se podría decir que el resultado es más que satisfactorio.

"Planet 51" empieza, pues, como un socarrón homenaje a esa sci-fi setentera que tan buenos recuerdos trae, para a continuación dar paso a una presentación de lo más diestra, en la que los detalles invaden la retina del espectador, y todo entra con simpatía por ésta misma sin necesidad de pararse a pensar si lo que estamos viendo huele a tópico o no, principalmente por el dinamismo de una cinta que sabe manejar bastante bien los compases, y también sabe como reconstituir su trama constantemente sin caer en los defectos más típicos del cine de animación (a saber, su mensaje obvio, sus típicas licencias, la construcción de un humor pueril en exceso o demasiado cándido, etc...).

Pese a ello, la cinta dirigida por Abad también posee sus bajones y, aunque no mantiene el mismo nivel durante todo el metraje, se le puede dar más cancha de lo común si tenemos en cuenta el aguante que hay que tener en muchas ocasiones con productos de este tipo, porque finalmente termina dando alguna que otra sorpresa al espectador y regalando momentos que tiñen el celuloide de un halo de lo más entrañable que es, por otro lado, de lo que suelen carecer la mayoría de pelis de animación actual.
Para rematar, su conclusión sabe como esquivar el discursito de turno, y aunque vuelve a caer en algún que otro tópico, la resolución que se nos regala es tan enternecedora como placentera, logrando hacer de ésta marcianada patria (por lo raro que resulta encontrar pelis de animación como ésta en nuestro país, y no lo digo precisamente por la millonada invertida) un sabroso bocado que deja, como mínimo, algún que otro personaje para el recuerdo.
Grandine
Prescindible y olvidable, pero digna
Empiezo la crítica con la idea que considero principal: "Planet 51" no es tan mala como pueden hacer creer algunas críticas norteamericanas. Es más, si eres aficionado a la animación te recomiendo verla, y si no lo eres y sólo buscas pasar un rato entretenido, también.

Técnicamente la película es una maravilla, se nota el dinero invertido y el esfuerzo e ilusión de sus animadores y técnicos. El diseño de personajes en algún caso es algo estereotípico, aunque de esto igual habría que culpar al guión por no presentar caracteres más originales.

La historia parte de un concepto simpático, eso sí, muy americano y muy poco español, que al principio parece que va a ofrecer un muy saludable entretenimiento. A pesar de que algunos gags no son muy inspirados, los primeros treinta minutos son, en general, bastante divertidos. Después la historia pierde fuelle y el potencial de los personajes está un tanto desaprovechado. Todos tienen algo de carisma que en demasiados casos no está explotado pero personalmente me quedo con los secundarios como Rover (que recuerda mucho a Wall-E pero no importa mucho), Ripley (que debería salir más) o Skiff. El villano (cuyo nombre no recuerdo, el personaje que dobla Gary Oldman en el original) tampoco está mal. En cuanto a los dos protagonistas tienen sus momentos, pero su relación está basada en un desarrollo demasiado típico de 'buddy movie' y el caracter de ambos es en exceso superficial y adolescente, especialmente en el caso del astronauta, que a veces es cachondo pero es demasiado unidimensional.

El argumento pierde fuelle al de un rato y hay un cierto abuso de los homenajes a otras películas, pero personalmente creo que no alcanza el momento crítico en el que llegue a aburrir o molestar.

En definitiva no es ninguna obra maestra pero muestra el potencial de los estudios Ilion si se trabajan un poco más el guión, no es mucho peor que varias películas de animación americanas (que sí, en Pixar son muy buenos, pero Bluesky, Sony o Dreamworks algunas veces tampoco ofrecen historias mucho mejores que Planet 51). Estéticamente está muy currada y es agradable y tiene ramalazos de ingenio que divierten y hacen reír.

Prefiero el guión de El lince perdido (una película infantil pero con una historia mejor construida), pero la inversión que han realizado en promoción y en técnica en este filme supone un hito en nuestro cine animado y el resultado es interesante y digno para cualquier aficionado al medio, que debería tener suficientes motivos para acercarse al cine. Lo de "prescindible" en el título de mi crítica va sobre todo dirigido al público menos aficionado a la animación, que vaya pensando más en el argumento que en la técnica o la estética. Para ellos es una historia que pueden dejar pasar, pero que tampoco les hará daño, y a los niños creo que les agradará.
PREMIO GOYA A MEJOR PELI DE ANIMACION
ENTREGA EL PREMIO POCOYO

Lista de ganadores en la 60º edición de la Berlinale 2010

2010-02-20T12:44:00.000-08:00

La turca 'Miel' se lleva el Oro y Polanski la Plata como mejor director
AGENCIAS | BERLÍN Publicado Sábado , 20-02-10 a las 21 : 06
La 60 edición de la Berlinale se ha cerrado con la entrega de los premios de la sección oficial de este festival, cuyo jurado presidió el director alemán Werner Herzog.
La siguiente es la lista de los ganadores de los premios oficiales y otros galardones de jurados independientes:
Oso de Oro: 'Miel', de Semith Kaplanoglu (Turquía-Alemania).

Premio Especial del Jurado: 'Si quiero silbar, silbo' de Florin Serban (Rumanía/Suecia).

Oso de Plata al mejor director: Roman Polanski, por 'El fantasma' (Francia, Alemania, Reino Unido).

Oso de Plata al mejor actor: Grigoru Dobrygin y Sergei Puskepalis por 'Cómo terminé este verano' (Rusia).

Oso de Plata a la mejor actriz: Shinobu Terajima, por 'Oruja', de Koji Wakamatsu (Japón).

Oso de Plata a la contribución artística: Pavel Kostomarov, cámara de 'Cómo terminé este verano' (Rusia).

Oso de Plata al mejor guión: Wang Quan'an y Na Jin, por 'Juntos' (China)

Premio Alfred Bauer: 'Si quiero silbar, silbo', de Florin Serban (Rumanía/Suecia).

Premio a la mejor ópera prima: 'Sebbe', de Babak Najafi (Suecia)

Oso de Oro al mejor cortometraje: 'Händelse Vid Bank', de Ruben Ostlund (Suecia).

Oso de Cristal al Cine Juvenil Generation 14plus: 'Neukölln Unlimited', de Agostino Imondi y Dietmar Ratsch (Alemania).

Oso de Cristal al Cine Infantil Generation Kplus: 'Los ecos del arco iris', de Alex Law (China).

Premio Caligari de la sección Forum: 'El montaje del lobo', de Pietro Marcello (Italia).

Premio del Público de la sección Panorama: 'Waste Land', de Lucy Walker (Reino Unido/Brasil).

Premio Teddy al cine homosexual: 'Los niños están bien', de Lisa Cholodenko (EEUU).

Premio C.I.A.C. (Confederación Internacional de Cine de Arte y Ensayo): 'Rosa de Kawasaki', de Jan Hrbejk (República Checa) y 'Winter's Bone', de Debra Granik (EEUU).

Premio de la Federación Internacional de la Crítica (FIPRESCI): 'En Famille', de Pernille Fischer Christensen (Dinamarca), sección oficial; 'Parade', de Isao Yukisada (Japón) y 'El vuelco del cangrejo', de Oscar Ruiz de Navia (Colombia).

Premio Amnistía Internacional : 'Hijo de Babilonia', de Mohammed Al-Daradji (Irak) y 'Waste Land', de Lucy Walker (Reino Unido/Brasil).

MODELITOS DE LOS GOYA 2010

2010-02-15T11:36:00.000-08:00

GANADORES DE LOS GOYA 2010

2010-02-15T11:22:00.000-08:00

Lista de ganadores de la XXIV edición de los Premios Goya, celebrados en el Palacio Municipal de Congresos de Madrid.
MEJOR PELICULA: "Celda 211".
MEJOR DIRECTOR: Daniel Monzón, por "Celda 211".
MEJOR DIRECCION NOVEL: Mar Coll, por "Tres días con la familia".
MEJOR GUION ORIGINAL: Alejandro Amenábar y Mateo Gil, por "Agora".
MEJOR GUION ADAPTADO: Jorge Gerricaecheverría y Daniel Monzón, por "Celda 211".
MEJOR MUSICA ORIGINAL: Alberto Iglesias, por "Los abrazos rotos".
MEJOR CANCION ORIGINAL: "Yo, también", de "Yo, también" Compositor: Guille Milkway
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA PROTAGONISTA: Luis Tosar, por "Celda 211".
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA PROTAGONISTA: Lola Dueñas, por "Yo, también".
MEJOR INTERPRETACION MASCULINA DE REPARTO: Raúl Arévalo, por "Gordos".
MEJOR INTERPRETACION FEMENINA DE REPARTO: Marta Etura, por "Celda 211".
MEJOR ACTOR REVELACION: Alberto Ammann, por "Celda 211".
MEJOR ACTRIZ REVELACION: Soledad Villamil, por "El secreto de sus ojos".
MEJOR MONTAJE: Mapa Pastor, por "Celda 211".
MEJOR DIRECCION DE PRODUCCION: José Luis Escolar, por "Agora".
MEJOR DIRECCION DE FOTOGRAFIA: Xavi Giménez, por "Agora".
MEJOR DIRECCION ARTISTICA: Guy Hendrix Dyas, por "Agora".
MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Gabriella Pescucci, por "Agora".
MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERIA: Jan Sewell y Suzanne Stokes-Munton, por "Agora".
MEJOR SONIDO: Sergio Burmann, Jaime Fernández y Carlos Faruolo, por "Celda 211".
MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Chris Reynolds y Félix Bergés, por "Agora".
MEJOR PELICULA DE ANIMACION: "Plantet 51".
MEJOR PELICULA DOCUMENTAL: "Garbo, el hombre que salvó el mundo".
MEJOR PELICULA HISPANOAMERICANA: "El secreto de sus ojos", de Juan José Campanella.
MEJOR PELICULA EUROPEA: "Slumdog Millonaire", de Danny Boyle (Reino Unido).
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCION: "Dime que yo", de Mateo Gil.
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: "Flores de Ruanda", de David Muñoz López
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACION: "La Dama y la Muerte", de Javier Recio García. JMG

La Gran Vía madrileña se convierte en el 'Paseo de la Fama' con motivo de los Goya

2010-02-09T04:22:00.000-08:00

Las estrellas de Alejandro Amenábar, Penélope Cruz y Luis Tosar. (Imagen: EFE)
Los Premios del cine español se entregarán el domingo 14 de febrero.
Todos los nominados cuentan con su propia estrella.

Desde este domingo 7 de febrero, la Gran Vía de Madrid se convierte, con motivo de su centenario y de la próxima Ceremonia de Entrega de los Premios Goya, en un improvisado 'Paseo de la Fama', bajo el patrocinio de Loterías y Apuestas del Estado (LAE).

Las aceras, entre las plazas de España y Callao, contarán con una estrella por cada nominado en todas las categorías de los premios. Un particular homenaje a la gran noche del cine español, que la próxima semana concentrará en el Palacio Municipal de Congresos a las estrellas del cine nacional.

Esta particular 'calle de los sueños' estará delimitada por una cartelería vertical, realizada a imagen y semejanza de los clásicos indicadores de las calles madrileñas, como informó el promotor de esta iniciativa, Loterías del Estado, patrocinador oficial de la vigésimo cuarta edición de los Premios Anuales de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

Lista de candidaturas a los Oscar 2010: Penelope, de nuevo

2010-02-03T11:20:00.000-08:00

'Avatar' y 'En tierra hostil' son las favoritas con nueve nominaciones.
Penélope Cruz opta al galardón de Actriz de Reparto por 'Nine'.
Por primera vez diez cintas se disputan la estatuilla a mejor Película.

La 82 edición de los Oscar de Hollywood se celebrará el próximo 7 de marzo en el Kodak Theatre de Los Ángeles. Presentada por Alec Baldwin y Steve Martin, la gala contará por primera vez con diez cintas candidatas a Mejor Película, entre ellas, la sensación animada del año, Avatar, que acumula junto al filme En tierra hostil nueve candidaturas. A continuación la lista completa de aspirantes a la estatuilla más famosa del cine:

Mejor película
Avatar
The blind side
District 9
An education
En tierra hostil
Malditos bastardos
Precious
A serious man
Up
Up in the air

Mejor dirección
James Cameron, por 'Avatar'
Kathryn Bigelow, por 'En tierra hostil'
Quentin Tarantino, por 'Malditos bastardos'
Lee Daniels, por 'Precious'
Jason Reitman, por 'Up in the air'

Mejor actor
Jeremy Reener, por 'En tierra hostil'
Jeff Bridges, por 'Crazy hearts'
George Clooney, por 'Up in the air'
Colin Firth, por 'A single man'
Morgan Freeman, por 'Invictus'

Mejor actriz
Sandra Bullock, por 'The blind side'
Helen Mirren, por 'The last station'
Carey Mulligan, por 'An education'
Gabourey Sidibe, por 'Precious'
Meryl Streep, por 'Julie & Julia'

Mejor actor de reparto
Matt Damon, por 'Invictus'
Woody Harrelson, por 'The messenger'
Christopher Plummer, por 'The last station'
Stanley Tucci, por 'Desde mi cielo'
Christoph Waltz, por 'Malditos bastardos'

Mejor actriz de reparto
Penélope Cruz, por 'Nine'
Vera Farmiga, por 'Up in the Air'
Anna Kendrick, por 'Up in the Air'
Mo'Nique, por 'Precious'
Maggie Gyllenhaal, por 'Crazy Heart'

Mejor guión original
'En tierra hostil" por Mark Boal
'Malditos bastardos", por Quentin Tarantino
'The messenger', por Alessandro Camon y Oren Moverman
'A serious man', por Joel Coen y Ethan Coen
'Up', por Bob Peterson, Pete Docter y Tom McCarthy

Mejor guión adaptado
Neil Blomkamp y Terry Tatchet, por 'District 9'
Nick Hornby, por 'An education'
Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Lanucci y Tony Roche, por 'In the loop'
Geoffrey Fletcher, por 'Precious'
Jason Reitman y Sheldon Turner, 'Up in the air'

Mejor película documental
Burma VJ
The Cove
Food, Inc.
The most dangerous man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers
Wich Way Home

Mejor corto documental
Chinas Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province
The Last Campaign of Governor Booth Gardner
The Last Truck: Closing of a GM Plant
Music by Prudence
Rabbit à la Berlin

Mejor película extranjera
Ajami (Israel)
El secreto de sus ojos (Argentina)
The milk of sorrow (Perú)
Un prophète (Francia)
La cinta blanca (Alemania)

Mejor montaje
Avatar
District 9
En tierra hostil
Malditos bastardos
Precious

Mejor dirección de fotografía
Avatar
The blind side
District 9
An Education
En tierra hostil

Mejor banda sonora original
Avatar
The Blind Side
District 9
An education
En tierra hostil

Mejor canción original
'Almost there', de Tiana y el sapo
'Down in New Orleans', de Tiana y el sapo
'Lain de Paname', de Paris 36
'Take it all', de Nine
'The weary kind', de Crazy heart

Mejor dirección artística
Rick Carter y Robret Stromberg, por 'Avatar'
Dave Warren y Anastasia Masaro, por 'El imaginario del Dr. Parnassus'
John Myhre y Gordon Smith, por 'Nine'
Sarah Greenwood y Katie Spencer, por 'Sherlock Holmes'
Patrice Vermette y Maggie Gray, por 'La joven Victoria'

Mejor diseño de vestuario
Bright Star
Coco before Chanel
El imaginario del Dr. Parnassus
Nine
La joven Victoria

Mejor maquillaje
Aldo Signoretti and Vittorio Sodano, por 'Il divo'
Barney Burman, Mindy Hall y Joel Harlow, por 'Star Trek'
John Henry Gordon y Jenny Shircore, por 'La joven Victoria'

Mejor sonido
Avatar
En tierra hostil
Malditos bastardos
Star Trek
Transformers: Revenge of the Fallen

Mejor montaje de sonido
Avatar
En tierra hostil
Malditos bastardos
Star Trek
Up

Mejores efectos especiales
Avatar
District 9
Star Trek

Mejor película de animación
Coraline
Fantastic Mr. Fox
Tiana y el sapo
The Secret of Kells
Up

Mejor cortometraje de ficción
The Door
Instead of Abracadabra
Kavi
Miracle Fish
The New Tenants

Mejor cortometraje de animación
French Roast
Granny O Grimm Sleeping Beauty
La dama y la muerte
Logorama
A matter of loaf and death

Oscar honorífico
Lauren Bacall, Roger Corman y Gordon Willis

GLOBOS DE ORO 2010

2010-01-18T09:41:00.000-08:00

Los premiados en la 67 edición de los Globos de Oro, que concede anualmente la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood y que se celebró hoy en el hotel Beverly Hilton de Los Ángeles (California) son los siguientes:
1.- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Mo'nique - "Precious.
2.- MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN - COMEDIA O MUSICAL: Toni Collette - "United States of Tara"
3.- MEJOR ACTOR DE REPARTO EN TELEVISIÓN: John Lithgow - "Dexter"
4.- MEJOR PELÍCULA ANIMADA: "Up"
5.- MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISION- DRAMA: Michael C. Hall - "Dexter"
6.- MEJOR ACTRIZ EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN- DRAMA: Julianna Margulies - "The Good Wife"
7.- MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: "The Weary Kind" - Crazy
8.- MEJOR BANDA SONORA: Michael Giacchino - "Up"
9.- MEJOR MINISERIES PARA TELEVISIÓN: Grey Gardens (HBO)
10.- MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA O MUSICAL: Meryl Streep - "Julie & Julia"
pincha para ver el resto de ganadores

11.- MEJOR ACTOR EN UNA MINISERIE DE TELEVISIÓN: Kevin Bacon - "Taking Chance"
12.- MEJOR ACTRIZ EN UNA MINISERIE DE TELEVISIÓN: Drew Barrymore - "Grey Gardens"
13.- MEJOR GUIÓN CINEMATOGRÁFICO: Jason Reitman - "Up In The Air"
14.- MEJOR ACTOR EN UNA SERIE DE TELEVISIÓN- COMEDIA O MUSICAL: Alec Baldwin- "30 Rock" (NBC)
15.- MEJOR PELICULA EXTRANJERA: "The White Ribbon" (Alemania)
16.- MEJOR SERIE DE TELEVISIÓN- DRAMA: Mad Men (AMC)
17.- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN TELEVISIÓN: Chloë Sevigny - "Big Love" (HBO).
18.- MEJOR ACTOR DE REPARTO: Christoph Waltz - "Inglourious Basterds".
19. MEJOR DIRECTOR: James Cameron - "Avatar"
20.- MEJOR SERIE DE TELEVISION- COMEDIA Y MUSICAL: "Glee" (FOX)
21.- MEJOR PELÍCULA DE COMEDIA O MUSICAL: "The Hangover"
22.- MEJOR ACTRIZ DE DRAMA: Sandra Bullock- "The Blind Side"
23.- MEJOR ACTOR DE COMEDIA O MUSICAL: Robert Downey JR- "Sherlock Holmes"
24.- MEJOR ACTOR DE DRAMA: Jeff Bridges- "Crazy Heart"
25.- MEJOR PELÍCULA-DRAMA: "Avatar"

Retiran los carteles de la última película de Brittany Murphy tras la muerte de actriz

2009-12-25T16:23:00.000-08:00

Murphy se fotografió muerta en la bañera en 'Deadline'.
Tras su repentina muerte el pasado lunes los productores y distribuidores se mueven rápido para retirar la imagen.
EUROPA PRESS. 25.12.2009 - 20.04 h
No se trata de ninguna publicidad macabra aprovechando la muerte de la actriz, sino del cartel promocional de la nueva película de Brittany Murphy, Deadline en el que ésta aparece sin vida dentro de una bañera. Tras su repentina muerte los productores y distribuidores se mueven rápido para retirar la imagen.

Como si se tratase de una broma del destino, Brittany Murphy se fotografió muerta en la bañera para promocionar la película Deadline, lo que para su desgracia se ha convertido en realidad. Precisamente fue en el cuarto de baño donde Sharon, madre de Brittany, encontró a su hija inconsciente la pasada semana.

Esta siniestra coincidencia ha llevado a Redbox, empresa de alquiler de DVD con numerosos establecimientos a lo largo y ancho de Estados Unidos, a retirar a toda prisa los carteles promocionales del filme. Así lo han confirmado funcionarios de la empresa a la página TMZ.com.

VisualDivX: Catalogador de películas gratuito

2009-12-15T18:59:00.000-08:00

VisualDivX, un catalogador gratuito y en español (también en catalán, francés e inglés), es muy útil para crear tu listado de películas ya que permite introducirlas rápidamente, obteniendo los datos de la película cómodamente a través de Internet.

Además, VisualDivX permite exportar tu colección a HTML y TXT.

descargar de http://www.visualdivx.org/

Los premios de los críticos de cine en USA

2009-12-08T10:37:00.000-08:00

Los premios de los críticos de cine inauguran la carrera hacia los Oscar

De izquierda a derecha, Julianne Moore, George Clooney, Mo'Nique, Daniel Day-Lewis y Morgan Freeman. (Imagen: Agencias / Archivo)
Sirven para hacer los primeros pronósticos sobre los Oscar.
Penélope Cruz opta al de mejor actriz secundaria por 'Nine'.
Entre los favoritos, Julianne Moore, Mo'Nique o George Clooney.

EFE.
Los premios de la Asociación Nacional de Críticos de cine de Estados Unidos, que muchos expertos utilizan para hacer los primeros pronósticos acerca de qué pasará en los Oscar, inauguran este viernes la temporada de galardones cinematográficos.

Tras estudiar 300 cintas estrenadas en 2009, la centenaria asociación, hará pública este jueves la lista de los ganadores Tras estudiar aproximadamente 300 cintas estrenadas en 2009, la centenaria asociación, conocida en Estados Unidos como National Board of Review, hará pública este jueves la lista de los ganadores de unos galardones que entrega desde 1919 y que reconocen lo mejor que ha dado de sí la gran pantalla en todo el año.

Este año existe una gran expectación acerca de si, como algunas quinielas preliminares apuntan, la española Penélope Cruz consigue su tercera nominación a los Oscar, algo que podría cobrar fuerza si la madrileña consigue un premio de la crítica a mejor actriz secundaria por la cinta Nine, de Rob Marshall.

En esta película, adaptación cinematográfica del musical homónimo, Cruz comparte cartel con la francesa Marion Cotillard, la australiana Nicole Kidman, la británica Judi Dench y la italiana Sofía Loren, entre otros.

La actriz estadounidense Mo'Nique es una de las preferidas tras su papel en 'Precious' Cruz podría tener como rivales a Julianne Moore (A Single Man), Anna Kendrick y Vera Farmiga por Up in the Air, así como la presentadora y actriz estadounidense Mo'Nique, por su papel en la exitosa película independiente Precious, de Lee Daniels, y que también podría optar a otros premios.

Otros de los nombres que este jueves podrían figurar en la lista de premiados por la crítica estadounidense podrían ser el de la conocida Meryl Streep por Julie & Julia, así como los actores Jeff Bridges (Crazy Heart), George Clooney (Up in the Air), Daniel Day-Lewis (Nine) o Morgan Freeman (Invictus)

corto animado español 'La dama y la muerte' a los Oscars

2009-11-23T09:38:00.000-08:00

El corto animado español 'La dama y la muerte' competirá por ganar un Oscar

En la carrera por las estatuillas también hay otro film, de los mismos estudios (Kandor Graphics), el largo de animación, 'El lince perdido'.
'La dama y la muerte' es un corto de 7 minutos dirigido por J. Recio.

AGENCIAS. 21.11.2009 - 17.44 h
La cinta española La dama y la muerte fue seleccionada por la Academia de Hollywood como una de los diez finalistas para la 82 edición de los Oscar en la categoría de cortos de animación, informó este la organización.

La dama y la muerte, dirigida por Javier Recio se convirtió así en la segunda producción de los estudios andaluces Kandor Graphics (Kandor Moon) y Green Moon que entró en la carrera por las estatuillas, en la que también está la ganadora del premio Goya de animación este año, El lince perdido.

El corto español optará a convertirse en uno de los cinco nominados que lucharán por el Óscar junto a producciones como la australiana The Cat Piano, la francesa French Toast, la irlandesa Granny O'Grimm's Sleeping Beauty y la polaca The Kinematograph.

Es una de las diez finalistas para la 82 edición de los premios de cine más famososEntre las rivales de la cinta española estará también la británica A Matter of Loaf and Death del director Nick Park, cuatro veces ganador de una estatuilla de la mano de las historias de Wallace & Gromit, y Partly Cloudy de los vanguardistas y laureados estudios Pixar.

La lista de finalistas se completó con la francesa Logorama, la canadiense Runaway y la holandesa Variete. La dama y la muerte es un cortometraje de 7 minutos de duración, el primero que se realiza en España con la nueva tecnología 3D estereoscópica, y narra el camino de una anciana hacia la muerte.

Kandor Graphics y Green Moon lograron así un segundo éxito este año en Hollywood tras conseguir que El lince perdido fuera considerada como una de las 20 cintas que compiten por obtener una de las cinco candidaturas para el Óscar de largometraje animado. En esa categoría también se encuentra Planeta 51 de los estudios madrileños Ilion Animation que se estrenó hoy en las carteleras de EE UU.

Rodaje de lo nuevo de Tom Cruise dejará en Sevilla 7 millones de euros

2009-11-17T04:49:00.000-08:00

El rodaje de la nueva película de Tom Cruise dejará en Sevilla siete millones de euros
Ya se han comenzado a grabar algunas escenas de acción, aunque los protagonistas todavía no han llegado a la ciudad.
El equipo trabajará en la capital andaluza entre 16 y 20 días, en dos fases; la semana que viene se trasladará a Cádiz.
Cameron Díaz será la actriz femenina principal de 'Knight&Day'.
EFE /
Persecuciones con coches, motos y muchos disparos. En eso consistirán, básicamente, las escenas que el actor Tom Cruise rodará estos días en Sevilla, correspondientes a su próxima película, la comedia romántica de acción Knight&Day, en la que compartirá reparto con Cameron Díaz.

Se demostrará a Hollywood que en Europa se puede hacer este cine
El impacto económico que el filme tendrá en la capital andaluza será de más de 7 millones de euros, según confirmó este lunes la portavoz municipal y delegada de Cultura, Maribel Montaño. El rodaje supondrá, además, unas 10.000 pernoctaciones en hoteles de la ciudad.

Los cálculos de la productora indican que la película, que inicialmente se llamaba Wichita, será vista por 300 millones de espectadores en todo el mundo, por lo que la portavoz municipal valoró el "impacto publicitario" que el filme tendrá sobre Sevilla.

3.000 extras, 300 técnicos

Por otro lado, los comercios afectados al tener que cerrar sus puertas durante varias horas y varios días, han firmado ya un cuerdo por el que percibirán 7,5 euros por metro cuadrado de su establecimiento y por día. En Sevilla intervendrán hasta 3.000 extras, 300 técnicos y 250 auxiliares.

La semana próxima, el rodaje se trasladará a Cádiz, donde permanecerá una semana, mientras que en Sevilla se rodará entre 16 y 20 días, en dos fases, la primera de ocho días. El responsable de la producción en Sevilla, José Luis Escolar, ha señalado que "se demostrará a Hollywood que en Europa se puede hacer este cine".

Asimismo, aclaró que se ha elegido Sevilla para el rodaje por exigencias del guión, por la belleza de la ciudad y por la climatología, pero no porque sea barato. Aunque el rodaje comenzó el domingo, los responsables de producción no han podido concretar aún cuándo llegarán a España Tom Cruise y Cameron Díaz.

EL ESPECTADOR IMPASIBLE

2009-11-13T16:26:00.000-08:00

Vídeo participante en el X Concurso Internacional de Cortometrajes CEV.com del Festival Cinemad'09. (Pakho Mesino)

'El hocico del Karma'

2009-11-13T16:23:00.000-08:00

Vídeo participante en el X Concurso Internacional de Cortometrajes CEV.com del Festival Cinemad'09. (Miguel Ángel Viruete Cerrillo)

EL COLOR DE LA VIOLENCIA

2009-11-13T16:22:00.001-08:00

Vídeo participante en el X Concurso Internacional de Cortometrajes CEV.com del Festival Cinemad'09. (Carlos Opitz)

HUMANITY

2009-11-13T16:20:00.000-08:00

Vídeo participante en el X Concurso Internacional de Cortometrajes CEV.com del Festival Cinemad'09. (Alicia Nuñez Moralesa)

RETRATO

2009-11-13T16:19:00.000-08:00

Vídeo participante en el X Concurso Internacional de Cortometrajes CEV.com del Festival Cinemad'09. (Jesús Cansino López)

Muere el actor José Luis López

2009-11-02T10:35:00.000-08:00

José Luis López Vázquez. EFE
Muere el actor José Luis López Vázquez a los 87 años
jose luis lopez vazquez
EFE.- 02/11/2009 14:22h
El actor José Luis López Vázquez, protagonista de película como El pisito, La Cabina o Mi querida señorita, ha fallecido hoy en su domicilio madrileño a la edad de 87 años, después de una larga enfermedad, han confirmado a Efe fuentes de la familia.

El actor madrileño, nacido el 11 de marzo de 1922, llevaba ya una larga temporada enfermo, desde su regreso al cine con la película ¿Y tú quién eres?, de Antonio Mercero, rodada hace un par de años.

A lo largo de su carrera ha recibido la Medalla de Oro de Bellas Artes (1985), el Premio Nacional de Teatro 2002, el Goya de Honor 2004, además de la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo 1997 o la de Oro al Mérito en la Bellas Artes 2001.

Entre sus películas destacan títulos como Plácido, El Verdugo, Peppermint Frappé, Atraco a las tres, La Prima Angélica y la trilogía de Patrimonio Nacional, de Berlanga, además del gran éxito de televisión La Cabina, que recibió el Premio Emmy en 1973.

Debutó en 1940 en el Teatro María Guerrero en la obra El anticuario, de Suárez de Deza y Luis Escobar, y en el cine en 1946 en María Fernanda la Jerezana, de Enrique Herreros.

Reacciones

"Se va uno de los actores más grandes, una de las patas de la mesa del gran cine español junto con Fernando Fernán Gómez y Pepe Isbert", ha asegurado el presidente de la Academia de Cine, Alex de la Iglesia, tras conocer el fallecimiento de López Vázquez.

Por su parte el actor y director Santiago Segura manifestó su "tristeza" ante lo que considera "el fin de una época". "Erauno de los más grandes actores que ha tenido el cine español, que lo ha hecho todo, que ha sido versátil, prolífico, un genio absoluto y que en comedia era el número uno".

El director del Centro Dramático Nacional (CDN) Gerardo Vera, aseguró que López Vázquez, fallecido ha sido "un actor de raza"."Ha sido uno de los grandes del cine y del teatro, perdemos a uno de los creadores de la comedia española", ha añadido el director del Centro Dramático Nacional, en cuya sede, el Teatro María Guerrero, será instalada a las 20:00 horas de hoy la capilla ardiente.

PREMIOS SEMINCI VALLADOLID

2009-11-02T05:26:00.000-08:00

El jurado, compuesto por Ettore Scola, Pierre-Henri Deleau, Teresa Font, Antonio Saura, Carmen Posadas, Irene Visedo y Arturo Ripstein ha concedido los siguientes premios:

-Espiga de Oro: Honeymoons (Lunas de miel), de Goran Paskaljevic, Serbia/Albania.

-Espiga de plata: Lille soldat (Pequeña soldado), de Annette K. Olesen, Dinamarca.

-Premio especial del jurado: L'Armée du crime (El ejército del crimen), de Robert Guédiguian, Francia.

-Premio Pilar Miró al mejor nuevo director: Adán Aliaga, por 'Estigmas', España.

-Premio al mejor actor: Alberto San Juan, por La isla interior, de Félix Sabroso y Dunia Ayaso, España.

-Premio a la mejor actriz: Trine Dyrholm, por Lille soldat (Pequeño soldado), deAnnete K. Olesen, Dinamarca.

-Premio del público: Le hérisson (El erizo), de Mona Achache, Francia.

-Premio de la juventud: Le hérisson (El erizo), de Mona Achache, Francia.

-Premio a la diversidad cultural (Jurado FIPRESCI): Amreeka, de Cherien Dabid, Estados Unidos/Canadá/Kuwait.

-Premio a la mejor dirección de fotografía: Camille Hjelm knudsen por Lille Soldat (Pequeña soldado).

- Premio a la mejor música original: Le Hérisson (El erizo) y Adam Resurrected.

-La espiga de oro al mejor cortometraje se ha concedido a Ampelmann (Semáforo).

- Premio espiga de plata al mejor cortometraje, para The Six Dollar fifty Man (El hombre de seis dólares cincuenta).

- Premio en la Sección Tiempo de Historia para Puskás Hungary del húngaroTamás Almási.

- Premio en la Sección Punto de Encuentro para Tranquilo y cuenta hasta siete, de Ramtin Lavafipour (Irán), y El Día de la Falda, producción franco-belga de Jean Paul Lilienfelda.

PREMIOS FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIAN 2009

2009-10-14T09:09:00.001-07:00

MAS VALE TARDE QUE NUNCA
AQUI LOS PREMIADOS

	CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA "CITY OF LIFE AND DEATH" de LU CHUAN (China)
	PREMIO ESPECIAL DEL JURADO "LE REFUGE" de FRANÇOIS OZON (Francia)
	CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR JAVIER REBOLLO por "LA MUJER SIN PIANO" (España- Francia)
	CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ LOLA DUEÑAS por "YO, TAMBIÉN" (España)
	CONCHA DE PLATA AL MEJOR ACTOR PABLO PINEDA por "YO, TAMBIÉN" (España)
	PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA CAO YU por "CITY OF LIFE AND DEATH" (China)
	PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUIÓN ANDREWS BOWELL, MELISSA REEVES, PATRICIA CORNELIUS y CHRISTOS TSIOLKAS por "BLESSED"(Australia)

	PREMIO KUTXA-NUEVOS DIRECTORES "LE JOUR OÙ DIEU EST PARTI EN VOYAGE" de Philippe Van Leeuw (Bélgica)
	mención especial "SAMMEN / TOGETHER" de Matias Armand Jordal (Noruega)

	PREMIO HORIZONTES "GIGANTE" de Adrián Biniez (Uruguay)
	mención especial "FRANCIA" de Israel Adrián Caetano (Argentina)

Las películas de Coixet, Trueba y Sánchez Arévalo, candidatas españolas a los Oscar

2009-09-15T17:10:00.000-07:00

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas deja fuera del juego de Hollywood 'Los abrazos rotos', de Pedro Almodóvar

CH.L.MONJAS | COLPISA MADRID

Mapa de los sonidos de Tokio, de Isabel Coixet; El baile de la Victoria, dirigida por Fernando Trueba; y el segundo largometraje de Daniel Sánchez Arévalo, Gordos, han entrado en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, según la decisión de los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, que también han escogido estos tres títulos como aspirantes a los Premios Ariel, los 'Oscar mexicanos'. La institución que preside Alex de la Iglesia hizo público ayer el resultado de la primera votación. Así, en la que ha sido la primera ronda, los académicos han decidido que, de todas las cintas nacionales que se hayan estrenado entre el 1 de octubre del 2008 y el 30 de septiembre del 2009, estos tres títulos son los más idóneos para optar a los famosos trofeos norteamericanos.

El actor Raúl Arévalo, acompañado por De la Iglesia, fue el encargado de desvelar las tres producciones más votadas por los miembros de esta institución, aunque no se informó del número de académicos que habían votado y tampoco del número de votos que había tenido cada película.

El próximo 29 de septiembre se conocerá el filme que representará a nuestro país en la meca del cine y que saldrá de esta terna formada por dos novatos en esta batalla y un ganador del eunuco dorado: Fernando Trueba por Belle Epoque.

El séptimo largometraje de Isabel Coixet está funcionando en taquilla -lleva recaudados más de 1.500.000 euros y ha sido vista por 240.000 espectadores- «Todos los cineastas que tenemos película queremos estar en la lista porque es una oportunidad para abrir más mercados. Yo estoy muy ilusionada y agradecida a la Academia, que siempre me ha tratado muy bien», expresa la directora y guionista catalana.

Al mayor de los Trueba también le sorprendió que la Academia no hubiera tenido en cuenta 'Los abrazos rotos' de Almodóvar, que hoy cumplía años. «Yo sí la hubiese elegido. Almodóvar es un director al que respeto y admiro», confiesa Daniel Sánchez Arévalo.

ICE AGE 3 : LA EDAD DE HIELO 3: EL ORIGEN DE LOS DINOSAURIOS

2009-08-14T04:41:00.001-07:00

http://vuestrotube.blogspot.com/search?q=ICE+AGE">AQUI TENEIS LA DIRECCION DE NOTICIAS EN EL BLOG SOBRE ICE AGE

MI CRITICA

BUeno bueno supongo que sabreis que soy un fan de DISNEY pero tengo que deciros que esta saga no deja nada que desear a los mismisisismos PIXAR (CASI CASI). La verdad es que al ser una tercera parte te imaginas que se van a relajar y nada de eso, magnifico como tratan la paternidad, maternidad jejejej, los huevos por ahí danzando y damos paso del blanco de la nieve al verde de los dinosaurios LO DICHO genial y nada para niños, la pueden ver tanto ellos como adultos con espiritu de aventuras, en breve os comentare UP que me ha parecido otra pequeña obra maestra de PIXAR

SINOPSIS
Tercera entrega de Ice Age. Los héroes bajo cero de las mundialmente famosas películas Ice Age: La Edad de Hielo y Ice Age 2: El Deshielo están de vuelta, con una aventura increíble..., y eterna. Scrat sigue intentando apoderarse de la muy escurridiza bellota (mientras, tal vez, encuentra el verdadero amor); Manny y Ellie esperan el nacimiento de su mini-mamut; Sid, el perezoso, se mete en un buen lío al formar de repente una familia propia tras encontrarse unos huevos de dinosaurio; y Diego, el tigre de dientes de sable, se pregunta si pasar tanto tiempo con sus amigos no le estará volviendo demasiado “blandito”. Con el fin de salvar al infortunado Sid, la pandilla se adentra en un misterioso mundo subterráneo, donde tienen algunos enfrentamientos con los dinosaurios, lidian con una enloquecida flora y fauna, y conocen a una comadreja tuerta e implacable cazadora de dinosaurios llamada Buck.

FICHA TECNICA

Título: Ice Age 3: El Origen de los Dinosaurios

Título original: Ice Age: Dawn of the Dinosaurs

País: USA Estreno en USA: 01/07/2009

Estreno en España: 02/07/2009

Productora: 20th Century Fox Animation

Director: Carlos Saldanha Guión: Michael Berg, Peter Ackerman Reparto: [Voces V.O.] Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary, Simon Pegg, Queen Latifah

NOCHE EN EL MUSEO 2

2009-06-27T12:12:00.000-07:00

MI CRITICA:
fui al cine con mi niño y mi chica a verla, tras un tiempo sin pisarlo y la verdad es que al niño le encantó, muy en la linea de la primera, me da la sensación que tarda en entrar en acción un poquito pero despues tiene como muchos mas efectos que la anterior, a mi ALI lo que mas le gustó es cuando los monos empiezan a luchar: patada,patada, tortazo, patada, tortazo, jejej le dio la risa. y a mi me ha gustado mucho como todos se ven en color y los mafiosos en blanco y negro
ENTRETENIDA y para pasar un buen rato de cine sin muchas pretensiones

SINOPSIS
SINOPSIS

Larry Daley (Ben Stiller) se ve obligado a decir adiós a todos sus amigos cuando deciden hacer el Museo de Ciencias Naturales más "interactivo" y sustituyen todas las figuras por hologramas. Sus amigos históricos son empaquetados y enviados a los archivos del Smithsonian en Washington, D.C., el museo más grande del mundo. No han pasado ni 24 horas cuando Larry recibe una llamada de Jedediah, el cowboy en miniatura, y descubre que la tabla de Ahkmenrah ha sido extraviada y esto ha hecho que el Smithsonian cobre vida. Para salvar a sus amigos, Larry tendrá que viajar a Washington, D.C. y luchar contra Kahmunrah, Al Capone, Iván el Terrible y Napoleón, que han planeado un complot para apoderarse del museo, y después del mundo.

Dirección: Shawn Levy.
País: USA.
Año: 2009.
Duración: 105 min.
Género: Comedia, familiar.
Interpretación: Ben Stiller (Larry Daley), Amy Adams (Amelia Earthart), Owen Wilson (Jedediah), Hank Azaria (Kahmunrah), Christopher Guest (Iván el Terrible), Ricky Gervais (Dr. McPhee), Alain Chabat (Napoleón), Robin Williams (Teddy Roosevelt), Steve Coogan (Octavio), Bill Hader (general Custer), Jon Bernthal (Al Capone).
Guión: Robert Ben Garant y Thomas Lennon.
Producción: Shawn Levy, Chris Columbus y Michael Barnathan.
Música: Alan Silvestri.
Fotografía: John Schwartzman.
Montaje: Don Zimmerman y Dean Zimmerman.
Diseño de producción: Claude Paré.
Vestuario: Marlene Stewart.
Estreno en USA: 22 Mayo 2009.
Estreno en España: 22 Mayo 2009.

CÓMO SE HIZO "NOCHE EN EL MUSEO 2"
Notas de producción © 2009 Hispano Foxfilm

1. El proyecto

La película "Noche en el Museo" planteó una pregunta candente que a todos los que han visitado uno les ha venido a la cabeza: ¿Qué les sucede a todas las piezas del museo cuando se apagan las luces y los visitantes se van a casa? La deliciosamente imaginativa respuesta dio vida a una tropa de personajes irreverentemente divertidos, simpáticos e inteligentes sacados directamente de la historia, incorporándolos a una aventura en la que intervenían hombres de Neandertal, vaqueros, presidentes de los EE.UU., dinosaurios e ídolos de la Isla de Pascua. Todos se unieron a un guarda nocturno que fue capaz de triunfar por primera vez en su vida después de haber descubierto el poder del conocimiento y el placer de la amistad inesperada. Pero, ¿cuál podría ser el siguiente paso de Larry Daley? Los realizadores de Noche en el Museo sabían que si Larry iba a emprender otra asombrosa odisea, ésta tenía que ser un tinglado de primera –en cuanto a tamaño, aventuras y lo que Larry se jugaría. ¿Cómo lograr algo de proporciones aún más ciclópeas que el Museo de Historia Natural de Nueva York? ¿Dónde podría hallarse un museo aún más grande, rebosante de una colección de piezas incluso más pasmosa –desde criaturas prehistóricas hasta cohetes de la Era del Espacio, pasando por obras de arte medievales- y donde las posibilidades de emociones, situaciones cómicas y la prueba definitiva de la lealtad y el valor de Larry superaran todo lo conocido si todo cobrase vida repentinamente? Sólo había una respuesta. Y condujo directamente a la capital de los Estados Unidos y al único museo financiado por nosotros, los contribuyentes: la magnífica Institución Smithsonian. “Queríamos que todo cuanto hicimos en la primera película fuera no sólo mayor sino mejor en la segunda”, explica el director Shawn Levy, que repite en el puesto. “Queríamos que la odisea de Larry resultara aún más cautivadora, que le ayudase a encontrar el camino que le devolviera a lo mejor de su personalidad, de lo que tuvo un atisbo en Noche en el Museo. Ben Stiller y yo siempre estuvimos de acuerdo en que no habría más entregas de este relato a no ser que tuviéramos un excelente nuevo argumento –de modo que cuando surgió la idea de trasladar a Larry y a sus amigos al Smithsonian, sabíamos que habíamos dado con lo que queríamos. La idea no podía habernos entusiasmado más”.

El Smithsonian incrementó la escala de la producción, siendo la suya propia tan maravillosamente enorme. Considerado un faro de la cultura, la educación y la exploración en todo el mundo, el Smithsonian fue fundado en 1846 con un misterioso legado de medio millón de dólares donados por el científico británico James Smithson, quien, aunque nunca pisó los Estados Unidos, quiso que el país dispusiera de un lugar especial dedicado al “aumento y la difusión del conocimiento”. Más de ciento cincuenta años después, la Institución Smithsonian es uno de los ejes de nuestra capital nacional, el complejo museístico más grande del planeta y un depósito de todo: huesos antiguos, documentos históricos fundamentales de los EE.UU. y artefactos culturales como la silla de Archie Bunker. Cada año, unos veinticinco millones de visitantes se sienten deslumbrados y entusiasmados por todo cuanto se encuentra en su interior, desde los imponentes cuadros de la Galería Nacional a los aviones clásicos del Museo Nacional del Aire y el Espacio.

Para los realizadores, la misma idea de utilizar el Smithsonian no sólo como telón de fondo sino también como el mismo núcleo de una gran aventura cómica, fue como soltar en una pastelería a un grupo de niños con un hambre canina. Reavivó la pasión colectiva de todo el equipo original, incluidos los guionistas Thomas Lennon y Robert Ben Garant, que adaptaron una obra favorita de la literatura infantil, original de Milan Trenc, infundiéndole su propio y brioso sentido del humor para crear la primera Noche en el Museo.

Por lo que respectaba a Lennon y Garant, cuanto más grande fuera el museo, mayores serían las oportunidades de que se produjeran encuentros mágicos y combates sorpresa, y de que la narración resultara irresistible. “A diferencia del Museo de Historia Natural, todo el cual está bajo el mismo techo, el Smithsonian se extiende a lo largo del todo el Bulevar Nacional”, reflexiona Garant. “Nos enfrentamos al extraordinario reto de resolver el problema de cómo contar una historia que se desarrollara en todo el complejo sin que resultase una persecución sin pausa”.

Al cabo, la pareja de guionistas limitó el grueso de la acción del relato a unas pocas de las zonas más atrayentes del complejo museístico del Smithsonian: El Museo del Aire y del Espacio (el más visitado del mundo), el Castillo Smithsonian y el Monumento a Lincoln.

Pero, ¿qué es lo que podría hacer que Larry, neoyorquino hasta la médula, viajase hasta el Distrito de Columbia? La última vez que Lennon y Garant habían visto a Larry, éste se hallaba satisfecho de haber logrado, por fin, ser algo importante en la vida –un guarda nocturno con un conocimiento del Museo de Historia Natural que superaba cuanto cualquiera pudiese imaginar. Pero cuando se plantearon qué podría haberle ocurrido desde entonces, imaginaron que habría aspirado a lograr un éxito mayor. Larry, que es el inventor que está detrás de Daley Devices, se encuentra ahora más perdido que nunca, habiendo buscado fama y dinero a la vez que habiendo dejado atrás la amistad, la diversión y una meta en la vida. Del mismo modo, las piezas que abandonó en el museo también han sufrido un revés en su fortuna. Anteriormente adorados por niños de todo el mundo, han caído en desgracia en esta época de hologramas de alta tecnología, y, según descubre Larry, ahora están encajonados para ser enviados y almacenados en los recovecos más hondos de los depósitos del Smithsonian.

Esta situación fue el punto de partida del argumento. A continuación, los dos escribidores dejaron que el mismo Smithsonian, por el que vagaron día tras día, sala tras sala, como turistas obsesionados con los detalles, fuera el inspirador de la acción. Lennon observa que “cuando escribimos Noche en el Museo, todo en lo que pensábamos era en escribir una película divertida y rebosante de acción que gustase a todo el mundo. Ése fue precisamente nuestro enfoque sobre cómo utilizar el Smithsonian como escenario”.

Algunos de los temas más populares del Smithsonian despertaron la imaginación de los autores, llevándolos en una dirección completamente nueva. El tributo que el Museo del Aire y del Espacio rinde a la aventurera aviadora Amelia Earhart, y el avión Lockheed Vega de color rojo cereza (en el que atravesó el Atlántico rompiendo records) transportaron a los guionistas –y posteriormente a Larry- a un idilio imprevisto. Cuando la estatua de Amelia cobra vida, se convierte no sólo en la espabilada compañera de Larry sino también en el inesperado complemento romántico que le permite volver a apreciar el lado divertido de las cosas. “Desde el mismo momento en que vimos la exhibición de Amelia Earhart en el Museo del Aire y el Espacio, supimos que sería el personaje femenino que ayudaría a Larry a reencontrar su rumbo, literal y metafóricamente”, afirma Lennon.

Garant y Lennon se divirtieron de lo lindo con las arrolladoras bromas de Amelia, marcadas por una añeja afición a expresiones con chispa, salpicadas de expresiones como “soberbio”, “zarandajas” y “date el bote”. “Imaginamos que hablaría de forma parecida a la de Katharine Hepburn en una película de Howard Hawks”, explica Garant. “Fue muy divertido escribir diálogos de esa clase sacados de las grandes películas de la época”.

Amelia se convierte en seguida en el eje del relato, causando, en una única e inolvidable noche, un gran impacto en la futura dirección de la vida de Larry, aunque, por desgracia, la noche que tanto los aproxima no puede durar eternamente. El director/productor Shawn Levy observa: “Al desarrollar el nuevo argumento, creo que sacamos muchos de los rasgos que le encantaron al público en la primera película- es divertida, afectuosa y llena de espectáculo. Pero no nos detuvimos en ello, sino que buscamos algo nuevo. Esta vez no se trata sólo de un individuo que huye de las piezas que han cobrado vida. Es algo emocionalmente más interesante porque la historia de amor de Larry y Amelia se convierte en el núcleo de la película. Nuestro objetivo era que la secuela fuese más pasmosa y aventurera, pero también ahondar en los temas y las relaciones, y este guión lo consigue. Amelia es una auténtica fiera y ella y Larry viven un idilio tan maravilloso como agridulce porque saben que, al llegar el día, ella volverá a ser de cera”.

No menos divertida para los realizadores fue la oportunidad de reunir a algunas de las mentes más grandes y a varios de los aventureros más valientes. “Es asombroso lograr que los Aviadores de Tuskegee, de tanta importancia en la historia norteamericana, tengan la ocasión de agradecer a Amelia Earhart que despejara el camino permitiendo derribar las barreras de los prejuicios en la aviación”, afirma Levy. “Estas conversaciones nunca habrían tenido lugar en la vida real pero encierran grandes posibilidades cómicas amén de un poco de inspiración histórica”.

Larry necesita sin duda un socio que tenga un cierto dominio de la navegación cuando se encuentra en un mundo en el que cualquier cosa –y cualquiera- puede cobrar vida, y lo hace, cada vez que dobla una esquina. Claro que Larry ha visto andar a las estatuas y moverse a los modelos, pero nunca se ha encontrado dentro de la acción de algunos de los cuadros y fotografías más famosos del mundo. “El nuevo elemento, consistente en que el arte cobre vida en la galería, fue especialmente emocionante para mí como aficionado al arte”, asegura Levy. “Tenemos todo; desde el paisaje de tierras de labranza propio del Gótico Norteamericano, los ‘Halcones de la Noche’ de Edward Hopper, y la foto del Día de la Victoria sobre el Japón de [Alfred] Eisenstaedt. Fue emocionante abandonar el mundo real y adentrarse en estos mundos virtuales, en el interior de algunas de mis obras de arte favoritas. También hacemos que adquieran vida esculturas famosas, como ‘El Pensador’ de Rodin, una bailarina de Degas y otras muchas criaturas, incluido un enorme cefalópodo”.

Estimulados por las nuevas piezas de Washington, conocemos a muchos personajes nuevos, a los que se incorporan nuestros favoritos de la primera película, en su ‘Batalla por el Smithsonian’. Destaca entre todos el villano más nefando con el que Larry se ha tropezado en su vida: el faraón egipcio revivido Kahmunrah (Hank Azaria), el hermano más pequeño, y más mezquino, del Ahkmenrah de la primera película. El diabólico faraón pretende convertir el Smithsonian en el lugar en el que su Ejército del Mundo de los Muertos se apodere del mundo, reclutando a su propio y plurigeneracional “eje del mal” para que ponga sitio al museo. Los malhechores cuyo concurso obtiene incluyen a Iván el Terrible, el tristemente célebre zar ruso que se cree terriblemente incomprendido; el genio militar francés Napoleón Bonaparte, que sigue padeciendo por culpa de una ligera cuestión de altura; y un juvenil gángster americano con gran inclinación a darle gusto al gatillo, llamado Al Capone.

Otra reciente incorporación que desempeña un papel clave es el general Custer, el malhadado jefe militar de la Guerra del Secesión. Derrotado en la batalla de Little Big Horn, aparentemente ha sido víctima desde entonces de su escasa autoestima. “Elegimos a Custer porque sabíamos que queríamos contar con el anti-Teddy Roosevelt”, afirma Lennon, “alguien que dio unos malísimos consejos y que, a pesar de sus excelentes intenciones, ¡no ayudó lo más mínimo!”

Pudiendo jugar con tan carismáticos hombres de acción y con las salas del Smithsonian, Garant, Lennon y Levy se sintieron libres para imaginar números más alocados y audaces. “Con todas las ideas que salen del Smithsonian, no es posible conseguir una diversión mucho mayor”, asegura Levy. “Tenemos el Museo del Aire y del Espacio, en el que cada aeroplano, cada modelo y cada cohete cobra vida y quiere salir pitando del museo. Tenemos una secuencia de persecución dentro de una fotografía. Tenemos una escena en la que Amelia Earhart roba el aeroplano de los hermanos Wright, se escapa del Museo del Aire y del Espacio y realiza un aterrizaje forzoso en el Castillo Smithsonian. Y luego, tenemos la batalla campal, que es el combate culminante por el Smithsonian, en el que todos los personajes que conocemos y a los que adoramos –nuestro ejército de los buenos, formado por Larry, Amelia, Atila, el rey de los hunos, Sacajawea, el Pensador, Venus, el general Custer y los aviadores de Tuskegee- se enfrentan a Kahmunrah, Iván, Napoleón, Capone y el ejército de los desalmados en una épica batalla decisiva”.

Levy concluye con estas palabras: “Este era el tipo de argumento que tanto Ben como yo teníamos en mente cuando hablábamos de a dónde iríamos después con Larry Daley. Estaba lleno de comedia inteligente y perspicaz; de acción escandalosa y de mucho corazón –y luego conseguimos a un excepcional reparto que estuviera a la altura. Desde el primer día, a Ben y a mí nos unía la misma ansia devoradora de unir a los mejores actores y a los mejores técnicos para contar el relato. Si además de Ben uno cuenta no sólo con Amy Adams sino también con gente como Owen Wilson, Robin Williams, Hank Azaria, Christopher Guest, Bill Hader y Ricky Gervais, -todos ellos brillantes improvisadores, excelentes escritores cómicos por méritos propios, todos los cuales saben cómo adentrarse en lo desconocido de forma sorprendente- la calidad artística del elenco que se pone delante de la cámara es tan grande como la creatividad que impera en el equipo técnico, y eso es lo que convierte a esta película en algo tan especial”.

2. Los personajes

En la primera Noche en el Museo, Ben Stiller daba vida a un guarda cuyo nuevo empleo en el Museo de Historia Natural le fuerza a descubrir sus verdaderas posibilidades cuando trata de sobrevivir a una noche en la que cada pieza del museo cobra vida. . . y quiere cobrarlo a él como pieza. En NOCHE EN EL MUSEO 2 encontramos a Larry en una situación completamente nueva. Ha alcanzado el éxito. Como inventor de material para publirreportajes, ha logrado la fortuna e incluso su pizca de fama, aunque parece haber perdido algo esencial que no es del todo capaz de señalar. Mas tan pronto como se ve envuelto en esta nueva aventura en el Smithsonian, que le cambiará la vida, recuerda la importancia de la amistad y cuán maravilloso puede ser seguir las ideas más descabelladas. Shawn Levy sabía que la credibilidad de la segunda aventura de Larry dependería nuevamente de Stiller. Después de haber dirigido e interpretado una de los éxitos cómicos para menores acompañados más aclamadas de 2008, Tropic Thunder: Una Guerra Muy Perra, a Stiller le entusiasmó regresar al mundo, más inocente, del museo. “A Ben y a mí nos arrojaron a la primera película cuando apenas nos conocíamos”, dice Shawn Levy, “pero ahora nos sentimos muy cómodos y confiados –lo que nos da más libertad. Teníamos la sensación de que nos estábamos metiendo en algo todavía mayor para los dos. Y Ben tiene una mente cómica brillantemente rápida que uno sabe que va a crear todo tipo de momentos impagables”. Para Stiller, la oportunidad de volver a encarnar el papel de Larry dentro del Smithsonian era una fantasía infantil hecha realidad. “El Smithsonian fue siempre mi museo favorito”, asegura. “Siempre recordaré las veces que lo visitaba siendo niño porque allí tenían al U.S.S. Enterprise, la nave de Star Trek”. Pero en esta ocasión Larry encuentra que las posibilidades de éxito son menores, cuando tiene que combatir para liberar a sus amigos de los peligros de un antiquísimo mal. “Esta vez, a Larry no le sorprende que las piezas cobren vida porque sabe qué es lo que hay que esperar”, observa Stiller. “Luego ya conoce la forma de enfrentarse a estos extraños personajes y criaturas que surgen de la nada”.

En la nueva aventura de Larry había otro gran atractivo para Stiller: una relación amorosa con una de las mujeres más atractivas y misteriosas de la historia, Amelia Earhart. “La primera película resultaba un tanto solitaria porque era Larry enfrentado a las piezas del museo”, dice Stiller. “Pero ahora Larry tiene alguien con quien recorrer el Smithsonian y eso resultaba mucho más divertido”.

Lo único que Stiller no deseaba era reunirse con los monos capuchinos que resultaron tan molestos –y que pusieron en peligro su nariz- en la primera película. “Los monos han vuelto pero eso ni siquiera me medio entusiasmaba porque guardo memorias traumáticas de la primera experiencia”, bromea Stiller. “Pero supongo que es parecido a dar a luz en el sentido de que, como la parturienta, uno se olvida del dolor y vuelve a repetirlo. He de decir que Crystal es un verdadero profesional pero no sabe cómo ‘fingir’ un puñetazo”.

Lo que realmente movió a Stiller a repetir la experiencia fue el espíritu de la empresa en su conjunto –y la inspiración que podría salir de ella. “Para mí, fue una grata noticia saber que la primera película despertó en más gente las ganas de acudir a los museos. Es muy agradable oír que los niños se emocionan con los museos en una época en la que hay tantas otras distracciones”, asegura.

Pocas mujeres simbolizan el espíritu de aventura sin límites mejor que Amelia Earhart, la pionera de la aviación que cambió la historia son sus vuelos en solitario que destrozaron estereotipos y afectaron a generaciones enteras de mujeres. Tan famosa por su cacumen, su ingenio y su feroz independencia como lo fue por su temeraria habilidad a los mandos, Amelia llegó a ser conocida como “Lady Lindy” después de convertirse en la primera mujer piloto que cruzó el Atlántico. Se hallaba en la cumbre de su popularidad cuando desapareció sobre el Pacífico en 1937 –pero ha continuado siendo una heroína adorada en todo el mundo. . . y dentro del Smithsonian.

Amelia llegará a significar aún más para Larry cuando aterriza por sorpresa en su corazón durante su asombrosa noche en el Smithsonian. Para encarnar a Amelia por todo lo alto, Shawn Levy sabía que necesitaba una actriz con una dotación extra de carisma y clase, algo que encontró de sobra en Amy Adams, la joven y popular estrella que recibió su segunda candidatura a un Premio de la Academia® por La Duda, de John Patrick Shanley.

“Amy aporta mucho ingenio y un verdadero sentido vital al papel de Amelia Earhart”, dice Levy. “Es uno de los personajes femeninos más impasibles y fuertes que he visto en una película desde hace muchísimo tiempo”. A lo que Ben Stiller añade: “También aporta a la película gran hermosura”.

Dicho lisa y llanamente, Adams no pudo resistir la oportunidad de recrear alegremente a tan histórica heroína. “Amelia Earhart es una verdadera inspiración por su audacia y su fortaleza. Es el complemento ideal para Larry, porque le obliga a recordar quién es verdaderamente, a ver qué es lo realmente importante para él y a no dejar nunca que las oportunidades pasen de largo”, explica. “Me encantó investigar el personaje de Amelia, ¡pero esto no es en absoluto una película biográfica! Yo interpreto a una especie de versión emperejilada de Amelia, haciendo hincapié en sus cualidades más en onda”.

Prosigue la actriz: “La mayoría de las personas recuerdan a Amelia como la aviadora que desapareció trágicamente sobre el Pacífico, pero ella es mucho más. En una época en la que la gente necesitaba algo en lo que creer, se convirtió en la esperanza de la nación. Representaba un formidable optimismo y de esa forma tuvo un gran efecto sobre la gente –y ahora repite actuación con Larry”.

En efecto, Amelia implora constantemente a Larry que encuentre su arranque. ¿Y qué es ese misterioso arranque? Adams lo define como “el valor de ir hacia adelante con total convicción –pase lo que pase”.

Entretanto, Amelia tiene sus propios motivos para querer formar parte de la peligrosa misión de Larry para liberar a sus amigos del museo. “Quiere aprovechar la oportunidad de correr una aventura y vivir al máximo esta única noche de que dispone”, explica Adams.

Aun así, Adams tuvo que armarse de valor para las escenas en las que Amelia hace lo que mejor sabe hacer –salir volando en aviones clásicos del Museo del Aire y del Espacio. “Resulta irónico pero tengo miedo a volar”, dice Adams riéndose. “Pero me divertí mucho en la escena en la que tenemos que andar por el ala de la Máquina Voladora de los hermanos Wright. Quizá no sea físicamente tan audaz como Amelia Earhart pero tampoco me da miedo correr riesgos en la vida”.

Al igual que Amelia Earhart aprovecha hasta el último minuto de emoción y euforia de su única noche de vida, Adams sacó el máximo partido de lo que asegura que fue una producción extremadamente alegre. “En esta película me desmadré como nunca”, afirma. “Moví el esqueleto a lo loco, bailé con una bailarina de Degas, tuve que imaginarme a Abraham Lincoln vuelto a la vida. Tuve que trabajar con un increíble reparto. No podía haber sido más fantástico”.

El gran follón del Smithsonian comienza cuando el pergamino mágico que devuelve la vida a las piezas del museo despierta a Kahmunrah, el arrogante, engreído y amargado hermano de Akhmenrah, el faraón del que Larry se hizo amigo en el Museo de Historia Natural de Nueva York. Después de un sueño de tres mil años, Kahmunrah, al que no le llegan las vendas al cuerpo, se dispone ahora a hacer realidad el sueño que acarició durante tanto tiempo: abrir las Puertas del Mundo de los Muertos y dar rienda suelta a los ejércitos que en él se hallan –incluso si tiene que hacerlo luciendo lo que algún ignorante considera… una falda.

Para encarnar a Kahmunrah, Shawn Levy eligió Hank Azaria, el galardonado actor cuyo extraordinario talento le permite transformarse en un amplio elenco de personajes en el teatro, la televisión y el cine, así como interpretar un divertido repertorio de voces para éxitos del género de animación como Los Simpson. Esta película es la cuarta ocasión en la que Azaria ha compartido cartel con Ben Stiller, después de haber intervenido a su lado en Y Entonces Llegó Ella, Cuestión de Pelotas y Hombres Misteriosos. Esto es lo que Stiller opina de la elección: “Hank es básicamente capaz de hacer cualquier cosa con las voces y las caracterizaciones; y con Kahmunrah, halló el equilibrio perfecto entre interpretar a un perverso villano y ser, además, francamente divertido”.

Azaria describe resumidamente a su personaje como “el tío al que uno no quisiera haber despertado jamás, un infame medio fósil decidido a dominar el mundo. Le negaron el trono y, ahora, nada podría alegrarle más que tener una segunda oportunidad para intimidar a todos porque las cosas no le fueron muy bien en su vida anterior”.

Prosigue: “Es muy divertido interpretarlo por ser tan malo y tan perverso, y porque se pasa el día haciendo declaraciones solemnes. Habla de forma parecida a la de Boris Karloff, se esfuerza horrores para meter miedo pero en el mundo moderno el resultado es más parecido a algo cómico. El truco consistía en ser a la vez amenazante y ridículo”.

Engalanado con un espléndido conjunto de “rey del mundo”, que incluía una enorme prenda de cabeza que casi hizo caer a Azaria, una enjoyada gola y la infame túnica de Kahmunrah (¡que no es una falda!), Azaria disfrutó tratando de mantener fuera de su camino al Larry Daley interpretado por Ben Stiller. “Yo trataba realmente de hacer reír a Ben durante las tomas”, explica Azaria, “porque sabía que podía llegar a él; lo estaba haciendo bastante bien. Ben es un tipo divertidísimo y parte del gran encanto que tiene esta película consiste en verle reaccionar a medida que estas figuras históricas cobran vida de formas tan desternillantes”.

En su intento por hacerse con el control del Smithsonian y, al cabo, con el de todo el mundo libre, Kahmunrah recluta a un trío de elementos aterradores sacados de las piezas del museo –a saber, Iván el Terrible, Napoleón Bonaparte y Al Capone. Por problemáticos que estos tres hombres hubieran resultado para el mundo, Shawn Levy quería devolverlos a la vida haciendo un hincapié más cómico sobre sus defectos y flaquezas, y así fue cómo dio los papeles a tres cómicos de gran talento. Estos personajes pudieron haber representado en el pasado la maldad sin paliativos, pero después de haber estado años inmóviles como estatuas, cuadros y fotografías, su crueldad está un poco oxidada.

Christopher Guest se encarga de Iván el Terrible, quien jura que su nombre ha sido malinterpretado. El antiguo componente del reparto de “Saturday Night Live” y estrella de This is Spinal Tap, ha llegado a ser conocido como el maestro de lo que se ha denominado “burlomental”, o documental satírico, después de haber escrito, dirigido y protagonizado comedias tan aplaudidas como El Experto, Best in Show, Un Poderoso Viento y For Your Consideration. Ha dado vida a toda clase de personajes fuera de lo común, pero sin duda a nadie como Iván, al que molesta su fama de tirano.

“Era un tipo verdaderamente desagradable”, observa Guest, “aunque yo lo interpreto cómicamente, como un ruso descomunal y psicóticamente trastornado que le grita a la gente. Es distinto a cualquier papel que haya interpretado antes, pero eso es lo que resultaba tan divertido: formar este cuarteto de megalómanos con Capone, Napoleón y Kahmunrah”.

Hank Azaria asegura que, para provocar una carcajada, Guest era casi infalible. “Su acento resulta en cierta medida muy preciso, extremadamente aterrador y casi totalmente ridículo al mismo tiempo”, dice Azaria. “He echado a perder muchas tomas riéndome con él”.

De dar vida a una versión igualmente cómica del supuestamente canijo Napoleón se encarga el recién llegado a Hollywood Alain Chabat, una de las estrellas cómicas más aclamadas de Francia y apreciado guionista, director y productor en su tierra natal. “Alain es una gran estrella en Francia pero llegó a Los Ángeles y luchó en serio por conseguir el papel”, recuerda Levy. “Era una gran oportunidad hacer que a Napoleón lo interpretara un verdadero francés”.

Chabat logró su objetivo burlándose de su legendario compatriota, que, como emperador de los franceses, tenía tan gran complejo de inferioridad que se transformó en uno de los conquistadores europeos más hambrientos de poder. “Interpreto a Napoleón como a un hombre bajito, de muy mal genio y muy gritón”, dice Chabat, riéndose, “con un enorme tricornio y algunos problemas de altura. Básicamente, a estos tres malvados les sobra ego y tienen postura por arrobas”.

Chabat se admiraba al ver cómo la producción iba desarrollándose. “El guión era increíble; son tantas las cosas que suceden en cada hoja, con una escena divertida detrás de otra”, afirma. “Después, ver cómo iba creciendo la película cuando comenzamos el rodaje fue asombroso. Con estos enormes decorados, con personajes fantásticos y con grandes actores cómicos, seguido todo ello de efectos especiales –como ustedes dicen, todo un tinglado de primera. Shawn Levy tenía un asombrosa energía y continuamente nuevas ideas. Es un hombre fabuloso, ¡pero no creo que haya dormido jamás!”

Completando el trío tenemos a Jon Bernthal, una joven estrella en rápido ascenso que debe su fama a la comedia de situación, candidata al Emmy®, “The Class”. En el infame papel de Al Capone, el jefe del hampa de Chicago, Bernthal sale de una fotografía soltando más bravatas y usando un lenguaje más cáustico que los que es capaz de mantener.
“A Ben y a mí nos encantó la prueba de Jon”, asegura Levy. “Tiene muy buenas vibraciones, un rostro excelente y mezcla en la justa medida la agresividad y la comedia”.

Aunque ha habido muchos retratos cinematográficos del icónico Capone, Bernthal se vio a sí mismo como empezando de cero. “Ésta es una historia completamente distinta y yo quería de verdad hallar el lado cómico de Al”, explica. “Quise explotar la idea de que Al es extremadamente intenso y se toma demasiado en serio a sí mismo. También, a diferencia de la mayoría de los personajes de la película, Al Capone no es originariamente una estatua ni una escultura del museo, sino una fotografía, por lo que le hice que mantuviera en sus movimientos una cierta pose”.

A Bernthal le agradó especialmente pasar a formar parte de un conjunto de malos redomados. “Lo mejor de participar en esta película fue, sin duda, la gente con la que trabajé”, dice a modo de resumen. “Shawn y Ben son unos artista increíbles. Christopher Guest y Hank Azaria son dos de mis actores favoritos de siempre y Alain Chabat es un genio que yo no conocía. Y luego, además del material realmente divertido, tenemos un argumento que despertaría la imaginación de cualquiera. Para mí, esta película fue un sueño hecho realidad”.

Otro nuevo amigo que hace Larry Daley en el Smithsonian es un hombre que sigue siendo conocido por su mayor fracaso: el General Custer, el jefe militar de la Guerra de Secesión cuya derrota en Little Bighorn pasaría a la historia como la Última Batalla de Custer. Interpretar a Custer como un hombre que trata de recuperar su valor es una tarea que le ha caído en suerte a uno de los mayores talentos cómicos de la actualidad, Bill Hader, destacado miembro del reparto actual de “Saturday Night Live” y estrella de numerosas películas cómicas, entre las que se cuenta la de Ben Stiller Tropic Thunder: Una Guerra Muy Perra.

“Tan pronto como leí el guión supe que quería participar en esta película”, asegura Hader. “Es como la primera película sólo que multiplicada por mil. Es simplemente enorme. Lo divertido de todos estos personajes históricos que cobran vida es que no son simplemente caricaturas –cada uno tiene su propia trayectoria y todos ellos, incluido el General Custer, acaban viendo las cosas de una nueva forma”.

Hader estudió la fascinante vida de Custer –desde su época de cadete en West Point hasta sus escaramuzas con la tribu Lakota- dejando que el personaje evolucionara en una dirección que rebasara su propio tamaño real. “Yo quería cimentarlo en la realidad pero, al mismo tiempo, hacer de él alguien ligero y divertido. No es posible tener ese bigote y no tener ganas de divertirse”, añade. “La verdad es que Custer era un tipo locamente vanidoso. Por lo que tiene sentido que le afectara tanto su derrota. Y lo que es fantástico es que Larry pueda finalmente ayudarle a superarla”.

Uno de los retos a los que hubo de enfrentarse Hader fue el de montar el caballo característico del General Custer. “No me había subido a un caballo desde que tenía once años”, confiesa. “El nombre del caballo, irónicamente, era Ben. La primera vez que nos encontramos, estábamos rodeados de gente caracterizada como hombres de las cavernas, Hunos y Aviadores de Tuskegee, y el caballo no se sentía feliz. Afortunadamente, los encargados del caballo nos ayudaron a los dos a relajarnos”.

Lo mejor de todo para Hader fue la oportunidad de trabajar con tantos grandes de la comedia. “Ver a gente como Hank Azaria y Christopher Guest es el mayor sueño de cualquier fanático de la comedia”, reflexiona.

“Es fantástico volver”, afirma Owen Wilson, una de las muchas estrellas de la Noche en el Museo original que regresa para esta aventura totalmente nueva. Wilson repite el papel de Jedediah, el vaquero en miniatura de la colección del Museo de Historia Natural –actualmente cautivo en el Smithsonian.

Prosigue Wilson: “Todos disfrutamos horrores dando vida a estos maravillosos personajes en la primera película, nos hicimos grandes amigos y fue muy emocionante ver que el público familiar respondiera tan bien. Fue fácil regresar. El argumento es una continuación del camino que emprenden todos los personajes, pero también es una película mucho más grande y permite ver lo que ha progresado Shawn como director”.

El actor también confiesa que siente debilidad por el minivaquero del Salvaje Oeste. “No es más que un pequeño personaje al que apenas puede oírse clamar contra las injusticias del mundo”, comenta Wilson. “Lo grande de todo esto es que uno no puede exagerar cuando da vida a un personaje tan diminuto”.

Intercambiando nuevamente ingeniosas pullas con Wilson encontramos al igualmente diminuto general romano Octavio, interpretado por la estrella de la comedia británica Steve Coogan. “En la primera película, Owen y yo desarrollamos esta especie de píldoras cómicas que nos lanzamos mutuamente, y en esta ocasión llegamos aún más lejos”, observa. “Nuestros personajes también ven unos cuantos momentos más de acción e interpretan su propio y fundamental papel en la batalla contra Kahmunrah. Lo mejor fue que Shawn nos dio a Owen y a mí mucha libertad de acción para improvisar realmente y aportar ideas divertidas”.

En uno de los momentos más espeluznantes que vive Octavio en Washington, se encuentra con una ardilla de la Casa Blanca, que al diminuto hombre le parece un dragón ciclópeo. “¡Lo que Octavio ve en esa ardilla es un enorme y peludo dinosaurio! Pero domina la situación a lo grande”, afirma Coogan.

Otro personaje sin el que, en opinión de Shawn Levy, no podía haber segunda aventura es el propio héroe que inspira a Larry Daley, Teddy Roosevelt, encarnado con su inimitable brío cómico por Robin Williams. En esta ocasión Williams da vida al lenguaraz vigésimo sexto presidente de los Estados Unidos en varias de sus distintas representaciones, desde la estatua de cera de Nueva York hasta un busto de gran tamaño que se encuentra en Washington.

“Volver a encarnar a Teddy es maravilloso”, afirma Williams. “Nunca antes había rodado una segunda parte, por lo que consideré un regalo tener la oportunidad de meterme de nuevo en el personaje de tan notable hombre. Hay algo que transmite poder y que estimula cuando se interpreta a tan dinámico ser humano, que no sólo fue presidente sino también botanista, naturalista, cazador, autor, excelente cocinero, y que, además, según su mujer, besaba francamente bien”.

Prosigue el actor: “Soy un gran aficionado a la historia –y a no repetirla. Me encanta que esta película pueda hacer que los niños pregunten quiénes eran Amelia Earhart o Teddy Roosevelt, y se den cuenta de que no son sólo estatuas, sino que fueron personas reales con personalidades fascinantes”.

El nuevo ambiente también atrajo mucho a Williams. “El Smithsonian es el siguiente escalón en cuanto a grandeza”, afirma. “La idea de que todo lo que aquí se contiene -desde los cuadros de la galería de arte a los aviones del Museo del Aire y del Espacio- cobre vida proporciona un lienzo infinito con el que jugar”.

Mizuo Peck, que regresa en el papel de la guía Shoshone, Sacajawea, asegura que esta vez había una gran diferencia. “En esta ocasión, somos los buenos luchando contra los malos en el Smithsonian”, explica. “Además, esta vez Sacajawea participa en la acción y le mete a alguno en vereda con un arco y una flecha, algo que me hizo disfrutar de veras. Era impresionante tener tantos y tan grandes personajes y actores nuevos”.

De forma parecida, Patrick Gallagher tampoco podía soportar la espera hasta volver a enfundarse el atuendo de Atila, el Rey de los Hunos –por más que se compusiera de unos veinte kilos de piel de yak, cuero y metal. “¡Me divertí tanto la primera vez y me emocionaba tanto volver a hacerlo”!, asegura. “Si aquélla era algo grande, ésta es algo inmenso. Pero para mí es fantástico porque los hunos se convierten en héroes en una de las mayores batallas que se libran en el Smithsonian”.

A Larry Daley le aflige volver a tropezarse con un personaje en especial –su antiguo jefe del museo, el pelmazo meticuloso del doctor McPhee, interpretado como sólo Ricky Gervais, maestro del impertérritamente molesto personaje, puede hacerlo. “El doctor McPhee sigue siendo un hombre felizmente ignorante no sólo de lo que sucede por la noche en el museo sino en todos los apartados de su vida. Carece por completo de sentido del humor, aunque él piensa que lo tiene”, explica Gervais. “Creo que esta vez es todavía más raro, lo que hace que sea muy divertido interpretarlo”.

Y añade el actor: “Lo mejor de ser el doctor McPhee fue tratar de ser tan raro como para comerle la moral a Ben Stiller. Eso fue lo más divertido del mundo. Todo mi objetivo consistía en hacer que Ben dijera: ‘Eso es ridículo’. Pero, naturalmente, en el fondo, el doctor McPhee aprecia a Larry y tiene la sensación de que están empezando a hacerse amigos. Después de todo, Larry es probablemente la única persona que aguanta sus pequeñas manías”.

El mono capuchino Dexter también se reincorpora para atormentar a Larry. El primate brasileño es interpretado otra vez por las simiescas estrellas Squirt y Crystal, a las órdenes de los amaestradores de animales Tom Gunderson y Anthony Suffredini. Levy comenta que sus irracionales actores siguen causando impresión. “Creo que Crystal es la mejor actriz entre las monas de todo el mundo. Interpreta dos papeles: el de Dexter, el mono de Nueva York, y Able, el Mono del Espacio del Smithsonian, ¡lo que hizo que su trabajo fuera tan complicado como el de cualquiera de los que intervienen en la película!”

3. El diseño

Cuando los realizadores tuvieron por primera vez la idea de NOCHE EN EL MUSEO 2, sabían que su primera batalla sería tratar de obtener acceso a un complejo museístico con grandes medidas de seguridad, como parte que es del Capitolio de los EE.UU., por no hablar de un museo que jamás había permitido que las cámaras de cine traspusieran ninguno de sus muchos umbrales. Finalmente, a la producción se le concedió un permiso sin precedentes para rodar escenas en el Smithsonian, pero con una salvedad: tendrían que hacerlo durante las horas de visita porque el Smithsonian no se cierra ni para hombre ni para producción cinematográfica alguna. “Cuando rodábamos allí era básicamente como hacer teatro en directo”, dice Levy, riéndose, “porque Ben tenía que interpretar escenas para la cámara con varios cientos de personas mirándole a escasa distancia”. A lo que Stiller apostilla: “Fue divertidísimo; algo así como hacer un programa en directo en un parque de atracciones”. Estaba muy bien rodar algunas escenas en el Smithsonian, pero para librar devastadoras batallas, hacer estragos en general e incluso hacer volar aviones en las salas del museo, la producción necesitaba un espacio mucho más flexible y mucho menos frágil. Esencialmente, lo que Levy necesitaba era construir réplicas funcionales y completas del Museo del Aire y del Espacio y del Castillo –lugares en cuya creación se ha empleado un siglo- en apenas unos meses. Para hacer frente a esta descomunal tarea, Levy volvió a hacerse con los servicios de Claude Paré, el diseñador de producción que había dado vida tan majestuosamente al Museo de Historia Natural de Nueva York en la primera película. “Claude hizo tantas cosas asombrosas para nuestra primera película que es difícil creer que en ésta lo eleve todo a un nivel superior”, dice Levy. La escala era tan enorme que simplemente encontrar un lugar para construir los decorados era todo un reto. “El primer problema era que necesitábamos un decorado para el Museo del Aire y del Espacio que pudiera albergar los cohetes porque yo estaba seguro de no querer que fueran simplemente creaciones informáticas”, explica Levy. “En un estudio de sonido nos faltaría espacio, por lo que tuvimos que alquilar un astillero en el que se construyen transbordadores, porque era el único lugar suficientemente grande como para que en él tuvieran cabida algunos de los decorados más grandes jamás creados”.

Prosigue: “Dentro, el equipo de Claude lo reconstruyó todo: desde la superficie de nuestro satélite a los vehículos lunares del proyecto Apolo, pasando por el Lockheed Vega de Amelia Earhart y la Máquina Voladora de los hermanos Wright. Todo se construyó a escala y todo es igual que los objetos auténticos, desde el color de la alfombra a los apliques de la luz. Claude recreó el monumento del Bulevar Nacional conocido como el Castillo Smithsonian, que nuestros bribones utilizan como un gótico escondite, y construyó su propia versión del Monumento a Lincoln. Esto era lo más grande que se despacha en el género”.

El elenco se quedó anonadado viendo cuánto se desvivió Paré para conseguir que el fantástico mundo de la película diera una completa sensación de realidad. “Los decorados eran increíbles”, afirma Amy Adams, “tan enormes, tan llenos de detalles y tan a la última. Para los actores, disponer de todo esto para trabajar era sencillamente mágico”. Christopher Guest asegura, en broma: “Ni me di cuenta de que eran decorados sólo para unos días. ¡Pensé que estábamos en un museo!”

Con todo, al principio, hasta Paré se sintió intimidado por la tarea. “Era francamente aterrador captar el ámbito de todo lo que tenía que ser reproducido”, reconoce. “Yo sabía que supondría un reto de proporciones asombrosas”. Paré dio comienzo a su misión haciendo la visita de su vida al museo –pasándose toda una semana entre bastidores en el Smithsonian y tomando extensas notas sobre todo lo que asimiló, dejando, al tiempo, que todo encendiera su imaginación. “Vi la historia del mundo delante de mis ojos”, afirma. “Todas las civilizaciones, las épocas y los artefactos y el cuidado con que todo ello se conserva. Hasta me dejaron entrar en los archivos, donde tienen artefactos que nunca se exhibirán y que ocupan unas estanterías de longitud equivalente a diez campos de fútbol. Vi los trajes y el equipo utilizados por los cosmonautas que viajaron a la Luna. Fue una experiencia pasmosa”.

Desde el principio supo que para su equipo de diseño, la joya sería el Museo del Aire y del Espacio, que se reproduciría, en efecto, en uno de los decorados más grandes jamás construidos: con sus dos pisos, y sus veinticinco metros de altura por más de cien de longitud, copiaba la misma espectacular arquitectura de vidrio y acero del original. Muchas de las piezas que contiene fueron construidas partiendo de cero y basándose en bocetos, pero algunas otras fueron reproducidas con auténticos aviones de época, incluido un reactor de caza F-104 que fue desmantelado para su envío y nuevo montaje en el decorado.

La decoradora de platós Lin Macdonald trabajó en estrecha colaboración con Paré para reconstruir muchos de los históricos aviones. La Máquina Voladora de los hermanos Wright la dejó especialmente impresionada. “Está fabricada por completo de tela y madera muy delgada”, reflexiona. “Es asombrosa pero resulta imposible caminar sobre alas como ésas, por lo que la reconstruimos usando fibra de vidrio y luego la tapizamos para que pareciera de tela. Por debajo era resistente como el acero”.

De forma semejante, el famoso Lockheed Vega rojo de Amelia Earhart asombró a Macdonald por su endeblez. “Estaba fabricado de contrachapado y resulta aterrador pensar que ella cruzó el Atlántico en eso. Trabajamos a base de modelos y fotografías para recrearlo tan parecido al original como fuera posible, dadas las escenas que teníamos que realizar con él”, dice Macdonald. Y Paré añade: “El Vega de Amelia es una pieza magnífica. El tablero de mandos es preciso, la hélice gira de verdad. Pero un detalle que no escapará a los especialistas en aviación es que la puerta se abre del lado contrario; tuvimos que hacerlo para obtener las mejores tomas cuando el avión aterriza en Central Park”.

Dentro de la galería de arte, cuadros y fotografías adquieren vida planteándole más retos a Paré, quien diseñó unos decorados reducidos a lo estrictamente esencial –incluido uno para la icónica fotografía, titulada “El Beso”, de un extático marinero y una deslumbrante enfermera, tomada en 1945 en Times Square por Alfred Eisenstaedt el día de la victoria sobre el Japón. La infografía crearía después un mundo rebosante de celebraciones, bailes alocados y soldados tocando trompetas. “Usando guiones gráficos y animatrónica, y consultando con el equipo de efectos visuales, pudimos determinar exactamente lo que necesitábamos construir y dónde dejar espacio para las cámaras y los raíles de control del movimiento, ya que la mayoría de estas escenas fueron creadas mediante infografía”, explica Paré.

El Castillo era uno de los favoritos de Paré por ser su atmósfera tan intensa. “Queríamos hacer que estos decorados tuvieran un aspecto realmente grandioso, por lo que utilizamos una interpretación más libre de lo que el Castillo del Smithsonian contiene. Jugamos mucho con los acabados, utilizando auténtica pizarra con un vidriado en tono sepia que armonizara con la arquitectura gótica del edificio”, explica.

Por último, al haber destruido los decorados de la primera película, Paré tuvo que volver a empezar desde el principio y reconstruir por completo la sala central de Museo de Historia Natural –volviendo a repetirlo todo. “Aunque teníamos que reconstruirlo por completo, tan pronto como Sacajawea y Teddy Roosevelt y todos los personajes clásicos entraron en el decorado, nos sentimos una vez más como en casa”, observa Paré.

A pesar de todo el esfuerzo que él y su equipo de expertos pusieron en la tarea, Paré no tiene duda alguna de que sus decorados, al igual que el museo, sólo cobran vida cuando está presente la magia adecuada. “Un decorado no es más que una construcción hasta que el reparto se mete en él”, asegura. “Ben Stiller y este asombroso elenco dan vida a todo esto, en parte, gracias a sus actuaciones. Al fin y al cabo, son ellos los que convierten estos decorados en algo real”.

La misión de captar tan enorme escala y la energía cinética de la película, dejando a la vez espacio para que los enormes efectos infográficos se entrelazaran a la perfección, le correspondió al director de fotografía John Schwartzman. Candidato a un Oscar por su trabajo en Seabiscuit: Más Allá de la Leyenda, Schwartzman también afinó sus dotes para la aventura en La Búsqueda: El Diario Secreto, y se entusiasmó al hallar formas de trasladar a la pantalla espacios tan inmensos llenos de tanta acción. “La escala de esta película fue un reto emocionante”, dice. “Y luego tienes que tener en cuenta que estás trabajando con una mezcla de personajes reales y de personajes que van a ser creados digitalmente después, o con actores que van a ser reducidos a la vigésima parte de su tamaño real. Fue un proceso muy interesante y muy divertido”.

La clave era prepararse hasta el último detalle. . . y estar luego listo para que todo sucediera con total espontaneidad, comenta Schwartzman. “La comedia es un género escurridizo y no siempre se puede repetir, por lo que el secreto consiste en mantener las cámaras en movimiento. Cuando los actores son presa de un arrebato, nadie quiere perder ese impulso. Creamos una infraestructura con la que pudiéramos movernos de un sitio a otro muy rápidamente. Mereció la pena con creces”.

Una de las tomas más espectaculares de acción real captadas por Schwartzman es el clímax de la película, cuando el Lockheed Vega de Amelia Earhart realiza un espeluznante aterrizaje en el Central Park de Nueva York –y rueda hasta la misma entrada del Museo de Historia Natural. “Yo quería que la gente supiera que no había ningún truco informático”, dice Shawn Levy. “Transportamos nuestra réplica de tamaño natural del Vega a Nueva York, cerramos la parte oeste de Central Park durante la noche, y el equipo de John lo iluminó todo para crear una increíble imagen que no se puede ver en la vida real. Lo tengo como uno de los momentos de rodaje más mágicos que jamás haya vivido”.

Imagínense viajando a través del tiempo, en lo que dura un parpadeo, desde el Chicago de la ley seca al antiguo Egipto, a la Rusia del siglo XVI y a una nave espacial de la NASA de los años sesenta, y se harán una idea del trabajo a que tuvo que hacer frente la diseñadora de vestuario Marlene Stewart en NOCHE EN EL MUSEO 2. A diferencia de la mayoría de las películas que tienen lugar en un único periodo o, como mucho, en unos pocos, Stewart se enfrentó a un verdadero cuerno de la abundancia que contenía vestidos correspondientes a todo el ámbito de la historia humana. Para Stewart, que es licenciada en Historia, el reto no pudo haber resultado más entretenido.

Habiendo colaborado recientemente con Ben Stiller en el éxito cómico Tropic Thunder: Una Guerra Muy Perra, fue el protagonista quien la recomendó para el puesto. “Estaba realmente deseosa de volver a trabajar con Ben”, recuerda. “Luego, cuando leí el guión, lo vi como una oportunidad de ensueño para hacer algo realmente distinto, una especie de dosis fantástica de prendas históricas más o menos precisas. Me encantó estudiar e investigar los distintos periodos históricos y examinar diversos tejidos de esas épocas –y darle luego nuestro propio toque a las cosas”.

Stewart trabajó con cada actor por separado para fundir también sus ideas sobre el vestuario con la personalidad de cada uno. “Yo considero que mi trabajo no consiste sólo en hacer que el concepto del director y los decorados del diseñador de producción encajen, sino también en hacer lo propio con el enfoque que los actores adoptan respecto de sus personajes”, dice.

Caso práctico: la vestimenta del ficticio faraón Kahmunrah, un ejemplo magníficamente exagerado de los distintos talentos de Stewart. Para ajustar la ropa al cuerpo de Hank Azaria, hizo un escaneado con láser del actor y creó la armadura directamente a la medida, un proceso que duró meses. “Se trata probablemente de mi traje favorito”, afirma. “Hicieron falta muchos elementos reales –las típicas formas faraónicas, la armadura que realmente llevaba durante los ritos ceremoniales de la época, las míticas criaturas egipcias como el dios Horus– y los mezclamos todos creando formas que yo pensé que serían históricas, pero que mantendrían la sofisticación que el público espera de una película contemporánea”, explica Stewart. “Hay mucho detalle y mucho es lo que atrae la vista. En cuanto a la prenda de cabeza, Hank tuvo que ensayar para mantener el equilibrio cuando la llevaba a fin de evitar perderlo y caerse”.

Stewart también disfrutó dando marcha atrás en la historia de los Estados Unidos, especialmente para el atuendo de piloto de Amelia Earhart, con sus clásicos pantalones de montar y forros de piel de oveja, y para las secuencias que se desarrollan dentro de la fotografía que Alfred Eisenstaedt tomó en Times Square el día de la victoria. “Me encanta la ropa de los años treinta y cuarenta”, comenta, “y vaciamos las tiendas de ropa de Los Ángeles hasta hallar algunos auténticos tesoros”.

Para convertir a Christopher Guest en Iván el Terrible, Stewart volvió a seguir el ejemplo que le daba la historia. “Examinamos algunos grabados de libros y algunos cuadros que se realizaron efectivamente en el siglo XIX y utilizamos esa especie de silueta medieval clásica”, explica. “Pero luego confeccionamos abrigos con centenares de diminutas cabezas de clavo, en lo que es una especie de toma de alta costura de Iván el Terrible”.

Quizá el eje del vestuario, asegura Stewart, fuera la pieza que lo provocó todo: el uniforme básico de guarda nocturno de Larry Daley. “Es un traje muy sencillo pero que combina a la perfección con su personaje”, observa Stewart. “Cuando Larry vuelve a ponerse el uniforme, se produce un momento clásico”.

Cuando la lápida mágica del Museo de Historia Natural encuentra el camino que lleva al Smithsonian, sucede algo encantado al mismo tiempo que toda una nueva hueste de piezas cobra vida. Lo que hizo esto posible fue la consumada hechicería visual de un equipo de efectos visuales encabezado por el Supervisor de Efectos Visuales Dan Deleeuw, creador de los efectos informáticos para personajes como el Tiranosaurio de la primera Noche en el Museo, y completado por la galardonada empresa de efectos Rhythm & Hues. Juntos, serían responsables de crear un mundo en el que las estatuas de mármol echan a correr; centenarios aeroplanos de conglomerado se elevan a las alturas, monumentos nacionales hablan y el mundo egipcio de los muertos se abre de golpe en el interior del Castillo del Smithsonian.

A pesar de haber participado en la anterior aventura de Larry Daley, Deleeuw se quedó atónito por el deslumbrante catálogo de efectos que exigiría la segunda. “Mi primera reacción a NOCHE EN EL MUSEO 2 consistió simplemente en preguntarme cuán grande sería la película”, dice. “Luego, me di una vuelta por el Smithsonian que me reveló hasta qué extremo las ideas podrían ser incluso más ilimitadas. Recorriendo el Bulevar Nacional y visitando el Monumento a Lincoln, y sintiendo de verdad la influencia de Lincoln sobre el país, resultó muy emocionante pensar que íbamos a darle vida a todo aquello”.

El supervisor prosigue afirmando que “aparte del mero tamaño de la producción, otra novedad era que el componente fantástico era mayor. No sólo las piezas vuelven a la vida como sucedía en la primera entrega, sino que además las Puertas del Mundo de los Muertos se abren, descubriendo posibilidades de todo tipo para unos efectos de lo más, como guerreros con cabeza de halcón. Creo que lo que verdaderamente diferencia a esta película es la mera diversidad de los efectos que se necesitaron. A una escala superior, tenemos el Monumento a Lincoln, que reconstruimos por entero dentro del ordenador; a una menor, cómo no hablar del pequeño Einstein que realiza movimientos cortos y rápidos con la cabeza, y que es el personajillo más salado y más inteligente que ha existido. Cada reto era tan emocionante e interesante como el siguiente”.

Uno de los efectos más cercanos al corazón del director Shawn Levy y más queridos por él fue darle vida digitalmente al mundo que se oculta en el interior de obras de arte de fama mundial –desde el universo de los cartones de Roy Lichtenstein, hasta la colección de objetos norteamericanos de Edward Hopper. “Shawn es un gran amante del arte y meditó mucho sobre cuáles de las muchas y asombrosas obras utilizaríamos”, precisa Deleeuw. “A continuación, nos dedicamos a desarrollar distintas técnicas infográficas para distintos tipos de soportes artísticos. Para una acuarela, ideamos una técnica; para una pintura al óleo, otra. Estábamos realmente trabajando con pinceladas y poniéndolas en movimiento, tratando de mantener viva en la pantalla la intención del artista. Y eso era muy emocionante; en especial, cuando uno se da cuenta que está exponiendo a personas al influjo de esas grandes obras de arte”.

El desafío era todavía mayor cuando se trataba de las esculturas del “Pensador”, de “Venus” y de la estatura de casi seis metros del presidente Abraham Lincoln que se alza dentro de su Monumento. Todas tenían que saltar de sus pedestales al mundo real. “Lo difícil fue que queríamos que las estatuas parecieran realmente de mármol y bronce pero que, al mismo tiempo, tuvieran un movimiento realista como si estuvieran paseando”, explica Deleeuw. “Como la piedra no se estira como la piel, el problema consistía en hallar un modo de moverse que pareciera natural. Irónicamente, habíamos empleado los últimos diez años de animación infográfica buscando modos de hacer que la piel tuviera menos apariencia pétrea y ahora estábamos dando un giro de 180º, haciendo que la piedra funcionase como piel”.

Una clase distinta de diversión tuvo lugar dentro del Museo del Aire y del Espacio. “Una de las cosas que Shawn quería era que todos los cohetes y aviones sacados de su sueño estuvieran listos para despegar realmente; así que utilizamos verdadero nitrógeno líquido saliendo de los cohetes y lanzallamas para crear éstas”, nos dice Deleeuw. “Luego, cuando llegó el momento de que Larry y Amelia se subieran a la Máquina Voladora de los Hermanos Wright, nos encantó la idea de crear algo muy atrevido y hacer que realizaran unas locas maniobras acrobáticas a través de las salas. Naturalmente, no podíamos rodar esa escena en el auténtico museo por lo que acabamos construyendo miniaturas junto con una animación informatizada del Museo del Aire y del Espacio. En la última secuencia participa el aeroplano de tamaño natural sobre una base en movimiento que simula giros y cabeceos, con miniaturas que creamos y con versiones digitalizadas de Ben Stiller y Amy Adams. Fue una fantástica mezcla de la vieja escuela y de la nueva”.

Rodar alrededor de una falange de personajes que pronto se convertirían en criaturas informatizadas también mantuvo alerta a Levy. “¡En algunos casos, yo dirigía escenas en las que la mitad de lo que debería aparecer en pantalla era invisible!”, explica. “Cuando uno fija un ángulo de cámara o dirige la actuación de un actor, se encuentra en un vacío. Los mayores retos fueron las escenas en las que Larry y Amelia están hablando con Lincoln. Amy y Ben tenían que interpretar una escena de cinco páginas mirando a una pelota de tenis que se sostenía en el aire, y conmigo al micrófono, tratando de acercarme a mi idea de cómo podría sonar la voz de Lincoln. La última batalla fue, probablemente, el quid de todo ello. Teníamos a soldados egipcios con cabezas de halcones, así como a Lincoln, a las esculturas del ‘Pensador’ y ‘Venus’, por no hablar de un calamar gigante. ¡La sala estaba repleta de cosas que no estaban allí!”

KIKA SUPERBRUJA

2009-06-12T09:51:00.000-07:00

SINOPSIS
¡La anciana bruja Surulunda está llegando al límite de su paciencia! Y es que el malvado hechicero Hieronymus ha vuelto a colarse en su idílica casita de bruja para apoderarse de su valioso libro de brujería. Menos mal que el pequeño dragón volador Héctor, algo rechoncho por culpa de su glotonería, está ahí cuando se le necesita.

Surulunda debe ponerse en acción: ha llegado la hora de buscar una sucesora. Héctor también empieza a buscar una guardiana digna del libro de brujería, y aterriza con el libro en la casa de Kika. Cuando Kika descubre el libro de brujería, comienza el caos...

Kika solo consigue hacer hechizos disparatados: primero invoca la presencia de monos en su habitación y los convierte a todos en cabritos, además de inundar de agua su clase. Por eso, Héctor se empeña en explicar a Kika que con esos lamentables hechizos nunca jamás podrá ser la sucesora de Surulunda.

Y mientras Kika intenta convertirse rápidamente en una buena bruja durante su "periodo de prueba", el hechicero Hieronymus, deseoso de conquistar el mundo, vuelve a la carga con su no menos maligno perro faldero Serafim, dispuesto a apoderarse por fin del libro de brujería y dominar el mundo de una vez por todas.
TRAILER OFICIAL

FICHA TECNICA
Fecha Estreno: 12 de Junio de 2009
Género: Comedia
Director: Stefan Ruzowitzky
Guión: Stefan Ruzowitzky

Intérpretes: Alina Freund, Michael Mittermeier, Ingo Naujoks, Anja Kling, Pilar Bardem, Marie-lou Bäumer, Leonard Boes, Yvonne Catterfeld...

Tintín da los primeros pasos hacia la gran pantalla

2009-06-08T09:37:00.000-07:00

(PD)-. Acaba de comenzar el proceso de producción para la adaptación al cine de una de las series más famosas del cómic. El personaje de Hergé cobrará vida en la piel del actor Jamie Bell (Billy Elliot) que se enfrentará el último James Bond, Daniel Craig. La cinta, dirigida por Steven Spielberg apoyado por Peter Jackson (El Señor de los Anillos).

The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn (Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio) será la primera adaptación del cómic de lo que esperan se convierta en una trilogía. Jackson tomará el relevo de Spielberg en la segunda entrega de las historias de Tintín y su nombre suena también para dirigir la tercera parte.

Otra novedad es que será la primera de una serie pensada para ser grabada en 3D. Paramount se encargará de la distribución en los países de habla inglesa (menos India) mientras que Sony Pictures hará lo propio en el territorio continental europeo y América Latina.

Se espera que la película llegue a las carteleras en 2011.

32 CARTELES (POSTERS) DE BATMAN

2009-06-01T00:22:00.001-07:00

en qué parte de “la película de tu vida” estás?

2009-05-10T15:36:00.000-07:00

Una web te propone averiguar en qué parte de “la película de tu vida” estás, y cuanto te quede para llegar al consabido “The End”.

Puedes elegir fecha de nacimiento, la edad que tendrás al morir (basada en un estudio previo automatizado a través de otra web, en la que deberás introducir tus hábitos y costumbres), y después elegir la película de tu vida: ‘La Guerra de las Galaxias’, ‘El Gran Lebowski’, ‘El Mago de Oz’, ‘Todo en un día’, ‘Los Cazafantasmas’, ‘¡Qué bello es vivir!’, ‘2001: un Odisea del Espacio’ o ‘La Princesa Prometida’.

Al hacer el cálcula pulsando el botón “I’m feeling mortal”, automáticamente te lleva al punto de tu vida en el que “estás”, con un fotograma de esa película, una pequeña descripción de la escena, porcentaje de vida “consumido” y tiempo restante para el “Fin”.

¿Curioso, no? Pues el enlace para visitar la web está aquí abajo. Yo ya sé en que parte de ‘¡Qué bello es vivir!’ estoy…
me dice que estoy por aqui http://www.amberdigital.com/where/index.php?bornDate=66610800000¤tDate=1241995033703&age=77.6&movInd=5
Enlace: Where are you in the movie?

CASINO ROYALE

2009-05-10T15:18:00.001-07:00

MI CRITICA

Primero decir que no soy nada entendido en la saga de JAMES BOND, he visto alguna suelta pero no tengo una visión amplia para hacer una crítica general, por lo que será una critica particular.

Me ha encantado, genial genial, empezando por los créditos del principio que me parecen muy originales con la baraja francesa.

Otro capitulo a destacar de la peli es la persecución de Bond por toda la obra tras el malo, con mucha, mucha acción con escenas alucinantes escalando por la grúa (otra cosa original que se sale de lo normal en las pelis de acción).

Muchas escenas de barajas, partidas y poker pero que no se te hacen pesadas, lo dicho recomendable para pasar el rato.

NOTAS DE LA PELI

Casino Royale es la vigésima-primera película de 007, estrenada en noviembre de 2006. Daniel Craig es James Bond relevando a Pierce Brosnanen el papel.

Casino Royale es un reinicio a la serie de James Bond, y trata sobre la primera misión de James Bond como agente doble cero. Este filme fue dirigido por Martin Campbell (quien dirigió "GoldenEye") y volvió Judi Dench en el rol de M.

La película marca la tercera adaptación para la pantalla de la primera obra Bond escrita por Ian Fleming. De todas maneras la versión presente es la única adaptación "oficial" reconocida en la franquicia EON Producciones.

SINOPSIS

La película comienza en Praga donde James Bond es recién ascendido al estatus de agente 007 al haber asesinado a dos personas, aunque todavía no perfecciona su técnica, cosa que demuestra cuando mata a un fabricante de bombas en una embajada en Madagascar después de una persecución olímpica.

La escena inicial es una gran demostración de acción y de Parkour por uno de sus creadores, Sebastien Foucan. Después de este incidente, Mse arrepiente de haberlo ascendido debido a su comportamiento impulsivo en la embajada al decir que violó la única e inviolable norma. M lo comienza a buscar; Bond se esconde, pero continúa investigando la relación con el fabricante de armas. La encuentra al penetrar clandestinamente a la casa de M y espiar su ordenador descubre que pasa que relación tenía el fabricante de bombas al que asesino ,mientras busca en el ordenador de M esta la pilla fisgando. Bond tiene un diálogo interesante con ella. Bond Se va a las Bahamas, aparentemente de vacaciones, donde buscará a la última persona que marcó el celular del traficante de bombas a través de una identificación llamada ELLIPSIS, llamado Dimitrios, que al parecer está relacionado con el fabricante de bombas que asesinó, y a su bellísima esposa, Solange, con quien tiene una aventura.
Se encuentra por primera vez con Dimitrios en el casino del Oceans Club de las Bahamas jugando al poker donde Dimitrios desesperado se juega todo el dinero que tiene (en fichas) y lasd llaves del coche. Al principio no le dejan que apueste el coche pero el mismo Dimitrios dice que está en la mesa y James Bond dice que haga lo que quiera. Dimitrios posee dos reyes los cuales uno que está en la mesa sumando estos tres Dimitrios consigue un trío de reyes. Pero Bond logra con dos ases un trío de ases.(El juego de poker es el abierto a 7 cartas).

Bond se queda con el Aston Martin de Dimitrios y pasa enfrente de Solange, la mujer de Dimitrios, Bond la lleva hasta su habitación del hotel donde tiene una relacón sexual hasta que a Bond lo llaman.

Posteriormente, Bond sigue a Dimitrios hasta Miami, donde lo mata y frustra un atentado terrorista que consistía en destruir el prototipo del avión más grande del mundo, asesinando al terrorista con su propia bomba en escalofriantes escenas de acción. El triunfo de Bond provoca grandes pérdidas de dinero al banquero del terrorismo Le Chiffre (Mads Mikkelsen), subordinado de Mr. White. Al ver en peligro su existencia por la pérdida del dinero, Le Chiffre organiza una partida de poker en el Casino Royale de Montenegro con el propósito de recuperar los fondos perdidos.

Más adelante, M le dice a Bond que debe dejar sin fondos Le Chiffre. Para esto ha de asistir a la partida organizada por éste y derrotarlo. Bond estará acompañado por Rene Mathisagente del gobierno frances, y la hermosa e inteligente tesorera Vesper Lynd, quien le surtirá con fondos gubernamentales para jugar (diez millones de dólares inicialmente, y si considera prudente, cinco millones más después). Bond pierde el dinero inicial y Vesper se niega a darle los otros cinco, pero Felix Leiter agente de la CIA se presenta con él y lo financia para que siga en el juego.

Bond logra derrotar a Le Chiffre, y después va a cenar con Vesper. Durante la cena le llega un mensaje a Vesper, supuestamente del agente Mathis, así que sale del hotel, pero es secuestrada por Le Chiffre. Bond va a perseguirlos, pero de repente encuentra a Vesper en medio del camino como una carnada viviente, por lo que da un volantazo que provoca la destrucción de su auto, lo que permite que sea capturado también por Le Chiffre, quien le revela que Mathis es un contraespia. Es torturado brutalmente por Le Chiffre, quien quiere el dinero, pero es interrumpido por Mr. White, que lo asesina al darse cuenta de que no es un agente confiable.

James Bond despierta en un hospital junto a Vesper, los dos van a Venecia donde viven un apasionado romance, Bond se enamora de ella y aparentemente es completamente correspondido y Bond escribe una carta de renuncia a M. Cuando Bond va por provisiones mientras Vesper supuestamente se dirige al banco, recibe una llamada de M para preguntarle cuándo depositará el dinero. Entonces busca a Vesper y la ve llevando la maleta del dinero, y la sigue hasta un edificio donde se encuentra con un secuaz de Mr. White -el hombre del parche en el ojo-, a quien le entrega el dinero. Bond desilusionado trata de quitárselo, pero el edificio se desploma en medio de un canal y el secuaz y Vesper mueren ahogados a pesar de los esfuerzos sobrehumanos de Bond por rescatarla, aparentemente Vesper se inmola por Bond.

Mr.White ve la escena y se lleva el dinero. Bond le comunica a M lo que pasó, y se da cuenta de que Vesper le había dejado el número de teléfono celular de Mr. White, por lo que Bond lo busca y la película termina con una escena donde Bond le dispara a Mr. White, siendo la única vez en la que suena el el tema de James Bond. Así como la frase que lo introduce "My name is Bond, James Bond". En este film, Bond muestra sentimientos verdaderos por Vesper y nunca la olvidará a pesar de que la negará en el futuro.

FICHA TECNICA

Dirección: Martin Campbell.
Países: Reino Unido, República Checa, Alemania y USA.
Año: 2006.
Duración: 144 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Daniel Craig (James Bond), Eva Green (Vesper Lynd), Mads Mikkelsen (Le Chiffre), Jeffrey Wright (Felix Leiter), Judi Dench (M), Giancarlo Giannini (Mathis), Caterina Murino (Solange), Simon Abkarian (Dimitrios), Jesper Christensen (Sr. White), Ivana Milicevic (Valenka), Tobias Menzies (Villiers), Sébastien Foucan (Mollaka), Isaach De Bankole (Obanno).
Guión: Neal Purvis, Robert Wade y Paul Haggis; basado en la novela de Ian Fleming.
Producción: Michael G. Wilson y Barbara Broccoli.
Música: David Arnold.
Fotografía: Phil Méheux.
Montaje: Stuart Baird.
Diseño de producción: Peter Lamont.
Vestuario: Lindy Hemming.
Estreno en Reino Unido: 16 Nov. 2006.
Estreno en España: 24 Noviembre 2006.

ENLACES

Archivo 007: Casino Royale
007Spain.com Todo sobre las películas y libros de James Bond.
Imágenes de Casino Royale
Critica en español del film en SSSM
Casino Royale en Internet Movie Database (en inglés)
Trailer de la película (en inglés)
Official Sony Casino Royale Site
Casino Royale (2006) en MySpace
Official Casino Royale Blog
Casino Royale – La nueva película de James Bond
Casino Royale en Rotten Tomatoes (en inglés)
MI6.co.uk site
James Bond hype en SuperHeroHype!

Casino Royale cumple un año[1]
Casino Real se califica muy buena ("Outstanding") según grupo anticrueldad American Humane Association (inglés)

CÓMO SE HIZO "CASINO ROYALE"
Notas de producción © 2006 Sony Pictures

Con su papel principal en CASINO ROYALE, Daniel Craig se une al grupo de élite de actores que se han puesto el esmoquin impecablemente confeccionado del súper espía por excelencia, James Bond. Los productores desde hace muchos años de la franquicia de James Bond, Michael G. Wilson y Barbara Broccoli, lo han descrito como “el actor británico definitivo de su generación”. Craig dice que fue un honor para él que le pidieran interpretar al icónico agente del MI6, pero estaba especialmente atraído por CASINO ROYALE, por la complejidad emocional del guión y el modo en que su personaje evoluciona durante el curso de la película. “En esta película James Bond es un personaje más oscuro, tal y como Ian Fleming lo escribió originalmente”, dice el actor. “Empezamos justo al comienzo de la carrera de Bond, cuando no es tan agradable. Es un solitario, y no le gusta involucrarse con la gente. Aun así, a medida que avanza la película se hace más refinado”.

Mientras llevaban a cabo su exhaustiva búsqueda de un nuevo actor principal para la vigésimo primera entrega de la increíblemente exitosa franquicia, Broccoli y Wilson querían una prueba con garantía por lo que “Cuando hicimos audiciones para el papel de Bond, pedimos a los actores que hicieran la escena de Desde Rusia con Amor, donde Bond conoce a Tatiana Romanova”, dice Wilson. “Esa escena tiene todo lo que quieres saber sobre un Bond potencial —drama, romance y acción”.

Craig pasó la prueba con nota, según Broccoli: "En cuanto lo vimos supimos que Daniel era la elección obvia para James Bond. Es carismático, versátil y sexy. El papel es un gran desafío, pero nos ha demostrado que es un Bond increíble".

Craig, cuyos créditos anteriores en pantalla incluyen Munich, Camino a la Perdición y Lara Croft: Tomb Rider, estaba trabajando en Baltimore cuando recibió la noticia de que había conseguido el codiciado papel. “No había nadie más, así que salí solo a tomar una copa y celebrarlo. Por supuesto, no podía empezar a decirle a la gente del bar que yo era James Bond. Probablemente me hubieran echado o hubieran llamado al hospital para que me recogieran”.

Sin embargo, en cuanto la realidad de la situación se asentó, Craig dice que estaba ansioso por empezar a prepararse para el papel. Conocía los retos físicos que tendría que afrontar, así que el actor se embarcó en un riguroso plan para mejorar su forma física para el rodaje. Ese esfuerzo mereció la pena tan pronto como empezó la producción en el estudio Modrany a las afueras de Praga. La primera escena que rodó fue la estremecedora secuencia de persecución en la que Bond persigue al aspirante a terrorista Mollaka por la Embajada de Nambutu.

“Quería hacer toda la acción que pudiera, para que el público pueda ver que soy yo y que es real", dice Craig. "Creo que me convertí en lo que se podría calificar como un deportista, lo que significaba lesionarse y seguir, recibiendo palizas hasta el siguiente nivel de dolor. Aunque Gary Powell y su equipo de especialistas hicieron un trabajo fantástico cuidando de que todo fuera lo más seguro posible, si no te magullas interpretando a Bond, es que no lo estás haciendo bien”.

“Daniel será una revelación para el público”, predice el director Martin Campbell, que también dirigió a Pierce Brosnan en su debut como Bond en GoldenEye. “Combina la dureza con el encanto y el sentido del humor, y como esta película está, sobre todo, centrada en el personaje, su profundidad y su atractivo encajan perfectamente en el papel. Al mismo tiempo, tiene un gran aspecto físico y ha demostrado ser excelente en las escenas de acción”.

Craig devuelve el cumplido, reconociendo que Campbell ha impulsado al reparto y al equipo e, incluso más importante, traduciendo la electricidad que había en el set de rodaje en entusiasmo en la gran pantalla. “Martin levanta a cualquiera. Obviamente necesitas ese nivel de energía en las secuencias de acción, aunque es igualmente válido en las escenas más tranquilas y dramáticas como el torneo de poker”.

Tras una búsqueda extensiva, los cineastas ofrecieron a la actriz francesa Eva Green el papel de Vesper Lynd, la belleza seductora y enigmática que roba el corazón del aparentemente impermeable, James Bond.

“La relación entre Vesper y Bond es la columna vertebral de la historia, y necesitábamos una actriz que tuviera presencia delante de Bond”, dice Campbell. “No hay duda de que éste es el mejor papel femenino de todos los libros de Fleming, así que hicimos muchísimas pruebas para asegurarnos de que contratábamos a la actriz más idónea. Eva tiene todas las cualidades que buscamos: es una fantástica actriz, es guapísima y tiene un aire de misterio en torno a ella, lo que es esencial para el papel de Vesper. Eva trabajó increíblemente duro para crear este papel y llevarlo a sitios que no había leído en el guión. Ha sido fantástico verla trabajar y ampliar el personaje”.

Green, natural de París, que hizo su debut cinematográfico en el apasionado drama de Bernardo Bertolucci de 2003, Soñadores, explica qué fue lo que le atrajo del papel de Vesper, la primera mujer de la que Bond se enamora y por la que finalmente se siente traicionado: "Es uno de los mejores guiones que he leído en mucho tiempo. Es profundo, con montones de giros y cambios, y la historia de amor me conmovió. Vesper es una persona compleja. Está llena de secretos y creo que por eso Bond se siente atraído —porque no puede ver a través de ella. Es como una esfinge. Tiene muchas capas —es aguda, picante, ágil de mente, pero también vulnerable. Ella y Bond se provocan mutuamente, siempre están bromeando y se comprenden el uno al otro de forma superficial”.

“Vesper no es la clásica chica Bond, que va en bikini, es sexy y dispara armas", continúa Green. "En ella hay mucho más que eso. Es la primera mujer sobre la que escribió Ian Fleming y tiene una gran repercusión en la vida de Bond. Ella es la raíz de todas las mujeres Bond que siguen y explica por qué él se comporta así con esas mujeres".

“Hipnótico y magnético” son las adjetivos que utiliza Green para describir a su compañero de reparto Craig. “Es un caballero y es fuerte, y no es amanerado. Esa rudeza es atractiva, y probablemente bastante peligrosa. Es sexy y no es consciente de ello, lo que es muy importante para un hombre, y tiene sentido del humor —otro añadido. Definitivamente, creo que en pantalla hay química entre nosotros”.

Green también comparte la pantalla con el famoso actor italiano Giancarlo Giannini, que interpreta a Mathis, un operativo entrecano del MI6 destinado en Montenegro. “Giancarlo está loco en el buen sentido, es muy carismático”, observa. “Se toma su trabajo con relajación, y a menudo tenía un destello travieso en los ojos que hacía difícil poner cara seria en nuestras escenas".

Aunque no estuvo implicada en muchas de las elaboradas secuencias de acción de la película, Green aprendió a bucear para la escena final, donde se ve atrapada bajo al agua en un ascensor caído dentro de un palacio veneciano destruido. “Tuve que aprender a controlar la respiración bajo el agua”, dice Green. “Al principio daba miedo, aunque por supuesto es perfectamente seguro porque hay muchísima gente que cuida de ti. Además, soy miope, así que realmente no podía ver lo que estaba pasando. Practiqué en agua clara, pero durante las tomas el agua tenía que estar turbia, como la del Gran Canal. ¡Creo que usaron brócoli para darle el color apropiado!”

Green está llena de elogios por el distintivo enfoque de los productores Broccoli y Wilson sobre cómo hacer la película. “Sienten pasión por hacer películas y harán cualquier cosa para conseguir que funcione. No había visto nunca una implicación tan positiva de los productores. Al principio me ayudaron mucho con el personaje. Me hicieron sentir que formaba parte de esta gran familia. Estar rodeada de gente tranquila te quita la presión y puedes simplemente centrarte en el trabajo que tienes delante".

Green cree que la apasionante línea argumental y el romance de CASINO ROYALE le dan el potencial para atraer al público más allá de la legión de inquebrantables fans de 007. “Por supuesto es una película de acción y un thriller, pero también es una historia de amor, y creo que las mujeres se identificarán con Vesper y se conmoverán con sus problemas. En comparación con otras películas de Bond, es mucho más enérgica y realista y se basa más en los personajes que en la acción. Es un James Bond diferente —crudo y sensible— que la gente verá con otra luz. Ves sus debilidades y ves cómo se convierte en el Bond que crees que conoces”.

El actor danés Mads Mikkelsen estaba encantado de asumir uno de los papeles más despreciables (y valorados) del cine —el malo de Bond. “Me atraen los guiones donde mi personaje puede tener algunos secretos, así que fue perfecto cuando me ofrecieron el papel de Le Chiffre, ‘la cifra’, un hombre sin nombre real. Muchos actores dicen que interpretar al malo es más interesante que interpretar al bueno porque su personaje siempre tiene algún giro. Pero yo creo que cuando interpretas al malo, a veces intentas mostrar su lado bueno, y que cuando interpretas al bueno, intentas mostrar alguna debilidad, para que no tenga sólo una dimensión para el público. Mi malo Bond favorito fue Christopher Walken en Panorama para Matar. Tiene lo que hay que tener para ser un buen malo —tiene algo bueno y algo malo al mismo tiempo".

Mikkelsen prefirió no leer la novela de Ian Fleming antes de que empezara la producción de CASINO ROYALE, y en su lugar eligió desarrollar su personaje exclusivamente a partir del guión y de sus largas conversaciones con el director Martin Campbell. Anota que Le Chiffre no es el típico malo de las películas de Bond: Más que un loco megalómano que quiere conquistar el mundo, Le Chiffre es un cerebro criminal sin moral con sed por la moneda fuerte.

“Vive en el mundo contemporáneo e intenta hacer todo el dinero posible, como todos los demás”, dice Mikkelsen. “Es elegante e inteligente y no presume de sus éxitos. Raramente se ensucia las manos, pero lo hará si tiene que hacerlo. Cuando lo conocemos es rico y tiene éxito, pero Bond le pisa los talones. Y cuando llega la hora de la verdad no muestra sus emociones —es frío como el hielo”.

Para recuperar sus grandes pérdidas en Bolsa, Le Chiffre organiza una partida de poker en Montenegro para grandes jugadores internacionales con 10 millones de dólares de entrada. El actor tomó clases de poker y ensayó los juegos antes de empezar el rodaje para que las actuaciones fueran frescas y para que las manos pudieran jugar y volver a jugar durante varios días. El propio productor Wilson, que se describe a si mismo como “adicto” al poker, supervisó los ensayos.

“La mayoría de nosotros ya sabíamos jugar al poker y, además de ensayar el torneo, jugábamos al poker por diversión”, dice Mikkelsen. “De hecho, a menudo terminábamos jugando en los pasillos de los estudios Barrandov (en Praga) entre escenas”.

Aparentemente, jugar a las cartas delante de la cámara durante tres semanas sólo avivó el apetito de los actores por el juego. Una noche, Mikkelsen y algunos de sus compañeros actores salieron a un casino de Praga —donde pronto se encontraron con Wilson.

Como la mayoría de los jugadores, Le Chiffre tiene un punto débil —un tic involuntario que revela cómo se siente a través de sus manos, explica Mikkelsen. “Tiene una cicatriz en un ojo, y la vena empieza a hincharse cuando se le acelera el ritmo cardiaco, así que la presiona con el dedo con indiferencia para que pare; pero Bond se da cuenta. Tiene que ser todo lo sutil que pueda, por supuesto, o no ganará muchas partidas de poker. Pero Le Chiffre consigue convertir su debilidad en una ventaja”.

La ganadora de un Oscar, Dame Judi Dench, regresa en su quinta película como M, la dura superior de James Bond en el MI6, el Servicio Secreto Británico. “Ahora Judi es una parte fundamental de Bond, es un tesoro nacional”, dice Campbell.

Al contrario que su papeles previos en GoldenEye, El Mañana Nunca Muere, El Mundo Nunca es Suficiente y Muere otro Día, en CASINO ROYALE se nos muestra un destello de la vida en casa de M cuando el desenvuelto y joven James Bond se cuela en su casa para conseguir el acceso a una base de datos secreta usando su ordenador. "Es una pregunta fascinante", dice Campbell, "¿qué clase de casa crees que tiene M? ¿Una vieja casa georgiana en un barrio elegante de Londres? No, esta mujer está llena de sorpresas, así que nos fuimos a un ático moderno en el río en Canary Wharf, en Londres. ¡Y le queda bien!"

Dench está de acuerdo: “Me encanta el piso que Peter Lamont ha diseñado para M. Creo que extrañará a la gente que esperase que tuviera una casa pequeña en Kensington o un apartamento en Covent Garden. Es muy minimalista, de muy buen gusto. Y por supuesto la dirección exacta es un secreto, excepto para mí, ¡y ahora para James Bond!”

Dench, que ha sido nominada a cinco premios de la Academia y recibió el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por su interpretación de la Reina Isabel en Shakespeare in Love, también disfrutó de la oportunidad de sacar a su personaje de los confines del cuartel general del MI6, rodando escenas en los estudios Barrandov en Praga y en localizaciones de las Bahamas. También estaba feliz de que la película se alejase claramente de los aparatitos de espías de alta tecnología: "En esta película no tenía que enredarme con ningún aparato, lo que era fantástico, ¡porque ni siquiera sé manejar una plancha!”

En CASINO ROYALE, M acaba de otorgarle a Bond su condición de 00 y su relación con él todavía está en sus primeras etapas. Cuando recibe una reprimenda del Parlamento por culpa de un tiroteo sangriento en una embajada extranjera, la oficial en jefe de Inteligencia le deja perfectamente claro que espera que Bond se ajuste al protocolo. En lugar de eso, él ignora a su superior y se dirige por su cuenta a las Bahamas para investigar los orígenes de una trama terrorista, lo que enfada todavía más a M.

“Después de eso, se muestra reacia a confiarle la responsabilidad de jugar en la partida de poker, pero parece que no tiene alternativa", dice Dench. "Al final de la película comprendes que Bond ha crecido, y M sabe que está ante algo bueno".

Dench aprueba cálidamente al actor que ha tomado el papel de su inconformista subordinado. “Daniel tiene una presencia maravillosa. Es muy guapo y muy fuerte, aunque al mismo tiempo, no querrías estar en su parte mala. Todas estas características son perfectas para un actor. Parece que está relajado en el papel. Estoy segura de que se ponía nervioso, como lo haría cualquier actor, pero no lo deja ver en el escenario. Tiene un gran sentido del humor y siempre he pensado que un sentido del humor compartido es la primera clave para trabajar bien con un actor. También tiende a la propia desaprobación, lo que resulta muy atractivo”.

La venerable actriz de cine y teatro describe al director Campbell, con el que trabajó por primera vez en GoldenEye, como “un par de manos seguras”. “Hice mi primera película de Bond con Martin, y es fantástico volver a trabajar con él. Es muy entusiasta y conoce las condiciones con las que nos gusta trabajar a los actores. Sabe que cuando haces tomas repetidas, necesitas tener una atmósfera de calma y tranquilidad suspendida, para poder pasar rápido a la siguiente toma mientras todo sigue claro en tu mente. No hay nada peor que un descanso enorme entre tomas, en el que la gente se relaja y da vueltas por ahí. Martin es alentador, amable y nervioso. Y conoce el escenario de Bond muy, muy bien”.

La actriz italiana Caterina Murino casi pierde la oportunidad de interpretar a Solange, la bella aunque infeliz mujer del rudo socio de Le Chiffre, Alex Dimitrios. Estaba rodando en Argentina cuando fue la primera sesión de casting en París, pero tuvo una segunda oportunidad cuando estaba rodando en Roma, donde tuvo lugar otra audición. “El día antes de mi cita me caí de un caballo mientras ensayaba y terminé en el hospital con la espalda lesionada. Fui a la sesión de casting con muchísimos dolores (¡casi no podía andar!). Y luego me preguntaron si podía montar y ¡tuve que responder que me acababa de caer de un caballo!

A pesar del duro comienzo, Murino pronto recibió una llamada en su casa de Sardinia ofreciéndole el papel de Solange. “Estaba rodando ese día, vestida como un soldado, con una barba postiza y un bebé (¡lo contrario a una chica Bond!). Todo el mundo me preguntaba: ‘¿Estás segura de que la llamada era para ti?’”

Aunque CASINO ROYALE es el primer papel en cine de Murino en inglés, la actriz de 29 años aprende idiomas con facilidad. “Aprendí francés en cuatro meses para interpretar a la hermana de Jean Reno en una película francesa, y también rodé en español en Argentina. Pero aunque he trabajado en inglés en un drama para televisión, tuve que practicar el idioma —y montar a caballo— durante un par de meses".

Murino describe a Solange como una mujer muy moderna con poco gusto para los hombres. “Mi marido es Dimitrios, la mano derecha de Le Chiffre. Él es fuerte y rico y malo —una poderosa combinación que atrae a las mujeres. Cuando conoce a Bond, su marido acaba de ser muy grosero con ella frente a todo el casino. Decide divertirse un poco y devolvérsela, así que se va con Bond. No sabe quién es él. Sólo es un chico sexy que la invita a tomar una copa. Tienen un sexo fantástico, y luego él se va. Pero ella termina pagando un alto precio por divertirse".

Sobre el atractivo casi universal de Bond para las mujeres, Murino dice, “Siempre nos enamoramos del hombre imposible, del hombre que tienes una noche y que nunca vuelve. James es duro, peligroso, y elegante. Viaja por todo el mundo, pero nunca da su corazón, sólo su cuerpo. No debes enamorarte de él. Entre Bond y Solange la energía es puramente sexual —pura química”.

“Normalmente no encuentro muy cómodas las escenas de sexo”, añade la actriz. “Pero Daniel y Martin Campbell me lo pusieron muy fácil, y me sentí muy tranquila. Martin tiene mucha energía, y mucha autoridad. Puedes ver que le gusta hacer películas de acción, pero también es genial con las escenas íntimas".

Murino dice que estaba emocionada por trabajar con Judi Dench, aunque bajo extrañas circunstancias: “Sólo tuve una escena con Judi y para entonces ya estaba muerta. ¿Puedo seguir diciendo que he actuado con Judi Dench, aunque sólo estuviera haciéndome la muerta?”

La actriz americana nacida en Bosnia, Ivana Milicevic, cuyos numerosos créditos en cine y televisión incluyen "Mind of the Married Man" de HBO, Ojalá Fuera Cierto y Love Actually, interpreta a la mortal compañera de Le Chiffre, Valenka.

“Veía 007 cuando era una niña, y recuerdo estar aterrorizada con el personaje Tiburón en La Espía que me Amó”, dice Milicevic. “De repente ser adulta e interpretar a una villana en una película de Bond es fantástico”.

Aunque la mayoría de la considerable experiencia en la actuación de Milicevic ha sido en dramas y comedias, dice que se sintió como en casa en el rodaje de CASINO ROYALE. “De algún modo, es como estar trabajando en las películas independientes a la que estoy acostumbrada. Hablábamos de las escenas, ensayábamos, discutíamos los detalles y todos exponían ideas. Estaba impresionada de que éste fuera el modo en que Martin Campbell llevaba una película tan grande. Una película Bond parece una familia que sabe exactamente cómo sacar lo mejor de los otros. Te sientes cómoda viendo cómo todo el mundo está centrado en lo que quieren; es fantástico”.

“Espero que a todos los fans de Bond les encante CASINO ROYALE”, dice Milicevic, “pero también espero que la gente que nunca haya visto una película Bond la vea como una gran historia y un gran thriller”.

Sébastien Foucan (uno de los creadores y uno de los profesionales más importantes del arte del Parkour) interpreta a Mollaka, el creador de bombas sorprendentemente rápido y diestro al que Bond persigue por la Embajada de Nambutu. También conocido como “free running”, el Parkour llamó por primera vez la atención del público del Reino Unido en 2003, cuando la BBC emitió un anuncio en el que aparecía un hombre corriendo y saltando por encima de objetos con mucha prisa por llegar a casa a ver la televisión. Más tarde apareció en el thriller de acción policiaco francés futurista, Distrito 13, protagonizado por David Belle, amigo de la infancia de Foucan y uno de los creadores del Parkour.

Basado en la palabra francesa parcours, u obstáculo, Parkour enfatiza el uso de obstáculos en el entorno como accesorios que ayudan al corredor a moverse con rapidez por el terreno. “No sólo es correr y saltar”, dice Foucan. “Tiene que ver con adaptarte dentro del entorno para superar barreras a tu progreso físico. Trata del movimiento fluyendo en libertad. La habilidad de mi personaje es que puede moverse muy rápido para escapar de Bond, así que intentamos encontrar un modo de moverse rápida y eficazmente, más que hacer trucos de especialistas”.

Foucan, que a menudo pasa seis o siete horas practicando Parkour en un circuito especial en su ciudad natal en Francia, se adaptó con facilidad a los rigores del rodaje de CASINO ROYALE. Aún así apreció los consejos dramáticos que recibió de la estrella Daniel Craig. “Daniel me fue de mucha ayuda, dándome consejos sobre cómo actuar con cámaras. Aunque él no practica Parkour, es muy fuerte y le resulta fácil correr y perseguirme. Hemos pasado tres meses trabajando en esta secuencia que quizá esté en pantalla cinco minutos —pero espero que sean 5 minutos intensos, y que la gente los disfrute".

El Parkour se inspira en la acrobacia, el baile, las artes marciales y las formas de arte populares como el cine y el cómic, aunque también en antiguas escuelas de pensamiento asiáticas, dice Foucan. “Sin filosofía, la acción no significa nada. La vida está hecha de obstáculos y desafíos. Superarlos es progresar”.

Martin Campbell, cuyos créditos incluyen los éxitos de taquilla de acción, La Máscara del Zorro y La Leyenda del Zorro, además de GoldenEye, dice que estaba emocionado por asumir el mando de CASINO ROYALE por la transformación que sufre el personaje del agente secreto. “Esta es la primera misión 00 de Bond y tiene mucho que aprender. Al principio comete errores y es reprendido por M. Piensa más con el corazón que con la cabeza, y las cosas van mal. Pero al final de la película se está convirtiendo en el hombre que conocemos. Vemos a Bond enamorarse de Vesper, pero también se involucra en violencia realmente brutal. Esta película es más realista y más implicada emocionalmente que las anteriores”.

Aunque la novela de Ian Fleming en la que está basada la película se publicó por primera vez en 1953, la ambientación de la película es inconfundiblemente contemporánea. Aunque la trama se sigue centrando en el villano Le Chiffre que pierde el dinero de alguien en una conspiración aparentemente a prueba de tontos y organiza un torneo en el casino para intentar recuperar sus pérdidas, la película recupera referencias a la Guerra Fría, como la némesis de Bond, SMERSH, el grupo terrorista internacional más diabólico que ha habido nunca.

Otra actualización de la novela de Fleming es la partida que Bond y Le Chiffre juegan en el Casino Royale. En el libro, la partida es de Chemin de Fer, una variante del bacarrá. Para la película, la partida se cambió por una de Texas Hold’em, en parte por el reciente fenómeno mundial del poker, dice Wilson, pero también porque el poker es un juego de faroles y estrategia que ofrece más posibilidades dramáticas en pantalla.

Rodar el maratón de cartas de la película resultó ser incluso más duro que algunas de las espectaculares escenas de acción de CASINO ROYALE, dice Campbell. “Esto es lo más difícil que he rodado nunca —diez jugadores en torno a una mesa, jugando al Texas Hold'em, todos mirando sus cartas y a los demás. Mantener la tensión y la continuidad fue una pesadilla. De hecho, sería una buena prueba para los estudiantes de cine como ejercicio. Afortunadamente, el productor Michael G. Wilson es un genio del poker y muy bueno con los números. No podría haberlo hecho sin él".

Wilson describe CASINO ROYALE como la película que los productores originales de la franquicia, Albert R. “Cubby” Broccoli y Harry Saltzman siempre quisieron hacer, pero que no pudieron porque no disponían de los derechos. "Finalmente, en 2000, obtuvimos los derechos para hacer la película, y realizamos el guión", dice el productor. "Es la primera novela de 007 de Fleming, por lo que es un Bond clásico".

Wilson, que es el hijastro de Albert Broccoli y que ha producido y/o co escrito 11 películas de Bond, ha visto la serie de 007 evolucionar durante las cuatro décadas pasadas. “En los 70 las películas se hicieron más grandes y más fantásticas hasta que llegamos a Moonraker en 1979, que era en el espacio exterior. Luego lo volvimos a la Tierra en 1981 en Sólo para sus Ojos. Con Muere Otro Día en 2002 la tecnología empezó a inundar la historia y los personajes, así que nosotros hemos vuelto otra vez a la Tierra, con un Bond nuevo y más crudo, al que vemos adquirir su condición de 00 y encargarse de su primera misión para el MI6”.

Con CASINO ROYALE, dice Wilson, los cineastas querían llevar a Bond “de vuelta a lo básico”. “Necesitábamos volver a llenarnos de energía después de Muere Otro Día y, aunque sabíamos que teníamos un ganador garantizado si seguíamos por el mismo camino, hubiéramos perdido lo que creemos que es importante para la serie".

El productor elogia al director Campbell —con el que había colaborado previamente en el éxito de 1995, GoldenEye— por su talento para contar historias y su compromiso constante por la perfección. “Martin tiene una energía inagotable que impulsa a todos los demás. Espera el cien por cien del reparto y del equipo, dando vueltas por el escenario y preparando listas de tomas. Que ya haya hecho una película de Bond nos da a todos un método válido de trabajo.

Además de servir como productor y consultor de poker en CASINO ROYALE, Wilson también interpreta el papel de un jefe de policía montenegrino corrupto cuya ocupación finaliza bruscamente. “He aparecido en todas las películas desde La Espía que me Amó de una forma u otra —a veces sólo como una mano o una voz. Se ha convertido en una tradición. He sido sacerdote y científico, pero es la primera vez que soy policía”.

Aunque Bond no tiene artefactos de espía en CASINO ROYALE, con la excepción de su kit médico salvavidas radio controlado, pudo pisar el acelerador de dos Aston Martins. “Mostramos como adquirió el DB5, ganándoselo en una partida de poker a Dimitrios, y Aston construyó un nuevo coche para nosotros, el DBS, fabricado en un nuevo color, el Casino Ice. Es una auténtica máquina de carreras que el MI6 da a Bond para conducir en Montenegro”.

“CASINO ROYALE fue la primera novela de 007 de Ian Fleming, presentando a James Bond como un héroe duro aunque vulnerable con un estilo que ahora es el Bond clásico. Era la película que Cubby Broccoli y Harry Saltzman siempre quisieron hacer, pero no disponían de los derechos. Finalmente, en 2000, obtuvimos los derechos para hacer la película y realizamos el guión”.

Martin Campbell, que dirigió GoldenEye en 1995, vuelve a dirigir CASINO ROYALE. “Martin es un director que sabe cómo contar una historia. Trabajamos bien juntos en GoldenEye así que conoce a Bond y a nuestro equipo de producción. Fue una oportunidad fantástica de volverlo a tener trabajando con el nuevo Bond.

La nueva tarea para los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli era encontrar al actor que interpretara a James Bond en la vigésimo primera aventura en pantalla de 007. Michael G. Wilson explica el proceso de casting. Barbara Broccoli dice: “En cuanto lo conocimos, Daniel Craig fue la elección obvia para James Bond. Es un actor que define a su generación de actores británicos. Es carismático, versátil y sexy. El papel es un gran desafío, pero nos ha demostrado que es un Bond increíble”. Michel G. Wilson añade: “En Daniel tenemos un Bond moderno, que tiene la autenticidad necesaria para redefinir este complejo personaje. Bond es un capitán, que estuvo en la marina, al que acaban de dar la extremadamente rara condición de doble 0 —la autoridad para tomar la decisión de matar por su cuenta. Daniel tiene mucha habilidad para articular las emociones conflictivas que siente Bond. Es un gran actor totalmente comprometido con el papel".

Los productores contrataron a la actriz francesa Eva Green como Vesper Lynd, la primera mujer de la que Bond se enamora realmente. Michael G. Wilson dice: “Eva Green es fantástica. Está destinada a ser una de las principales actrices internacionales de Francia. Vesper es la mujer más importante en la vida de Bond, y necesitábamos a alguien que tuviera todas las cualidades de Vesper —belleza, fuerza, misterio y algo de tristeza. Es igual a Bond. Es una buena persona que se encuentra en una situación insostenible”.

Judi Dench regresa como M. “Ha hecho suyo el papel, así que no podíamos imaginarnos a nadie más interpretando a M”, dice Michael G. Wilson.

La producción comenzó en Modrany y en los estudios Barrandov, en la República Checa, antes de trasladarse a las Bahamas. Wilson dice: “Es importante que una película de Bond tenga localizaciones glamourosas y exóticas. Tenemos una localización en las Bahamas en el Club One & Only en Paradise Island donde Bond encuentra a Dimitrios. Nuestro departamento artístico también transformó parte de las Bahamas en la isla africana de Madagascar, utilizando un motel en desuso como poblado de chabolas, y un complejo hotelero abandonado de Coral Harbor como una obra donde Bond persigue a Mollaka, interpretado por el free runner Sébastien Foucan. De hecho, el hotel abandonado es donde rodamos las habitaciones del hotel en Operación Trueno. Ahora es parte de una base militar. En La Espía que me Amó utilizamos la misma localización como plataforma de cámara y teníamos modelos y talleres".

En la novela de Fleming, en el Casino Royale se juega al Chemin de Fer. En la película, los productores cambiaron el juego por el poker Texas Hold'em, explica Michael G. Wilson, "Aunque tradicionalmente Bond ha jugado al Chemin de Fer, ese juego ya no es popular y hay muy pocas personas que lo entiendan, mientras que el poker ahora se reconoce en todo el mundo, con torneos por televisión y juegos online con mucha aceptación. El poker requiere faroleo y estrategia, lo que tiene más posibilidades dramáticas en pantalla que el 'Chimie'".

Al propio Wilson le encanta jugar al poker y se describe a si mismo como “un adicto al poker en recuperación”. Junto a los guionistas y Martin Campbell, diseñó y supervisó las partidas que se jugaron en el torneo del Casino Royale.

“El escenario del Casino Royale en la novela es el Royale-les-Eaux en Francia, pero la producción trasladó la localización a un pueblo no identificado en Montenegro. Necesitábamos algún sitio que pareciera estar fuera del alcance de las autoridades bancarias internacionales para que Le Chiffre se sintiera lo suficientemente seguro para salir de su escondite. Realmente rodamos todas estas escenas en Karlovy Vary, un pueblo balneario en la República Checa, que reunía todos nuestros requisitos".

La diseñadora de vestuario Lindy Hemming, veterana de 5 aventuras previas de James Bond, colaboró con el director Campbell y con Craig para conseguir el aspecto idóneo para el nuevo 007.

Además de tener en cuenta el deseo del director y de la estrella de tener un vestuario más realista y con menos estilo para Bond, Hemming dice que la ropa que lleva Craig a lo largo de la película refleja el arco de su personaje. "En el guión, Bond tiene que pasar por muchas experiencias sucias secretas. Al principio de la película está en una misión secreta, así que tiene que mezclarse con el fondo. El resultado es que no se parece en absoluto al Bond tradicional. Pero tan pronto va a las Bahamas, vemos como se pone más elegante. Se hace más elegante, y, cuando aparece en el Casino, lleva puesto su esmoquin, que es el aspecto típico de Bond. A medida que se va sintiendo cómodo con su nueva condición de 007, se va vistiendo con más estilo".

Hemming también prestó atención al estilo normal de vestir de Craig cuando diseñó la ropa de Bond. “A Daniel le interesa la ropa, y se viste realmente muy bien. Queríamos conseguir el aspecto clásico, pero que siguiera pareciendo real, no un disfraz. Por ejemplo, para el traje de etiqueta, le encantaba tener a Brioni, la empresa italiana de diseño que utilizamos en las últimas cuatro películas, porque conoce y le gusta su estilo. Pero, como el físico de Daniel es más musculoso, el traje de etiqueta tiene una nueva forma, así que parece más moderno con él. Ahora está de moda llevar traje, así que no da un aspecto anacrónico, y además a Daniel le gusta llevar ropa de confección”.

Una prenda que seguro llamará la atención es el traje de baño corto y ceñido que lleva Bond cuando sale del agua fuera de la casa en las Bahamas de Solange y Dimitrios. La escena rinde un homenaje desenfadado a momentos inolvidables de dos películas anteriores de Bond, explica Hemming, “Obviamente hemos hecho esa escena con cierta ironía, haciendo un paralelismo con las escenas de bikini de Ursula Andress y Halle Berry en James Bond contra el Dr. No y Muere Otro Día. Daniel lleva un pequeño traje de baño, que está ahora muy de moda, y es un aspecto más europeo que la ropa suelta que todo el mundo ha llevado durante años. Este bañador no le quedaría bien a todos los hombres, pero Daniel está fantástico, así que creo que a la gente le encantará".

Por supuesto, el público prestará al menos la misma atención al vestuario que adorna a los personajes femeninos en la película, y Lindy Hemming se ocupa de vestir a las actrices con el estilo glamoroso adecuado. "Me hubiera gustado diseñar todos los vestidos y haberlos hecho, pero físicamente es imposible. Así que pensé que necesitábamos diseñadores de alta costura para conseguir una ropa moderna”.

Sobre vestir a Vesper, la oficial del Tesoro que se convierte en el primer amor real de la vida de Bond, Hemming comenta, “Vestir a Eva es muy fácil. Tiene una figura fantástica y le encanta la ropa. Decidimos darle un aspecto un poco retro, con referencias a películas antiguas, especialmente en sus dos primeros trajes, que queríamos que recordaran a la gente el aspecto de Catherine Hepburn. Un traje es de Armani, y el otro lo diseñé yo. El diseñador italiano Roberto Cavalli fue de gran ayuda. Vimos su colección, de la que nos dio muchos trajes de noche, y hablamos sobre lo que queríamos para su primer vestido en el Casino. Roberto hizo el vestido de noche púrpura para nosotros muy rápido y tuve que mandar un ayudante a su fábrica para que se asegurara de que todo fuera según lo planeado y estuviera a tiempo".

“Y por supuesto tuvimos que hacer cinco”, continúa, “porque Vesper pasa por muchas situaciones físicas con el vestido. En el guión, Bond le compra ese vestido y se lo da cuando ella le da el esmoquin, así que el departamento artístico ha incluido una boutique Cavalli en el escenario del hotel para atarlo todo. Su otro traje del Casino, el vestido negro, lo hizo Versace para nosotros. Yo diseñé los trajes que lleva en Italia, en el sanatorio del lago Como, y el vestido rojo que lleva cuando Bond la sigue en Venecia. Nos aseguramos de que ninguno de los extras vistiera de rojo, para poder verla cuando Bond la vislumbra entre la multitud de Venecia. Es un pequeño homenaje a Amenaza en la Sombra”.

La otra conquista de Bond en la película es Solange, interpretada por la actriz italiana Caterina Murino. Hemming dice, “La primera vez la vemos en bikini, uno de La Perla, verde, que refleja el mar de las Bahamas donde monta a caballo por la orilla. Caterina es oscura y sensual y, en contraste con Vesper, tiene un aspecto duro y sexy. Su traje de noche es de la colección de la diseñadora inglesa Jenny Packham, que lo hizo para nosotros en color naranja. Tiene cordones en la espalda que quedan genial contra su piel desnuda cuando hace el amor con Bond con el vestido puesto”.

Ivana Milicevic, que interpreta a Valenka, la novia de Le Chiffre, estaba vestida casi por completo con ropa de Roberto Cavalli, según Hemming. “En contraste con las otras mujeres, ella es rubia y su personaje es tenso —la novia de un villano y posiblemente una asesina, con aspecto de modelo y mucha confianza. Viste ropa que yo describo como casi sin ropa. Empieza con un bonito traje de baño azul de Versace, bajo el agua entre los peces y el coral, y siempre lleva ropa que casi se le está cayendo, con colores brillantes, que enfatizan su elegancia”.

Rompiendo con la tradición de los flamantes malos de Bond como el Dr. No y Blofeld, Martin Campbell decretó que los malos de Bond en CASINO ROYALE no debían parecer villanos obvios. "Nada de hombres con gatos ni que llevan pantalones bombachos de montar", dice Hemming. "Le Chiffre es un hombre amenazador que vive en un mundo nebuloso. No es ostentoso, sino reservado. No es un hombre interesado en la ropa, pero lo que lleva es caro y lujoso. Su traje de etiqueta de Brioni es de terciopelo, para enfatizar su riqueza”.

El resto de los jugadores de poker están vestidos para mostrar la idea de que el Casino Royale es un palacio de juego de “nuevos ricos”, explica Hemming. “Brioni se ofreció para hacer los trajes de los hombres de la mesa del casino para la gran partida. Infante, el dictador africano, lleva una versión africana de un traje de etiqueta para jugar, el ruso tiene un collar de visón, y el argentino lleva un traje con hilos de oro auténticos. Incluso Veruschka, que interpreta a la heredera alemana, va vestida de Brioni, ya que inauguraron una nueva compañía de ropa femenina este año”.

Hemming dice que uno de los mayores desafíos del departamento de vestuario fue vestir a cientos de extras como si vivieran en una localización lejos del lugar donde realmente tenía lugar el rodaje. Por ejemplo, la exhibición de Gunther von Hagens’ Body Worlds en el Miami Science Center se rodó en un mausoleo en Praga en febrero. “Los extras llegaron con botas de piel y grandes parkas. Tuvimos que desnudarlos y ponerles pantalones cortos, sandalias y camisetas para que parecieran turistas de Miami. Pensaron que los estábamos torturando. Luego rodamos un poblado de chabolas de Madagascar en las Bahamas. Aunque compramos toda la ropa y los zapatos nuevos, había que estropearlos para que pareciera que estaban quemados por el sol, sucios y polvorientos, y los extras debían parecer habitantes de una isla africana, no los de la amistosa isla americana en la que viven. Esa es la magia de las películas de Bond —transformar un sitio en cualquier otro. Parece que hacemos eso todos los días".

El diseñador de producción Peter Lamont no es un novato de la franquicia 007, ya que ha trabajado en 18 películas de Bond previas en papeles diversos. Para CASINO ROYALE supervisó un departamento artístico que se extendía por cuatro países —Reino Unido, República Checa, Italia y las Bahamas— y la construcción de unos 40 escenarios. Obviamente, Lamont cita la geografía como su mayor desafío logístico. “Los estudios Barrandov en Praga fueron una buena base de operaciones, con un gran equipo de trabajo y excelentes estudios de sonido, pero teníamos que mantener a Martin informado sobre el resto de escenarios de todo el mundo”.

El escenario más difícil de crear, dice Lamont, fue el interior de la casa veneciana, donde Bond sigue a Vesper y a Gettler, y “tira literalmente la casa abajo” intentando rescatar a Vesper. Mientras que el interior de la casa y la plaza que lleva a ella se construyeron en el estudio 007 de los Pinewood Studios, el exterior de la casa se rodó en Venecia, en el Gran Canal frente al Mercado Rialto. Aunque convencimos a las autoridades venecianas para que permitieran a la producción introducir tubos de compresión en el canal para simular los chorros de agua que se producen cuando se hunde la casa y para detener el tráfico del canal durante cortos intervalos de tiempo, su generosidad no nos permitió que destruyéramos uno de sus grandes palacios y lo hundiéramos en el canal. En su lugar, se construyó un modelo de la casa hundida en el Tanque Paddock en Pinewood.

“Durante el proceso de construcción en Pinewood, todo resultó más complicado, porque se tomó la decisión de que la casa no sólo se hundiría verticalmente, sino que necesitaría otro eje que moviera el edificio de lado a lado cuando se hundía. Chris Corbould y su equipo de efectos especiales construyó una plataforma fantástica para nosotros”.

Otros escenarios también eran combinaciones de escenarios interiores construidos en una localización y localizaciones exteriores en otro país. La primera escena que se rodó, la persecución en la Embajada de Nambutu, estaba en un escenario de un estudio de Modrany, a las afueras de Praga. "Era complicado —Bond se mueve por toda la embajada persiguiendo y capturando a Mollaka— corriendo por los pasillos, por las oficinas y saltando por una ventana del complejo escapando de una gran explosión. El principio de esa escena se rodó más tarde en las Bahamas, donde sigue a Mollaka a la embajada desde una obra”.

Otro escenario múltiple fue el del propio Casino Royale. Situado según el guión en Montenegro, la producción buscó en Trieste y luego por la costa de Croacia. “Encontramos los anchos bulevares flanqueados de árboles que queríamos, pero allí ya no había grandes hoteles, y necesitábamos edificios imponentes para los exteriores del Casino y del Hotel Splendide”, dice Lamont. “Karlovy Vary fue el primer lugar que vimos en la República Checa y es donde acabamos rodando el exterior y el vestíbulo del Hotel Splendide, y el exterior del Casino Royale y la sala pública de juego, con el Salon Privé y las habitaciones del hotel se construyeron en los estudios Barrandov”.

La producción transformó un balneario abandonado a finales del siglo pasado en el Casino Royale. Lazne tenía todos los accesorios de balneario inutilizados desde hace muchos años, y ha sido utilizado antes en cine, aunque estaba en mal estado. Trabajamos con la gente de conservación de allí para restaurar las escaleras y las estatuas del edificio. Les dijimos lo que queríamos y les pagamos por hacer el trabajo, así que dejamos el edificio en mejor estado que el que ha tenido durante años”. El Grand Hotel Pupp, un monumento local, se convirtió en el Hotel Splendide con cambios de señales y la adición de una cubierta transparente y algunas plantas exquisitas.

Rodar en Venecia presentaba sus propios problemas, y el menor de ellos no era el hecho de que los legendarios canales de la ciudad obligaban a que todo debiera ser trasladado en barca o a pie. Afortunadamente, sólo había que construir un escenario en la antigua ciudad italiana. "En la Plaza de San Marcos (Piazza San Marco), nos permitieron utilizar un edificio vacío como el banco donde Bond busca a Vesper. Por supuesto, es uno de los destinos de todo el mundo más frecuentados por turistas, y tan pronto como habíamos completado el trabajo y abierto la puerta, nos vimos inundados por turistas intentando cambiar dinero. Esto también nos pasó en el aeropuerto de Praga, donde estábamos rodando los interiores del aeropuerto de Miami. Colocamos una cabina de cambio de dinero, y teníamos muchos clientes potenciales, algunos de los cuales no entendían por qué no teníamos dinero para ellos”.

Un desafío de otro tipo fue diseñar el nuevo avión prototipo que Le Chiffre planea explotar para poder hacer una fortuna en la Bolsa. Lamont y su equipo visitaron a fabricantes de aviones pero dice que la producción no pudo basarse en un avión real. “Guardaban sus nuevos modelos a buen recaudo y probablemente no querían estar asociados con un argumento como éste”, dice. “Así que tuvimos que sacar un diseño original”.

Se localizó un viejo 747 en el aeródromo Dunsfold en Surrey, donde la producción rodó las escenas de persecución por las pistas del aeropuerto de Miami con Bond y Carlos. “El avión no tenía motores, pero estaba en bastante buenas condiciones, así pudimos utilizar el casco del 747, lo que nos ahorró el gran gasto de construir algo de esa envergadura. Miré muchas referencias de construcción de aviones y decidí que nuestro Skyfleet debe parecerse al B52, con pares de motores en tándem, y el perfil de la cabina de mando modificado. No sé si mi diseño volaría, ¡pero los B52 lo conseguían!"

Cuando le piden que elija su favorito entre los muchos escenarios y localizaciones, Lamont cita la suite doble de Bond y Vesper en el Hotel Splendide, que se construyó en los estudios Barrandov. "El desafío era ajustar las habitaciones a la realidad del Grand Hotel Pupp en Karlovy Vary, que es un hotel muy clásico de su tipo, e incluir dos baños para las escenas donde Bond se limpia después de la pelea, y consuela a Vesper en la ducha”.

Chris Corbould, supervisor de efectos especiales y efectos de miniaturas, que hace su décimo primera aparición en una película de Bond en CASINO ROYALE, se alegró de que la intención de los productores fuera volver a un estilo de hacer películas más realista y con menos efectos digitales.

“Soy un apasionado de los efectos especiales y peleo duro para conseguir que algo sea real”, dice. “Obviamente, si hay preocupaciones de seguridad o de presupuesto entonces puedo dar marcha atrás y admitir la derrota. Las imágenes generadas por ordenador son una gran herramienta y pueden ser muy útiles, especialmente si se mezclan perfectamente con la realidad para conseguir una buena actuación. Pero si un efecto se puede hacer de forma real, es la mejor forma de actuar”.

Los tres mayores desafíos de Corbould en la película eran completamente diferentes entre si y tuvieron lugar en localizaciones muy distintas: la casa veneciana que se hunde, con escenas en Venecia en el Gran Canal y en Pinewood en el Tanque Paddock y el estudio 007; la secuencia de la persecución por las pistas del Aeropuerto Internacional de Miami, donde Bond persigue a un terrorista que trata de volar un nuevo avión prototipo; y Bond persiguiendo a Mollaka en una obra de Madagascar.

Al principio del programa estaban las escenas de la obra de Madagascar, rodadas en una localización de las Bahamas en un hotel en ruinas, que el departamento artístico había reconvertido en un edifico en construcción. En la escena, Bond se monta en una excavadora de 18 toneladas y conduce a casi 60 km/h hacia el edificio. Golpea el lateral de un camión, destruye una cabaña y luego se tira en un zócalo de hormigón sobre el que Mollaka está corriendo, con la cuchara de la excavadora mordiendo el hormigón.

“Construimos un modelo y presentamos dos o tres formas en la que la plataforma podía sacar razonablemente el hormigón, incluyendo el pilar de abajo. Martin Campbell prefirió el modo directo, con la cuchara directamente sobre el hormigón. Hicimos un par de pruebas, y durante la toma fue mejor de lo que había esperado. El hormigón se onduló alrededor de la cuchara y salió como una ola".

En el Aeródromo Dunsfold en Surrey, la primera y la segunda unidad pasaron un total de 10 semanas rodando la secuencia donde Bond persigue a un segundo terrorista por un edificio del aeropuerto de Miami y por las pistas. “Bond persigue a Carlos, que conduce un camión cisterna de petróleo por el aeródromo de Miami en hora punta, con mucho tráfico en el camino”, explica Corbould. “Bond salta al camión cisterna y, mientras Carlos trata de sacudírselo, se golpea con todo lo que tiene en su camino —destrozando buses elásticos, coches de policía y carros de equipaje— ¡es una carnicería! Había tenido experiencia con camiones cisterna antes en Licencia para Matar, y son fantásticos trabajando con todo ese tonelaje saltando por ahí. Y, obviamente queríamos esforzarnos para hacer cosas más espectaculares que la última vez, así que trucamos los camiones cisterna para conseguir colisiones a gran velocidad".

Corbould describe el inmenso escenario de la casa veneciana que se hunde en el clímax de acción de CASINO ROYALE como la mayor plataforma que se ha construido nunca en una película de Bond o en cualquier otra. La escena implica a Bond persiguiendo a Vesper y a Gettler en una casa veneciana que están renovando y que está sujeta por globos hinchables. Cuando los persigue, unos disparos pinchan los globos y empiezan a desinflarse, provocando que las paredes se caigan. Finalmente, todo el edificio se hunde en el Gran Canal.

Trabajando en el tanque del estudio 007 de Pinewood, la producción construyó una plaza veneciana, y el interior de una casa en ruinas de tres plantas. “La plataforma era inmensa —90 toneladas, entre los aparatos electrónicos y los hidráulicos. Estaba ansioso por conseguir un movimiento realmente rápido, para vender el hecho de que la casa se estaba hundiendo. Las válvulas hidráulicas estaban controladas por ordenador porque había mucho movimiento en el sistema —se movía arriba y abajo y se inclinaba sobre dos ejes. Hubiera sido fácil que se cayera dentro del tanque o golpear el techo, así que necesitábamos tener mucha seguridad".

Al mismo tiempo, la plataforma podía sumergirse en 6 metros de agua, lo que significaba que alguna salía hacia arriba a borbotones, así que Corbould terminó pasando mucho tiempo en traje de neopreno. “Calculo que pasé unas ocho horas al día en el agua en ese escenario, de las cuales unas dos las pasé dentro del agua, arreglando problemas. Teníamos grandes bancos de compresores fuera de los tanques empujando el agua hacia arriba mientras la casa se derrumba, así que todo eso debía mantener un orden de trabajo. A medida que progresaba el rodaje y la casa se hundía, escombros y polvo empezaron a caer en el agua, así que terminamos haciéndolo a ciegas”.

El equipo de efectos también creó un modelo exterior, construido a escala un tercio, para rodar el derrumbe del edificio en el canal veneciano. El mismo sistema de ordenadores controló la hidráulica del modelo para que Corbould y sus socios pudieran replicar exactamente el movimiento del escenario interior.

“Definitivamente hubo una curva de aprendizaje", recuerda Corbould. "Era la mayor plataforma que habíamos unido nunca el equipo y yo, y también era un escenario muy complicado. Recuerdo cuando empezamos en la película y dijeron: 'No habrá aparatos ni chismes’, y luego nos lanzaron esto. Aunque, al final, creo que al público le gustar ver a alguien asumiendo riesgos. Más que ver lo que saben que es una pantalla azul, aprecian el valor y el esfuerzo que suponen las cosas reales. Creo que nos dirigimos a un renacimiento de los efectos especiales frente a los efectos visuales”.

Bond llega a Paradise Island, en las Bahamas en hidroavión, y más tarde conduce por una carretera de la costa hasta el Club One & Only Ocean, donde finalmente se encuentra con Dimitrios y su hermosa mujer Solange. El Albany Estate, en la costa oeste de New Providence Island sirvió como la mansión frente a la playa de Dimitrios, donde Bond sale del mar para ver a Solange cabalgando en su caballo por la arena. Un hotel abandonado y su terreno en Coral Harbor en New Providence Island, sirvió de poblado de chabolas en la isla africana de Madagascar donde Bond ve a Mollaka durante la lucha entre la serpiente y la mangosta. Un hotel abandonado y en ruinas en la misma área se utilizó como una obra donde Bond persigue a Mollaka.

Muchos interiores —incluyendo el Salon Privé del Casino Royale, el complejo de la Embajada de Nambutu, el interior del yate de Le Chiffre y el interior del sanatorio donde se recupera Bond— se filmaron en estudios de Praga, en Barrandov y Modrany.

La propia ciudad se ve en la secuencia anterior al título cuando Dryden llega al Danube House, un edificio de oficinas a orillas del Vltava, antes de enfrentarse a Bond. Otras localizaciones de Praga incluyen la cima del monumento Vitkov, un mausoleo de mármol que se utilizó como el interior de la exhibición Miami Body Worlds. El aeropuerto de Praga hizo las veces del Aeropuerto Internacional de Miami para las escenas en las que Bond sigue a Carlos a través de la terminal y de las pistas.

La biblioteca de 800 años de antigüedad del Monasterio Strahov se utilizó como el interior de la Cámara de los Comunes, y el Museo Nacional neorrenacentista de Wenceslas Square se transformó en la recepción y las escaleras del Grand Venetian Hotel, donde Bond y Vesper disfrutan de un descanso romántico después de una terrible experiencia.

La ciudad balneario de Karlovy Vary, donde los visitantes llevan tomando las aguas reconstituyentes desde el siglo XIV, se utilizó como el pueblo montenegrino donde se ubica el Casino Royale. El mundialmente famoso Grand Hotel Pupp se transformó en el Hotel Splendide, donde están Bond y Vesper durante el torneo de poker. El Lazne, un imponente aunque abandonado balneario de finales del siglo pasado pasó por la entrada y la sala pública del Casino Royale. En la misma área de la República Checa, la producción rodó a Bond y a Vesper llegando en el Aston Martin DBS para reunirse con Mathis en la pintoresca plaza del pueblo. El interior de un hospital cerca de Plana sirvió para la escena de la emergencia médica de Bond después de que Le Chiffre lo torturara.

Villa La Gaeta, una bonita residencia privada a orillas del lago, se utilizó para la escena en la que Bond se enfrenta a Mr. White en su casa. El terreno de la espectacular Villa del Balbianello, en la orilla oeste del Lago Como, se convirtió en el sanatorio donde Bond se recupera de su horrible experiencia en manos de Le Chiffre.

La producción pudo rodar en muchas de las calles y callejones de Venecia, incluida la mundialmente famosa Plaza de San Marcos. Se le concedió un permiso especial para que el yate de Bond y Vesper (el Spirit 54) navegara por el Gran Canal entre la Academia y los puentes de Rialto, la primera vez que un yate ha navegado por el Gran Canal en muchos años. La casa que se viene abajo, donde Bond persigue a Vesper y a su raptor, estaba situada frente al mercado de verduras en Rialto, y Bond echa amarras fuera del lujoso Hotel Cipriani en Guidecca.

El aeródromo Dunsfold, cerca de Guildford en Surrey, fue el escenario de la mayoría de las escenas exteriores del Aeropuerto Internacional de Miami. Esta es la localización donde Alexander Witt y la segunda unidad filmaron muchas tomas de acción en las que Bond frustra el intento terrorista de volar un avión prototipo de pasajeros.

El Parque Negro se utilizó para rodar el campamento rebelde en Uganda donde Mr. White presenta a Le Chiffre a Steven Obanno (para desconcierto de los muchos que regularmente pasean a su perro por el parque nacional cerca de los Pinewood Studios). Un terreno de juego en Eaton se transformó en el campo de críquet que se ve en la secuencia anterior al título.

El estudio 007 de los Pinewood Studios albergó el espectacular artilugio de ingeniería que fue el interior de la casa que se hunde en Venecia, donde se rodaron las escenas climáticas de acción, incluyendo el enfrentamiento sangriento entre Bond y Gettler y sus secuaces. Además, se construyó una plaza veneciana a escala completa para la conclusión de la escena, donde Bond intenta rescatar a Vesper. Se usaron otros estudios de Pinewood para las maquetas y las tomas con pantalla verde.

Otras películas del reparto:

Daniel Craig ("Infamous", "Munich", "Fateless", "The jacket", "Layer cake: Crimen organizado", "El intruso", "Sylvia", "The mother", "Camino a la perdición", "Lara Croft: Tomb raider", "Some voices"),

Eva Green ("El reino de los cielos", "Arsène Lupin", "Soñadores"), Mads Mikkelsen ("Después de la boda", "El rey Arturo", "Torremolinos 73", "Wilbur se quiere suicidar", "Te quiero para siempre", "Dina"),

Judi Dench ("Pride & prejudice [Orgullo y prejuicio]", "Mrs. Henderson presenta", "La última primavera", "Las crónicas de Riddick", "Muere otro día", "La importancia de llamarse Ernesto", "Atando cabos", "Iris", "Chocolat", "El mundo nunca es suficiente"),

Jeffrey Wright ("La joven del agua", "Syriana", "Flores rotas", "El mensajero del miedo", "D-Tox", "Ali", "Shaft. The return", "Asesinato en Suburbia", "Hamlet", "Cabalga con el diablo"),

Giancarlo Giannini("Tirante El Blanco", "El fuego de la venganza", "El corazón ausente", "Darkness", "Hannibal", "Una noche con Sabrina Love", "La cena")

MENTIRAS Y GORDAS

2009-05-02T14:12:00.001-07:00

Título: Mentiras y Gordas

Una de las peores películas españolas de toda la historia, sin argumento (guión realizado a tres bandas entre: Menkes, Albacete y Ángeles González-Sinde nuestra nueva ministra de cultura—> esto me parece lo más fuerte).

Han aprovechado el tirón televisivo de un buen numero de jóvenes promesas del cine español, pero si asi es como pretenden promocionarlo mal vamos.

Y nada de escandalizarme de la tematica: lesbianas, homosexuales, trios, drogas de todo tipo, polvos a troche y moche, etc etc porque parecido vocabulario utilizan en ATOMICA y esta tenia mucha mas gracia (aquí descubri a MARIA ESTEVE y me encanto).

Todavia entiendo menos el tema de la gorda porque a mi me parece una chica completamente normal, se podría haber cogido a otra chica con mas sobrepeso para hacer toda clase de chistes malos sobre ello.

TEMA SUPERTIPICO (CASI COMO LA GUERRA CIVIL): SEXO, DROGAS Y JOVENES.

POR FAVOR NO IR AL CINE A VERLA

Sinopsís: “Mentiras y gordas” habla de un grupo de jóvenes que están descubriendo la vida y buscan en sus relaciones la solución a sus problemas. Seres que viven el delirio furioso de la noche, que se cruzan y se entremezclan en playas, discotecas, bares, terrazas y chill outs, rodeados de música. Pero al amanecer, con el sol, aparece también el bajón, la realidad y los sentimientos. Promesas incumplidas, sueños caídos, soledad. Tres días de un caluroso comienzo de verano en Alicante con sus tres frenéticas noches donde Paz, Carola, Carlos, Sonia, Nico, Toni, Marina y Leo descubrirán que su vida no puede seguir siendo la misma.

Pais: España
Año: 2008
Genero: Comedia
Duracíon: 107 Minutos
Director: Alfonso Albacete y David Menkes
Reparto: Mario Casas (Tony), Ana de Armas (Carola), Yon González (Nico), Ana Polvorosa (Marina), Marieta Orozco (Sonia), Hugo Silva (Carlos), Alejo Sauras (Bubu), Duna Jové (Leo), Esmeralda Moya (Nuria), Miriam Giovanelli (Paz), Clara Pradas (Rosa).

Nota de los directores
El proyecto de "Mentiras y Gordas" va unido desde el principio a una reflexión sobre la levedad e ingravidez en la que se desarrolla la vida durante la etapa de la juventud.
No pretendíamos hacer propiamente una película generacional, queríamos hablar de individuos que aún están en plena transición, en medio de un viaje a ninguna parte concreta, con sus confusiones, sus problemas, sus sentimientos y su futuro incierto. Necesitábamos que cada uno de los personajes fuera reconocible en su lado más humano, que fueran antihéroes urbanos en busca de su otro yo. No queríamos en ningún momento olvidarnos del humor y que fueran los propios personajes los que a través de sus complejos e inseguridades nos dieran las claves para comprenderlos, aún perteneciendo a otra generación. Deseábamos también que todos utilizaran la mentira como parte importante de sus vidas, que se mintieran a sí mismos sobre lo que realmente sienten y evidentemente lo hicieran también los unos con los otros. Nos interesaba ir desvelando los secretos de Paz, Carola, Carlos, Sonia, Toni, Nico, Marina y Leo poco a poco hasta desnudarlos emocionalmente.
Según íbamos metiéndonos en el guión que escribimos junto a Ángeles González-Sinde nos fuimos dando cuenta que lo que parecía al principio una comedia se iba transformando y era difícil apartarnos de la realidad concreta en la que viven estos jóvenes. Después descubrimos las imágenes robadas del festival de Benicàssim por fotógrafos como Carmela García, Cristina Rodero, Immo Klink, Ángel Marcos, Álvaro Villarrubia y Máximo Vitali, expuestas en el MUSAC, y fuimos conscientes del valor testimonial de lo que intentábamos contar.
Han sido cuatro años de trabajo, de búsqueda, de encuentros y desencuentros hasta que por fin "Mentiras y Gordas" ha tomado vida. Algunos han crecido con el proyecto y nos han tenido que abandonar y otros se han incorporado renovando las ilusiones. Ahora estamos preparados para ser sinceros.
Alabacete & Menkes
La verdad sobre la música de Mentiras y Gordas
El tema principal de la película es de FANGORIA y habla de la relatividad de las cosas, que se puede creer o no creer y distorsionar la realidad, que normalmente suele ser diferente a aquello que te cuentan, a lo que sucede realmente en la vida.
Siempre nos han gustado las letras inteligentes de NACHO CANUT que son capaces de hablarte de temas muy cercanos pero al mismo tiempo te hacen pensar y la voz grave de ALASKA con esa ironía con la que sólo ella es capaz de interpretar. FANGORIA eran perfectos para dar el punto reflexivo que necesitaba la película y así mostrar con más fuerza las situaciones y el estado límite en el que se encuentran los personajes. La melodía a medio tiempo con toques de electrónica encabeza una banda sonora joven y potente encargada a JUAN SUEIRO y JUAN CARLOS MOLINA que ya habían trabajado con nosotros en películas como "Más que amor frenesí" y "Atómica". Con el tiempo han madurado, han crecido como músicos y nos ofrecen junto con FANGORIA una visión de lo que es la noche joven actual.
Albacete&Menkes
La verdad de los músicos
La banda sonora de "Mentiras y Gordas" se compone de una gran colección de canciones y fragmentos musicales creados expresamente para la ocasión. Abarca diversos estilos como el Rock, el Pop, el Electro o el Chill Out, muy en sintonía con el gusto juvenil de los personajes.
Nuestra intención a la hora de trabajar en la música de la película fue apoyar y potenciar la interpretación de los actores así como la montaña rusa de sentimientos y emociones en la que viven inmersos los personajes para conseguir introducir al espectador en su mundo interior.
El tema central titulado "La Verdad" está interpretado por Fangoria. Los cuatro minutos que dura la canción resumen la trama del argumento sin utilizar obviedades y con el personalísimo lenguaje de las letras de Alaska y Nacho Canut.
Juan Sueiro y Juan Carlos Molina
(Compositores de la Banda Sonora de la película)
Directores (Albacete y Menkes)
Antes que las órbitas de Alfonso Albacete y David Menkes colisionasen dando lugar a un nuevo universo, Albacete & Menkes habían trabajado en todos los campos relacionados con el mundo de la imagen habidos y por haber. A partir de 1996 sus vidas confluyen hasta el punto de resultar idénticas. Ese mismo año dirigen junto a Miguel Bardem "Más que amor, frenesí", una película de la noche llena de sentido del humor, con personajes demenciales y situaciones extremas, producida por Fernando Colomo, nominada al Goya en el apartado Dirección Novel, y seleccionada por el Festival de San Sebastián (sección Zabaltegui), el Festival de Sundance y el Festival de Cine Gay de Tokio.
En 1997 se estrena "Atómica", seleccionada en el Festival de San Sebastián y que obtiene el esperado ataque verbal de la crítica, aunque se produce un aumento de sus fans más jóvenes y radicales.
En 1999 y con la colaboración en el guión de la escritora Lucía Etxebarría, hacen su tercera película, "Sobreviviré", un filme más serio que logra ser uno de los más taquilleros del año, obtiene el Premio en el Festival de Cine de Turín (Italia), el Premio del Público en el Festival de Chicago y consigue que su banda sonora sea Disco de Oro, siendo hasta el momento la más vendida del cine español. Un disco producido por Paco Ortega con voces como las de Manzanita, Estrella Morente, Alba Molina, Ray Heredia y Niña Pastori. La película fue estrenada en EE.UU. y en Francia con el título "Raisons de vivre".
En 2001 estrenan su cuarta película coescrita con Lucía Extebarría, "I love you baby", y protagonizada por Jorge Sanz y Verónica Forqué.
En 2005 estrenan lo que es hasta ahora su última película "Entre vivir y soñar", una comedia romántica rodada en París con Carmen Maura de protagonista y escrita junto a Ángeles González-Sinde.

Un franco, 14 pesetas

2009-05-02T10:12:00.001-07:00

Peliculón ejemplo como se puede hacer buen cine español y con productos asi se puede revitalizar nuestro cine.

Tener a Carlos Iglesias de director en su opera prima, lejos de la imagen de PEPELUS y con una seriedad que sienta las bases para el futuro.

La peli me toca mucho porque tengo unos grandisismos amigos rumanos y me pongo en su piel y pienso lo duro que tuvo que ser para ellos dejar su país, pero una cosa que a veces no piensas y que te deja la peli muy claro es que si es duro dejar tu país casi, a veces, es mucho mas duro la vuelta.

Lo que me deja claro una vez mas, algo que siempre tengo presente que cada uno de los inmigrantes que tenemos tiene una historia detrás que la mayoría de las veces es durisisima y esto no se nos debería de olvidar.

Sinopsis

España 1960. Dos amigos, Martín y Marcos, deciden marcharse a Suiza en busca de trabajo. Dejan a sus familias en España y emprenden un viaje hacia una nueva vida en la Europa del progreso y las libertades. Allí descubrirán una mentalidad muy diferente, a la que deberán adaptarse trabajando como mecánicos en una fábrica y viviendo en un pequeño pueblo industrial. Con la llegada de Pilar, la mujer de Martín, con su hijo Pablo, y de Mª Carmen, la novia de Marcos, se les termina la vida de hombres solteros que llevaban en un país con tanta libertad. El trabajo sigue siendo el día a día de Martín y Pilar, mientras el pequeño Pablo comienza a ir al colegio y a integrarse. Con la muerte del padre de Martín, se plantean que lo que habían ido a buscar ya lo han conseguido y es hora de regresar. Para su sorpresa, será más difícil la vuelta que la ida.

EL NIÑO DE LA PELICULA SOY YO

Mi padre dice que los mejores años de su vida fueron los que pasó en Suiza, de 1960 a 1966. Vivir allí nos abrió los ojos y fue muy difícil encajar la vuelta. Eran años difíciles: mi padre y su amigo eran dos oficiales de primera en la mejor fábrica del momento en España y no podían pagar su propio piso. Por eso vivíamos con mis abuelos en el sótano que les correspondía por ser porteros en una finca del barrio de Argüelles.

Tiempo después de haberse marchado mi padre y su amigo a Suiza, un día mi madre me cogió, me llevó al tren, pasamos muchas horas de pie en el vagón, y… ¡llegamos a un jardín! Salí de un sótano y me llevaron a un lugar maravilloso con un río, bosques, donde podía ir con la bicicleta en verano o jugar con el trineo en invierno. He rodado en la casa donde me crié y a día de hoy, al abrir las ventanas, el paisaje sigue siendo el mismo que veía cuando era niño. Allí, desde el primer momento, aprendimos que “lo que es de todos es más mío que lo mío”, y no lo he olvidado nunca.
Cuando volví a Madrid, ya con doce y trece años tenía discusiones con los otros chavales porque decían que los niños nacían… ¡por el ombligo! Yo alucinaba porque a mí me habían dado educación sexual en el colegio. Aquello era un mundo impensable para los españoles, con lagos nudistas, bailes donde sacaban a bailar las chicas, quienes llevaban la iniciativa sexual, además. Las suizas se sentían muy halagadas con los piropos. Incluso vi debates en televisión sobre por qué las mujeres suizas se casaban con italianos y españoles, que qué estaba pasando.
Cuando me anunciaron que nos veníamos, para mí fue algo normal, no me impresionó. Tenía la idea de que en España estaba mi familia, mis abuelos, mis tíos. Lo traumático fue cuando ya estaba aquí. Desde que tengo 18, he ido todos los años a Suiza. Y a mis mejores amigos siempre les he llevado a conocer donde viví. Suiza tiene ahora 7 millones de habitantes y 2 millones de inmigrantes. Allí siguen viviendo 90.000 españoles.
Les reproché mucho a mis padres haber vuelto. Pero cuando escribí el guión de esta película, me decía que de haberme quedado en Suiza igual hubiese sido mecánico fresador en vez de actor. En cualquier caso ésta es una historia contada desde la perspectiva y la comprensión que da el tiempo, y desde la ternura y humanidad que da el haberla vivido.

CRITICA

CRÍTICA por Manuel Márquez

Ya sé que a ese colectivo informal de personas (más amplio de lo que a uno le gustaría que fuera, pero no por ello menos respetable ni merecedor de ser tenido en consideración) instalado en el de-nuesto permanente y ácido del cine español, todo lo que de bueno se pueda decir acerca de una película manufacturada en nuestro país no les va a mover un ápice de su posición. Es lo que tienen las posiciones de crítica sistemática: basadas en una serie de lu-gares comunes y en un conjunto de clichés generalizadores, la po-sibilidad de “sucesos excepcionales” no está contemplada en su código de actitudes y enjuiciamientos, y, en consecuencia, se cie-rran en banda ante la posibilidad de que eso se pueda producir. Peor para ellos: en el caso de "Un franco, 14 pesetas", se pierden la posibilidad de disfrutar con un pedacito de cine hermoso, entrete-nido, tierno y humano, muy humano.

Y es que esta primera película, co-mo director, del celebrado actor (fun-damentalmente, televisivo) Carlos Iglesias, resulta sorprendente por la excelencia de un resultado muy por encima de sus pretensiones. No se trata, ciertamente, de una pelí-cula grandiosa, ni por su factura técni-ca —sencilla y muy poco artificiosa, aunque sí se trata de una película ela-borada con el suficiente cuidado co-mo para que la recreación ambiental del tiempo y el lugar de la historia re-sulten absolutamente creíbles—, ni por lo profundo de sus enunciados —la historia también es un evento cotidiano, común, alejado de cual-quier épica, ni colectiva ni individual, aunque eso no es óbice para que esté muy bien trabada desde el punto de vista dramático—, pe-ro el autor ha puesto en la misma una mirada tan cariñosamente personal, se le nota tanto que nos está transmitiendo una vivencia muy cercana, que, ante ello, cualquier elemento formal o temático sobre el que podamos entrar en valoraciones queda, de manera ine-vitable, minimizado, encogido.

En cualquier caso, he de insistir en que, desde esa premisa de sencillez y escasa pretenciosidad, "Un franco, 14 pesetas"presenta una factura formal bastante cuidada, en la cual des-taca, sobremanera, un trabajo de dirección artística verdade-ramente encomiable, que nos transporta de una manera tan viva como precisa tanto a esa España mugrienta y pobre de los prime-ros años 60 como, en contraste, a una Suiza próspera, rica y her-mosa, la encarnación del mito de Eldorado al alcance de una emi-gración ávida de mejorar su triste situación económica. Resulta evi-dente que hay una intencionalidad clara en remarcar los términos de ese contraste, aunque en ningún momento se pueda atisbar en el mismo un sentido de crítica profunda desde una perspectiva so-cial (las aristas están pulidas, hasta el punto de que si hay algo que aleja a esta amable y tierna comedia de un cierto regusto ber-languiano es, precisamente, esa falta de retranca y acidez), sino, más bien, el retrato fiel de lo que fue la vivencia personal de los he-chos —que, en todo caso, resulta muy creíble en términos dramáti-cos—.

También el film nos ofrece una historia que engancha, una peri-pecia personal humilde, pequeña, desde una perspectiva objetiva, pero que se engrandece por el án-gulo de la mirada: la —admirativa— del hijo que, desde su corta estatura, y su dificultad para comprender cier-tas cosas, contempla a su padre co-mo un hombre cabal, íntegro, aunque no se trate de ningún héroe (sólo en algún episodio concreto hay, quizá, un punto de exceso en ese sentido); en suma, y como decía aquella can-ción de Silvio Rodríguez, por lo me-nos, querible. Es admirable, desde luego, la esquizofrénica capaci-dad de Carlos Iglesias para desdoblarse, mágicamente —y es que el tono de la narración nunca pierde ese punto de encanto, de lumi-nosidad, de dulzura, siempre al borde del abismo de la ñoñería, pe-ro sin caer nunca en él—, en el Iglesias-actor-padre (conteniendo siempre una vena histriónica subterránea, y ofreciendo una compo-sición muy tierna y muy humana del personaje) y el Iglesias-direc-tor-niño (el dueño de esa mirada que posa sobre su padre, no tanto como exponente de un fenómeno social —el de la emigración es-pañola de los años 60—, que queda muy bien retratado, quizá co-mo efecto colateral, sino más bien como un referente básicamente personal). Y su pulso narrativo y su capacidad para dotar a la histo-ria de una continuidad y uniformidad de tono y talante admirables —ese de comedia salpimentada con ligeros pasajes de contrapun-to agridulce, no siempre fácil de conseguir— nos demuestran tam-bién que, tras unos antecedentes un tanto “engañosos” (por decirlo de alguna manera), se halla un hombre con las ideas muy claras acerca de cómo se hace “esto de las películas”.

No quisiera cerrar esta reseña, porque me parecería una tremenda injusticia, sin hacer mención al trabajo interpretativo de la compa-ñera principal de reparto de ese Iglesias-actor al que antes he aludi-do, que es Nieve de Medina: su composición, sobria, medida, que jamás hace sombra al dueño absoluto de la función, es uno de los elementos más convincentes, en este rubro, del film, y creo que se hace digna acreedora a cualquier reconocimien-to formal que, en su momento, se pueda plantear. Trabajos mucho menos convincentes se han visto premiados en los más diversos ámbitos, con lo cual sería de la más “cajoniana” lógica el que esta actriz, siempre tan sólida y tan creíble (en esta película, una vez más, también), los obtuviera por mor de este papel.

Supongo, amigos lectores, que de-cirles, a estas alturas de escrito, que "Un franco, 14 pesetas" es una pelí-cula que me ha sorprendido muy agradablemente, por sus bondades, y que me ha gustado mucho, mucho, sería como una especie de pequeño insulto, una puesta en cuestión bas-tante insolente de sus (obvias) capa-cidades deductivas. Se impone, pues, supongo, y para compensar, una con-fesión (quizá impúdica, no sé): alguna secuencia hubo en la que este humil-de escribiente tuvo que deshacer, no sin trabajo, y sin perder la sonrisa, cierto nudo en la garganta. Hacía muchos, muchísimos años que eso no me pasaba en un cine. No debe ser casual. Gracias, señor Iglesias, muchas gracias, y le espero en la próxima. No tarde, a ser posible...

Bella (película)

2009-05-02T09:47:00.001-07:00

Mi critica:

Genial, ejemplo de peli hecha con dos duros y con un impacto total, nada de grandes superproducciones ni nada por el estilo, un buen guión, unos buenos actores, una buena dirección y MAGIA: una peli con mensaje, con gran importancia a las relaciones familiares, personales y demás.

A continuación un monton de información sobre la peli que os vendrá muy bien.

Para que sepáis toca una tematica superactual: el ABORTO con otra visión.

SINOPSIS

José es una estrella de futbol internacional quien se encontraba en su camino para firmar un contrato multimillonario, cuando una serie de eventos desafortunados desencadenan el final de su carrera de manera abrupta. Ahora es el chef principal del restaurante de su hermano Manny.Nina es una bella camarera en dicho lugar, quien lucha por sobrevivir en Nueva York, descubre algo sobre si misma para lo cual no está preparada. Es así como un irreversible momento, hace que sus vidas den un giro inesperado, hasta que un simple gesto de bondad los lleva a unirse, convirtiendo un día ordinario en una experiencia inolvidable

*Bella*
Título	Bella
Ficha técnica
Dirección	Alejandro Gomez Monteverde
Producción	Sean Wolfington Eduardo Verástegui Leo Severino Alejandro Gomez Monteverde Denise Pinckley
Guión	Alejandro Gomez Monteverde Patrick Million Leo Severino
Música	Stephan Altman
Fotografía	Andrew Cadelago
Montaje	Joseph Gutowski Fernando Villena
Reparto	§ Eduardo Verástegui como José § Tammy Blanchard como Nina § Manny Perez como Manny § Ali Landry como Celia § Ramon Rodriguez como Eduardo § Herbie Lovelle hace un cameo como un vagabundo.
Datos y cifras
País(es)	México Estados Unidos
Año	2007
Género	Drama
Duración	91 minutos
Idioma(s)	inglés español
Compañías
Productora	Metanoia Films
Distribución	Lionsgate (Estados Unidos) Quality Films (México)
Presupuesto	$4,300,000
Ficha en IMDb

Bella es una película del año 2006 dirigida por Alejandro Gomez Monteverde protagonizada por el actor mexicano Eduardo Verástegui y Tammy Blanchard.

Situada en Nueva York, la película trata sobre como en un momento puede cambiar la vida de dos personas para siempre. La película ganó el premio People's Choice Award en el Festival Internacional de Cine de Toronto, usual antesala del Premio de la Academia Americana de Cine Óscar.

Premios

Bella se llevó el premio People's Choice Award en el Festival de Cine Internacional de Toronto en 2006, situándolo en la categoría de previos ganadores al Oscar junto con Carros de Fuego, La vida es bella, Belleza Americana, entre otras.

En el 2007 Bella ganó en el Festival Heartland el premio Crystal Heart Award y también el gran premio de US$100,000 (cien mil dólares americanos) para el Mejor Film Dramático. Este es el mayor premio en efectivo de cualquier festival de cine en el mundo. Bella ya había ganado dicho año ese Festival y el segundo premio fue otorgado por una selección entre las 5 mejores películas dramáticas.

El Instituto Smithsoniano, el más grande y prestigioso del mundo, entregó el día 5 de septiembre del 2007 el Premio Legacy (Herencia) a los cineastas mexicanos Eduardo Verástegui y Alejandro Monteverde, por su positiva contribución al arte y cultura latina,en una gran fiesta de gala, en reconocimiento a sus contribuciones a la cultura de ambos países por medio de su trabajo, visión y compromiso.

Recibió también en el 2007 el Tony Bennett Media Excellence Award.

Recaudó 1,3 millones de dólares en su primer fin de semana en sólo 165 pantallas a pesar de competir con películas que se exhiben en 3.000 a 4.000 pantallas. En total recaudó 7,6 millones de dólares.

Música

La música está compuesta por Stephan Altman y las canciones que se escuchan a lo largo de la película y durante los créditos son:

§ Sway - Rosemary Clooney

§ El Pilote - Manuel Iman

§ Te Lo Agradezco Pero No - Alejandro Sanz

§ On My Own/No Puede Salvarme - Joey Ryan

§ Valentín de la Sierra - Xocoyotzin Herrera

§ Lo Que Dios Quiera - Marco Flores

§ Cucurrucucu paloma - Caetano Veloso

§ En la Palma de tu Mano - Daniel Indart

§ Light On - Joey Ryan

§ Nearer Blessed Lord - Nina Simone

§ Junk in the Trunk - David Carpenter

§ Jaleo - Manuel Iman

§ Será la Forma - Daniel Indart

§ Meet me by the Water - Rachael Yamagata

§ My Love Goes Free - Jon Foreman

ARTICULOS Y ENTREVISTAS ANTE EL ESTRENO

Bella, la película que ha salvado veinticinco vidas.

Mañana llega a nuestras carteleras una película singular. Dicen los expertos que su calidad es superior a la media, pero tiene dos problemas. El primero es que es cine independiente, así que no tendrá el apoyo publicitario que tienen muchas películas mediocres. En segundo lugar, su visión del amor es "tradicional", que dirían los progres. Quizá habría que decir que los personajes sienten amor y no sólo atracción sexual. Se comportan como personas y no como animales. En esta sociedad enferma, que los seres humanos se comporten como tales es políticamente muy incorrecto.
Copio a continuación una entrevista a Eduardo Verástegui.

"MI PELÍCULA HA SALVADO VEINTICINCO VIDAS"

Renunció a una prometedora carrera de galán en Hollywood para producir películas indpendientes. Ahora estrena en España Bella, éxito de taquilla en Estados Unidos que reivindica a los latinos.

- Por fin nos trae a este lado del Atlántico su primera película como productor, Bella, que ha sido un fenómeno social en Estados Unidos y que desmonta los tópicos sobre los latinos...
- ¡Somos cincuenta millones de latinos en los Estados Unidos, más que españoles en España! Y allí desde hace décadas se nos estereotipa muy negativamente en el cine y en la televisión como delincuentes, narcotraficantes, prostitutas, borrachos, mujeriegos... Yo me estaba forjando una carrera convencional en Hollywood hasta que me di cuenta de que contribuía a esa manipulación con los papeles que aceptaba. Así que me hice la promesa de no volver a trabajar en ningún proyecto que ofendiera a mi fe, a mi familia o a mi comunidad latina, y de contribuir, como productor, a sanar la sociedad con películas diferentes que emocionen y muevan a la reflexión.
- En la "peli" destroza, supongo que voluntariamente, su imagen de "guaperas".
- Claro. Esto fue idea del director, Alejandro, que me dijo: "Tú has sacrificado tu carrear y te quedaste solo conmigo y con este proyecto. De modo que tengo que ponerte fachoso, con barbas para realzar la belleza interna del personaje".
- Además asume un papel atípico en el que la relación con la chica es platónica...
- Queríamos hacer una historia de amor profunda, más allá del romance. Y romper con las reglas, porque, ¿qué hubiera hecho Hollywood en la escena de la playa?
- ¡Un revolcón, seguro!
- ¡Claro! Un revolcón. Y, después, la protagonista habría abortado, a él le pegan un tiro y ella se suicida. Con esos ingredientes en Hollywood dirían "¡Qué peliculón!". Ganaría el Oscar. Pero nosotros pretendíamos otra cosa. Mostrar el verdadero rostro del latino, a través de una familia unida y trabajadora en la que padres e hijos comen juntos.
- ¿Eso es lo que el público ha agradecido?
- La gente de la comunidad latina cuando veía esta película nunca me comentaba "qué buena" o "qué mala". Simplemente me decían "gracias"
- Sus planteamientos como cineasta recuerdan algo a Frank Capra, en la onda de "¡Qué bello es vivir!"
- ¡Ayer me dijeron lo mismo! Aunque no nos hemos inspirado en eso.
- ¿Tiene nuevos proyectos entre manos?
- Sí, cinco diferentes, pero todos con el mismo espíritu que ha animado "Bella". Para mí lo más satisfactorio no es que la película haya ido bien en taquilla, sino que ha salvado veinticinco vidas. Me consta ese número de casos de mujeres que han renunciado a abortar después de verla.
- ¿Es católico practicante?
- Voy a misa todos los días. Al llegar a España lo primero que he hecho es informarme de cuáles son las parroquias más cercanas al hotel. Necesito ese alimento espiritual.

Bella: una película sobre el amor más puro

Bella es una película sobre el amor que va más allá del romance, llena de corazón, alma y buenos mensajes. Increíblemente encantadora, con grandes actuaciones.

Bella: una película sobre el amor más puro

El primer largometraje de Metanoia Films, hecho con poco presupuesto y pocos famosos, basado en un hecho real, ha resultado ganador —por gracia de Dios, dice Eduardo Verástegui— del Premio del Público en el festival de Toronto. Las críticas a su favor en Estados Unidos son abrumadoras.
Muchos ya hemos escuchado sobre la conversión de Eduardo Verástegui, actor mexicano que iniciaba una exitosa carrera en México y en Hollywood. Después de haber estado inmerso en el ambiente viciado del mundo de la farándula, un encuentro con Dios lo llevó a proponerse un cambio de valores, y a hacer de su vida algo que sirviera a Dios y al prójimo. Según nos hemos enterado por una entrevista en el canal católico de EU, EWTN, su primera intención fue retirarse del mundo a una existencia de soledad y silencio.
Pero un sacerdote que ha tenido contacto con los medios lo desafió a que llevara su mensaje precisamente al mundo del espectáculo y a través del espectáculo. La pregunta era: ¿Se puede? Porque ya estamos acostumbrados (y los mexicanos más) a pensar que sólo triunfa lo vulgar, lo inmoral, lo grotesco, lo deprimente, lo erótico, lo irreverente... la cultura de la muerte, pues.
Ahora, por medio de la misma entrevista, nos enteramos de que este actor, junto con otros cineastas y empresarios que comparten su modo de pensar, ha fundado la productora Metanoia (Conversión) Films, con el objetivo de crear películas que lleven mensajes edificantes y, sobre todo, que muestren las bondades de la cultura latina, en contra de la imagen primitiva y caricaturesca del latino que la cultura Hollywoodense ha creado.
Su primera película, Bella, hecha con poco presupuesto y pocos famosos, basada en un hecho real, ha resultado ganadora —por gracia de Dios, dice Verástegui— del Premio del Público (Peoples Choice Award) en el festival de Toronto que, según los críticos, es como la antesala del Óscar. En situación similar han estado películas como Carros de Fuego, Belleza Americana o La Vida es Bella.
Las críticas a favor en EU han sido abrumadoras. Se trata de una historia de amor que va más allá del romance, llena de corazón, alma y buenos mensajes. Increíblemente encantadora, con grandes actuaciones. Una película poderosa, apasionada e impredecible; una rara joya cinematográfica. Captura las mejores cosas de la vida: amor incondicional, el valor de la vida del no nacido, la familia, la redención... Nos muestra que a veces hay que perder algo para descubrir lo que realmente importa.
Algunos comentaristas han visto en esta película un triunfo de los iberoamericanos, que han desafiado y vencido a los sajones en su propio terreno y con sus propias armas. Nosotros lo queremos ver como un triunfo de la bondad sobre la barbarie. «Dice la Biblia que ni la hoja del árbol se mueve sin la voluntad de Dios», decía el obispo. «Pero algo ha de tener que ver el aigre», decía la viejita. Aquí sucede al revés: no dudamos que Verástegui y sus compañeros sean muy talentosos, pero algo ha de haber tenido que ver Dios.
La película fue estrenada en Estados Unidos el año pasado y en México se estrenará en el mes de mayo. Esperamos que mucha gente se beneficie al irla a ver y que estos inspirados productores encuentren el aliciente para seguir adelante.

Vicky Cristina Barcelona: mi critica

2009-04-28T13:39:00.001-07:00

He visto pocas de woody y me han divertido pero esta la tematica es un poco ALMODOVAR con tríos, cuernos y demas y tenía ganas de verla por Penélope que la estan poniendo a tope de premios y tampoco me ha gustado (lo dicho que no es un trabajo de Oscar pero como la industria americana es asi, y no es envidia ni historias de estas, por ejemplo en VOLVER me encantó),
La peli es un buen anuncio de viajes sobre BARCELONA Y OVIEDO ya que hace una promocion de lo mas turistico.
Se puede ver pero no es un peliculón

Otra critica leida por la red

Vengo de ver Vicky Cristina Barcelona, la última película de Woody Allen. La verdad es que me ha gustado. Está muy bien, siempre y cuando vayas al cine consciente de que no es la típica película de Woody Allen.

Lo primero que hay que destacar es que hay que verla en versión original. Por lo general, y los lectores habituales del blog lo sabéis, soy partidario de ver siempre las película en ese formato, pero con algunos filmes en concreto, es algo obligado (como por ejemplo Bella), y este es el caso. Y es que hay escenas en que se entremezclan frases en inglés y castellano, radicando precisamente en esa mezcla de idiomas la clave de la escena. Incluso en muuuuuuchas ocasiones, los personajes dicen “habla en inglés”. Ya me dirás tú cómo adaptan eso al doblarla. Han debido de cargarse e inventarse escenas enteras. En fin…

Otro detalle que me gustaría detacar es Rebeca Hall, quien interpreta el personaje de Vicky. En mi opinión es la mejor de la película, tanto ella como su personaje.

Y por último, darle la enhorabuena a Woody por la selección de paisajes, tanto en Barcelona como en Oviedo, las dos ciudades en donde se ambienta la película.

La Generalitat de Cataluña debería estar orgullosa de la buena publicidad que esta película va a dar a Barcelona y alrededores. De hecho, parece ser quepagaron a Allen por ello e incluso se dice que también para que incluyera Barcelona en el título. SIn embargo, están un poco moscas porque haga una sátira del nacionalismo catalán, haciendo un chiste respecto a que la Vicky está en Barcelona haciendo un “Master en Identidad Catalana”.

Por último, me gustaría hacer una crítica al cartel promocional que podéis en esta entrada. ¿Por qué se ha dejado a Rebecca Hall fuera del cuarteto protagonista? Supongo que responde a cuestiones de marketing (es la menos conocida de los cuatro), y ello me indigna bastante. Seguro que me dais la razón después de ver la peli.

En resumen, que os la recomiendo, que vayáis a verla, y que sea en Versión Original.

Hala majos

A. Bulsata

Russell Crowe de ROBIN HOOD

2009-04-26T13:58:00.001-07:00

REPARTO DE LA PELI QUE ESTAN RODANDO

Universal ha anunciado el casting completo para la nueva película de Ridley Scott. “Robin Hood” que ha comenzado su producción en el Reino unido y que cuenta en su reparto con la presencia de Russell Crowe y Cate Blanchett además de:

Vanessa Redgrave (Julia, Expiación) como la Reina Eleonor de Aquitania, madre de John y Richard
Mark Strong (Stardust) como Sir Godfrey, cómplice del Rey John
Oscar Isaac (Che) como el Rey John
Léa Seydoux (Inglourious Basterds) como la mujer que será Reina, Princesa Isabella de Francia

La Banda de Robin Hood:

Scott Grimes (Urgencias, American Dad) como el Galés Will Scarlet
Kevin Durand (X-Men Origins: Wolverine, El tren de las 3:10) como Little John, mano derecha de Robin
Alan Doyle como el trovador Irlandés Allan Adayle

Festival de cine de Málaga 09

2009-04-26T12:53:00.001-07:00

“La vergüenza” de David Planell gana la Biznaga de Oro en el Festival de cine de Málaga

La Película ‘La vergüenza’ de David Planell y protagonizada por Alberto San Juan, Natalia Mateo y Marta Aledo. La cinta con la qué se inauguro el Festival de cine Málaga ha ganado la Biznaga de Oro a la mejor película. “La vergüenza” es el primer largometraje del director David Planell y trata la historia de los problemas de una familia de adopción con su hijo adoptivo y con la trabajadora social que les ayuda.

Asimismo, ha decidido otorgar el Premio Especial del Jurado a ‘El niño pez’, de Lucía Puenzo, mientras que el Premio de la Crítica fue para ‘Pagafantas’, de Borja Cobeaga, según dieron hoy a conocer en rueda de prensa el director del certamen, Carmelo Romero, y el presidente del jurado de la Sección Oficial de Largometrajes a Concurso, Álex de la Iglesia.

Por otro lado, la Biznaga de Plata como Mejor Actriz la consiguió Nausicaa Bonnín, por la película ‘Tres días con la familia’, de Marc Coll; y el premio al Mejor Actor recayó en Eduard Fernández, por su interpretación en la misma cinta.

El director del festival destacó que este certamen se hace para apoyar al cine español y al latinoamericano mientras que De la Iglesia subrayó que es el “mejor festival en el que he estado nunca”. “No son palabras vacías”, manifestó.

Destacó la buena organización y la calidad de las películas presentadas. Además, solicitó que se valore más a estos festivales por el apoyo que suponen para el desarrollo del cine español.

Fuente: Europa Press

"9" ANIMACION NO INFANTIL

2009-04-26T12:18:00.000-07:00

Numéro 9 - Clip Vidéo / Extrait #1 HD [VO]
by Lyricis

PINCHA SI QUIERES SABER MAS
No todo va a ser cine de animación para los más jóvenes, o lo que últimamente denominan cine familiar, que de ésto no tiene nada pero hay que atraer a las salas de cine a todo tipo de personas. No llegará a los taquillazos de Pixar y compañía, pero seguramente les sepure en lo que nos puede ofrecer.

Basado en el corto nominado a los Oscars de igual nombre, 9, viene avalado por uno de los mejores directores del momento, el gran Tim Burton y Timur Bekmambetov, que ponen la pasta a esta cinta recreada por el método de Hauntingly Beautiful, algo parecido al Stop Motion.

El film nos sitúa en un mundo post-apocalíptico donde todos los seres humanos han desaparecido. La historia nos sitúa en los sucesos iniciados por el nacimiento de 9, quien descubre una comunidad de otros seres (muñecos de trapo) que son similares a él, los cuales están buscando refugio para esconderse de las máquinas que arrasan con todo ser que se cruza en su camino. 9 intentará descubir porque las máquinas quieren destruirlos.

Como muestra aquí tenéis este fantástico clip y el trailer en su versión original subtitualda al español en este enlace.

La cinta se estrenará en USA 9-9-09.